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CINE Y LITERATURA: “CASABLANCA”

En este caso el origen de la película no es una novela, es una obra de teatro, que también es literatura, pero lo curioso es que no había sido llevada a los escenarios cuando los productores de Hollywood compraron los derechos de autor. Asumieron el riesgo pagando 20.000 dólares, que parece poco ahora pero que era una cantidad exorbitante para la época y más para una obra no representada.
La pieza teatral se llamaba “Everybody comes to Rick’s” y los autores, una pareja de dramaturgos poco conocidos: Murray Burnett y Joan Alison.

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En la obra teatral ya se encuentran la mayoría de los giros argumentales que se utilizarían en la película, las modificaciones de los guionistas consistieron en enfatizar el romanticismo haciéndolo más melodramático y potenciar los elementos políticos.
Los personajes principales ya se encontraban en la obra teatral, incluso la canción “As time goes by”.

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La película la dirigió Michael Curtiz en 1942 y tuvo una acogida no excesivamente calurosa ni por el público ni tampoco por la crítica. Ganó tres Oscars: Película, Director y Guion adaptado.

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Curtiz era el director de moda en aquel momento, había rodado éxitos de taquilla como “Robin de los Bosques” o “Yanqui Dandy” siendo los protagonistas Humphrey Bogart (un cuarentón muy carismático) y la jovencísima actriz sueca Ingrid Bergman (con 27 años y solo un par de películas en Estados Unidos) y rodeados por unos secundarios de lujo como Peter Lorre, Conrad Veidt, Paul Henreid y el genial Claude Reins haciendo de Louis Renault.


Con el tiempo Casablanca fue adquiriendo la categoría de cult movie pese a tratarse de un film, hasta cierto punto mediocre y nada revolucionario técnicamente. En este film se dio el caso inusual que reunía todos los requisitos para ser un mito cinematográfico: una canción de referencia, unos diálogos característicos brillantes y memorizables, bellos perdedores, sentimentalismo un tanto cínico y un final “infeliz” aunque necesario para la época (no se contemplaba entonces la posibilidad de que una esposa abandonara a su marido por otro hombre en un aeropuerto). La trayectoria emocional de Rick es simbólica y significativa. La película se estrenó en 1942, justo en plena Guerra Mundial cuando en los Estados Unidos estaba muy viva la polémica de intervenir o no en la contienda. Rick es norteamericano que manifiesta púbicamente que no tiene ningún interés en inmiscuirse en la guerra. Cuando le preguntan su opinión responde: “Dispénsenme caballeros. Lo de ustedes es la política. Lo mío, dirigir este local”, no obstante a medida que avanza el argumento Rick, no solo se implica sino que termina renunciando al amor de su vida para combatir el fascismo. Como su país.

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“Casablanca”, sin ser un musical, incorpora algunas escenas, al margen de la banda sonora propia, que influyen en la percepción del público sobre la historia que están contemplando. Una escena épica y otra romántica y ambas célebres. En la épica, los franceses que se encontraban en el interior del Rick’s”, consiguen silenciar los cánticos nazis de los alemanes interpretando a voz en grito “La Marsellesa”, el himno nacional francés, popular en los Estados Unidos como símbolo de la Resistencia. Es una escena realmente impresionante por su significado.

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La escena musical romántica está construida alrededor de  la famosa “As time goes by” compuesta en 1931 por Herman Hupfeld que formaba parte del musical de Broadway “Everybody’s Welcome” y olvidada hasta que resucitó en “Casablanca”, con la voz de Dooley Wilson (Sam) acompañado al piano por Elliot Carpenter que es quién realmente se escucha en la banda sonora.
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Con el tiempo su poder como película de referencia se ha ido incrementando y Woody Allen no es ajeno a ese fenómeno. En 1972 en su película “Sueños de un seductor” reavivó la figura de Bogart y por extensión “Casablanca”. En todas las encuestas y listas publicadas en prensa y estamentos especializados norteamericanos “Casablanca” aparece siempre entre los primeros lugares del ranking e incluso está preservada en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos por ser “cultural, histórica o estéticamente significativa».

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“Louis, presiento que esto va a ser el comienzo de una hermosa amistad”

Las escenas que recordamos son, dentro de sus limitaciones y mediocridad evidente, como un rito personal que entendemos como propio, Todos vienen a ver a Rick “a kiss is just a kiss…”

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CINE Y LITERATURA: “EL EXORCISTA” UNA HISTORIA TERRORÍFICA

Exorcismo es el ritual religioso o espiritual que se realiza con la finalidad de expulsar una fuerza maligna que se ha instalado en una persona sometiéndola y controlándola en contra de su voluntad. La fuerza maligna puede ser un demonio o un espíritu que se mueve y habla a través de la víctima.

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San Francisco de Asis exorcisando a los demonios en Arezzo (Giotto)

El ritual consiste en la repetición de oraciones y el uso de objetos sagrados que puedan repeler al ente maligno, como agua bendita o reliquias.
En el evangelio se encuentran varios episodios de exorcismo, lo cual da legitimidad a los rituales practicados por miembros de la Iglesia Católica con la finalidad de expulsar a las fuerzas malignas del poseído.

 

 

 

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San Francisco de Borja exorcisando (Goya)

 

 

 

 

 

 

En 1972, un escritor norteamericano llamado William Peter Blatty publicó una novela sobre un tema vidrioso y poco conocido: el exorcismo.
Su novela se llamaba “El exorcista” y estaba basada en un hecho real ocurrido en Maryland en 1949 y enseguida se convirtió en un éxito de ventas.

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William Peter Blatty

William Peter Blatty fue un escritor  más interesado por el cine que por la literatura. Escribió varios guiones cinematográficos en la década de los 60 aunque es más conocido por su éxito literario “El exorcista” que empezó a escribir en los años 50 y publicó en 1972 convirtiéndose en uno de los best sellers de la dècada. Más adelante escribió algunas novelas que no alcanzaron el éxito de la primera.

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En 1973, En Hollywood deciden llevar a la gran pantalla la novela de Blatty, para ello lo contratan como guionista de su propia novela y escogen a un joven y prometedor realizador para que la dirija: William Friedkin.

Friedkin se hizo un nombre en Hollywood gracias a su película “The French Conection” (en España conocida como “Contra el imperio de la droga”) filmada en 1971 y con la que había renovado las características  del cine policíaco.  La película de 1973 se llamó igual que la novela: “El exorcista” y constituyó un éxito mundial, siendo considerada la mejor película de terror desde la aparición del cine sonoro. Sólo “El resplandor” de Stanley Kubrik se le puede comparar. Al igual que Blatty, después de “El exorcista”, la obra de William Friedkin no se puede considerar exitosa.

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William Friedkin

Después de la explosión cinéfila de esta película, un tema, el del exorcismo, que no había formado parte de los mitos terroríficos cinematográficos creó escuela siendo innumerables las secuelas posteriores sin llegar a alcanzar la excelencia de la película de Friedkin.

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Hay una lectura de género en la historia, una lectura feminista, tanto en la novela como en la película. En la revista de cine “Dirigido” del mes de julio de 2017, Luis Pérez Ochando da las pistas de por dónde pueden ir los tiros al respecto cuando dice:
“Podemos entender que la entrada del demonio en el hogar sucede en ausencia de la ley del padre –la madre es agnóstica, soltera y profesional de éxito- y que solo puede ser expulsado trayendo a la casa el orden patriarcal por antonomasia: la Biblia en manos de dos sacerdotes”
La historia que subyace en la película que vemos y el libro que leemos es la de una niña a un paso de la adolescencia que se resiste a convertirse en una buena chica convencional y respetuosa siguiendo los pasos de su madre, modelo perfecta pero a la que ella no quiere parecerse y se revuelve con todas sus fuerzas contra los símbolos de la cultura patriarcal.

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El director con la niña protagonista (Linda Blair)

 

“El exorcista” es una muy buena película y consiguió generar mucho miedo en los espectadores de la generación de los 70-80 manteniendo su vigencia hasta nuestros días.

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CINE Y LITERATURA: “LAS UVAS DE LA IRA”

 

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En la concesión del Premio Nobel de Literatura de 1962 hubo una cierta controversia, en cuanto a la bondad de la elección del autor premiado. El mismo autor, al ser preguntado sobre si se consideraba merecedor del premio contestó con “Francamente, no” y probablemente no era un gesto de falsa modestia sino de sinceridad.

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El autor, John Steinbeck, californiano de origen europeo, nacido en la localidad de Salinas había ganado el premio Pulitzer en 1940 con su obra “Las uvas de la ira” basada en una serie de artículos periodísticos que narraban un fenómeno que se dio en los Estados Unidos en los años de la llamada Gran Depresión, en los años 30. Se trataba del  movimiento migratorio, obligado por las circunstancias económicas, de los recolectores agrícolas que habitaban en las zonas del Medio Oeste, principalmente Oklahoma y Nebraska y también Kansas y algunas zonas de Texas que, castigadas por sequías sistemáticas, diluvios devastadores y escasez de trabajo se desplazaron hacia el oeste, hacía California, donde esperaban encontrar trabajo y una mejor calidad de vida. Javier Coma en su libro “Entre el Nobel y el Oscar” lo explica así:

Los problemas eran gravísimos, hasta el punto de que algunos miles de familias estaban en peligro de morir de hambre mientras el gobierno topaba con dificultades para hacerles llegar víveres y medicamentos; los granjeros poderosos, gracias a que la demanda de puestos de trabajo resultaba elevadísima, ofrecían pagas ínfimas y atajaban brutalmente cualquier tentativa de rebelión. Por otra parte, los múltiples parados y sus familiares padecían el rechazo de la población, insensible al drama de los mismos y favorable a que se les expulsara de los nucleas urbanos y sus cercanías”

Algo parecido a lo que está pasando ya hace algunos años en Europa a un nivel más internacional y más dramático. No hay nada nuevo bajo el sol.

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Steinbeck, que era políticamente de izquierdas e incluso se rumoreaba que estaba investigado por el FBI como posible comunista, conoció el drama de primera mano visitando campamentos y lugares de trabajo de estos inmigrantes forzosos y escribió sobre ellos en la prensa de San Francisco y en su obra mencionada: “Las uvas de la ira”. El libro se publicó en 1939 y enseguida recibió las críticas furibundas de los granjeros californianos y las asociaciones comerciales y también escuelas y bibliotecas que boicotearon el libro y ejercieron presión social hostil sobre Steinbeck y su familia. Situación que se agravó notablemente con la filmación y proyección de la película rodada por la Fox bajo la dirección de John Ford al año siguiente.

“Las uvas de la ira” narra la migración de una familia de Oklahoma, los Joad, hacia California perdiendo por el camino ideales y personas.

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La película de John Ford se llamó igual que la novela y también es extremadamente fiel a una gran parte del argumento, algo extraño en Ford que era muy dado a imponer en sus películas su sello personal. En este sentido conviene destacar que, por imposición de la productora, el final es sensiblemente diferente, donde Steinbeck terminaba sin especificar con claridad el destino de los Joad, aunque se intuye que seguirán en la pobreza y la desesperación. Solo una luz que simboliza un futuro mejor aparece cuando una mujer, miembro de la familia cuyo hijo había nacido muerto, amamanta a un extraño al borde la muerte por inanición, abriendo la puerta a una fraternidad más allá del grupo familiar y que podría representar un futuro mejor. En la película por el contrario, las secuencias finales son de esperanza, sugiriendo que los Joad saldrán adelante a pesar de todo con Tom Joad (Henry Fonda) abandonando a su familia y emprendiendo un camino nuevo en solitario.

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John Ford obtuvo el Oscar al mejor director por “Las uvas de la ira” en 1940 y es una de sus mejores películas, Javier Coma en la obra mencionada dice lo siguiente de Ford:

“Notorias coincidencias de la ficción literaria con el mundo personal de Ford debieron influir en la reverencia con que éste puso en escena un guion leal a Steinbeck. Muy sensible a los temas de las raíces, el hogar y la familia, el director quedó probablemente conmocionado por la historia de los Joad, obligados a marcharse de su tierra y de sus casas y paulatinamente disgregados. En especial la ruta particular de Tom Joad componía estampas típicas del universo fordiano: el regreso al hogar, el reencuentro con la familia; la partida de la tierra natal en compañía de abuelos, padres y hermanos, la marcha final, en solitario, hacia la lucha, renunciando a la compañía de los anteriores.”.

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La esposa de Steinbeck, Carol, encontró las palabras que dan el título de la obra en un poema de 1861, de Julia Ward Howe” concretamente en el ·The Battle Hymn of the Republic” aparece la frase referida a Dios: “Está pisoteando la vendimia donde se acumulan las uvas de la ira”.

Música norteamericana de los años de la Gran Depresión, “The Carter Family” uno de los grupos más conocidos e influyentes de la música folk

 

 

Y Libby Holman con el famoso blues “The House of the rising sun”

 

 

 

 

 

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CINE Y LITERATURA: LA NARANJA MECÁNICA

En plena I Guerra Mundial, en 1917, nacía en Manchester Anthony Burgess, autor de “La naranja mecánica”, novela polémica en su día, como también lo fue la versión cinematográfica que, en 1971, filmó Stanley Kubrick.

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Anthony Burgess

Burgess, era un intelectual muy completo, notable compositor de música clásica, en literatura destacó en todas las ramas: crítico, poeta, traductor, dramaturgo, lingüista, pedagogo y también escritor. Su facilidad con las lenguas (llegó a conocer una docena), le llevó a inventar lenguajes ficticios como el prehistórico “Ulam” o el “Nadsat” la jerga que utilizan los personajes principales de “La naranja mecánica” tanto en la novela como en la película.

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La novela fue publicada en 1962 y el argumento es sobradamente conocido. Se podría resumir en como una persona, actuando como un ente libre, agrede a la sociedad en la que habita y en como la sociedad agredida reacciona aislando al agresor, como si fuera un elemento enfermo y al mismo tiempo aplicándole un tratamiento que le dejará indefenso y vulnerable a las agresiones de otros elementos de la misma sociedad. Pero la historia es mucho más compleja, ambientada en un mundo distópico, sigue de cerca la actuación del protagonista, un adolescente violento, astuto y egoísta que practica el mal como diversión sin ningún escrúpulo, hasta que cruza una línea roja matando a una anciana y provocando la intervención de la sociedad para eliminar el elemento tóxico. Nada diferente a lo que podemos encontrar en nuestra sociedad actual. Si bien en la novela de Burgess, la sociedad utiliza al protagonista como un conejillo de indias para experimentar una terapia de choque que impida utilizar la violencia a los agresores sistemáticos, suministrándoles una droga que les provoque un malestar insoportable ante la visión de escenas violentas. No es otra cosa que generar reflejos condicionados como Pavlov demostró con sus perros. Este tratamiento pretende dejar al individuo como un ser dócil y obediente, en realidad se trata de quitarle la libertad. Metáfora de lo que la sociedad quiere de los individuos, que sean dóciles y que no piensen más que para votar..

En la historia de Burgess la cosa se complica con la aparición de la prensa y los políticos y vuelven a dejar al protagonista como estaba, es decir libre para hacer lo que desea.

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En 1971, Stanley Kubrick filma la película “La naranja mecánica” basándose en la novela de Burgess. Es una versión muy respetuosa con la novela si bien el medio cinematográfico permite enriquecer la historia con las imágenes, la música y el montaje en todo lo cual Kubrick era un maestro. La película fue un éxito mundial a excepción de Gran Bretaña, donde estuvo prohibida por considerar que era un film que incitaba a la violencia.

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Stanley Kubrick

En cuanto al argumento hay pocas diferencia salvo una muy significativa. La primera versión de la novela terminaba con el protagonista quedándose como estaba al principio es decir libre pero tóxico para la sociedad. El editor sugirió a Burgess un final más positivo y el escritor incluyó en una edición posterior un polémico capítulo 21 en el que Alex (el protagonista) toma la decisión de convertirse en un adulto responsable. Kubrick ya tenía el guión confeccionado y no quiso incluir ese final más dulce y convencional, lo cual irritó a Burgess hasta el punto de renunciar a su libro después de haber visto la película.

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Kubrick filma una película poliédrica tocando temas capitales como la sociedad y sus mecanismos, el individuo en cuanto a entidad libre y que dispone del libre albedrío, o no. También aparece la ética, la religión y la estética, es muy importante el arte y la música en el film.

Uno de los aspectos más interesantes de la película es que Kubrick la dota de una lectura metalingüistica con un discurso sobre la naturaleza del propio espectáculo tanto cinematográfico como teatral. Hay danza, teatro y abundantes referencias al cine de Hollywood pero siempre con un tono irónico característico del autor.

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CINE Y LITERATURA: “TRAUMNOVELLE”

.Cuando en 1926, el médico austriaco Arthur Schnitzler publicó una pequeña novela llamada “Traumnovelle” (en castellano “Relato soñado”), no podía imaginar que 73 años después, en 1999, un director de cine norteamericano, llamado Stanley Kubrick, la llevaría a la pantalla para crear su obra más personal y más significativa y a la que tituló como “Eyes wide shut” que significa algo parecido a “ojos bien cerrados”. Fue su obra póstuma y también la más incomprendida.

Schnitzler había nacido en Viena en 1862 y era médico de profesión, siendo su vocación narrador y dramaturgo. Desde el punto de vista literario, es interesante hacer constar que fue uno de los primeros escritores en lengua alemana en utilizar el monólogo interior. En su obra tienen peso algunos conceptos complejos y que estaban en boga en la Viena de principios del siglo XX: el erotismo, la psicología, la construcción de personajes y sobre todo las relaciones personales. Fue muy controvertido por tratar con dureza a la sociedad vienesa de su tiempo, al ejército y a la institución matrimonial. Su obra más universal fue una pieza teatral llamada “La ronda” que también fue llevada al cine por Max Ophüls en 1950.

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En 1999, Stanley Kubrick, estaba en la cima de su carrera cinematográfica, aunque contaba ya con 70 años. Tenía un gran prestigio después de trece películas, algunas de ellas consideradas entre las más influyentes en la cinematografía mundial. Por citar solo algunas: “Espartaco”, “Lolita”, “2001 Una odisea del espacio”, “La naranja mecánica” o la que comentamos en estas líneas “Eyes wide shut”.

 

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“Eyes wide shut” traslada la historia de Schnitzler de la Viena de los años veinte al Nueva York de finales de siglo y de milenio.
La interpretación que hace Kubrick y su guionista Frederic Raphael es sencillamente magistral. Describe los rasgos de los personajes mediante sugerencias en la planificación y con un empleo dramático de la fotografía, del color, la música y el decorado.

 

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El héroe de la película (interpretado por Tom Cruise), al igual que el de la novela, se lanza de forma más intuitiva que reflexiva a vivir una serie de experiencias sexuales que esconden una insatisfacción existencial. Acosado por el demonio de los celos después de la revelación de un deseo no consumado de su mujer (de ahí el título de “Relato soñado”) emprende una huida hacia delante que le llevará a un mundo extraño en el que no encaja y que tampoco comprende. Ni Kubrick ni tampoco Schnitzler sienten la menor compasión por su criatura, el cual a pesar de sus ansias de libertad, está prisionero de la tela de araña tejida a su alrededor por su vida cotidiana, la relación con su mujer y su posición social acomodada. Se encuentra perdido en un universo inseguro e inquietante. Tanto el libro como el film terminan con la liberación del protagonista después de sincerarse con su esposa y después de aceptar, los dos, la verdadera realidad de su relación de conveniencia dentro del marco de su statu quo y que se resume en el plano final de la película de Kubrick en ese explícito “fuck” que pronuncia la protagonista (interpretada espléndidamente por Nicole Kidman), de hecho es lo único que tienen en común. “Fuck”

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Escena de la confesión del sueño que ha generado el conflicto matrimonial (en los subtítulos se traduce “fuck” como “coger”)

 

Escenas de la película con el Vals número 2 de Shostakovich que forma parte de la inolvidable banda sonora.

 

 

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CINE Y LITERATURA: “PLEIN SOLEIL”

En 1960 el director de cine francés René Clément rodó una película singular. Se llamaba “Plein soleil”, en España “A pleno sol” y estaba basada en la novela “El talento de Mr. Ripley” de una autora norteamericana llamada Patricia Highsmith.

 

Cuando vi esa película, me impactaron varias cosas:
– La trama era muy original, para ser un thriller no era maniquea, los buenos y los malvados se confundían de tal modo que podías empatizar  con un asesino y despreciar a la víctima
– Los actores, los tres perfectos en su papel: Maurice Ronet, la víctima, Alain Delón, el malvado (le beau ténébreux) y Marie Laforêt el objeto del deseo de los dos
– La fotografía y la música de Nino Rota, genial como siempre.

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Merece la pena detenernos un poco en “le beau ténébreux” (el bello tenebroso) es un arquetipo que viene de lejos pero en este caso, entre Patricia Highsmith y Alain Delón, componen un personaje amoral pero muy interesante. Digo que viene de lejos porque sus raíces las podemos encontrar en el Romanticismo del siglo XIX, así los héroes cínicos y altivos creados por Baudelaire, Valle Inclán, Lermontov e incluso el más conocido, el Dorian Gray de Wilde son la génesis del bello tenebroso que Highsmith moderniza. Hay todavía un antecedente más directo en el protagonista de “El fuego fatuo”, una novela de 1931 del escritor francés Pierre Drieu La Rochelle. En esta novela el protagonista, que curiosamente se llama Alain, ya es más un hombre del siglo XX mucho más activo y menos hierático que sus predecesores del siglo XIX. En definitiva se trata de un arquetipo de una belleza extraordinaria que encierra la maldad, las fuerzas contradictorias que se encuentran en el alma humana, algo así como la modernización de Luzbel, el ángel caído.
Alain Delón está perfecto en su interpretación, debo decir que en su momento consideré al actor como un ser hermoso y admirable, a pesar de detectar en su mirada una llama inquietante. Extrañamente me despertó empatía en mayor grado que el personaje de Maurice Ronet que, siendo más correcto y sin dobleces, se hacía odioso por su arrogancia y altivez. Patricia Highsmith dio vida a ese personaje contradictorio y ciertamente atractivo en cuatro novelas más, alguna de ellas llevada también al cine con menos calidad que “Plein soleil”

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La protagonista femenina, ciertamente limitada como actriz pero muy atractiva físicamente (unos ojos impresionantes) la interpreta una cantante, Marie Laforêt y lo hace de manera creible.

En 1968, Pier Paolo Pasolini en “Teorema”, tambien abordó el tema del bello tenebroso, en esta ocasión era Terence Stamp el que ponia patas arriba a toda una família de classe alta utilizando sus encantos y su maldad.

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En 1999, Anthony Minghella rodó otra versión de la novela de Patricia Highsmith y en esta ocasión los intérpretes fueron Jude Law en el papel que había interpretado Maurice Ronet, Gwyneth Paltrow en el de Marie Laforêt y Matt Damon como un nuevo Alain Delón. La versión era correcta pero no resistía la comparación con la de Clément, principalmente Matt Damon, que es un buen actor, pero le falta mucho para llegar a ser un “bello tenebroso”

 

La magnífica música de Nino Rota nos acompaña en un paseo por diversas escenas de la película de René Clément

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CINE Y LITERATURA: “LA MUERTE EN VENECIA”

Gustav Mahler, Thomas Mann y Luchino Visconti, tres personalidades que vamos a relacionar con una obra maestra, en literatura, en cine y en música.

 

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Gustav Mahler
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Thomas Mann

 

 

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Luchino Visconti

“La muerte en Venecia” es el título de una de las  novelas cortas que escribió Thomas Mann editada en 1912. El argumento es simple y muy conocido, un anciano compositor alemán, de nombre Gustav Von Aschenbach, está de turismo en Venecia y se siente atraído por un joven polaco de 14 años, cuya mera presencia despierta su homosexualidad oculta. Pierde el control hasta el punto de que la atracción se convierte en obsesión, se abandona tanto que contrae una enfermedad mortal y fallece sin llegar a mostrar al joven sus sentimientos. Es de destacar que para la composición del personaje de Aschenbach, se considera que Mann le dotó de algunos de sus propios atributos y también de rasgos propios de Gustav Mahler.

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Aun siendo un argumento simple, el trasfondo de la historia es más complejo. Estamos ante una obra que toma referencias de distintas fuentes, Sin ánimo de profundizar, tampoco se trata de un ensayo, vemos claramente influencias de Platón, con sus teorías sobre el “mundo sensible” y el “mundo inteligible”. Es evidente que el protagonista, Aschenbach, experimenta un enamoramiento “platónico” del joven Tadzio, que a su vez representa el ideal, la “belleza” en estado puro, la estética perfecta tan importante para el autor y también, como veremos más adelante para Visconti.

 

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Von Aschenbach y Tadzio en la película

 

Otro referente importante es Nietzsche y su “teoría de la culpa y la deuda”, un filósofo al que Mann admiraba profundamente. La revelación para Aschenbach, después del amor platónico que le inunda el alma y le llena de felicidad, será la presencia de la Vida, como concepto. Todos los elementos que la componen aparecen para volver al punto de partida después de la belleza y el amor: lo inalcanzable, la enfermedad, la suciedad, lo infecto, la muerte en definitiva. Eros y Thanatos, como lo definió Freud, otra referencia.

Orfeo y su bajada a los infiernos para encontrar el amor perdido más allá de la vida, también forma parte de esta historia simple pero compleja al mismo tiempo, esta historia polireferencial.

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En el otro lado del espejo tenemos la película de Luchino Visconti, homosexual y esteta reconocido, tan esteta que dice la leyenda que los cajones de los muebles de sus películas tenían que estar ocupados por ropa y enseres aun cuando no tuvieran que abrirse para nada. Igualmente, la ropa que vestían los personajes de “Muerte en Venecia” estaba almidonada y planchada a la manera de la época que representaban. Nótese que en el tránsito entre la obra literaria y la obra cinematográfica la historia pierde el artículo “La” inicial.

La película se filmó en 1971 siendo el protagonista el actor británico Dirk Bogarde que hizo una interpretación notable. Visconti es fiel al espíritu de la novela y donde Mann se detenía en explicar la evolución de Aschenbach desde la depresión inicial, hasta la desesperación y muerte final pasando por el descubrimiento de la belleza y el amor, Visconti aprovecha la potencia de las imágenes que permite el cine. Es memorable la escena final, el triunfo de Thanatos con la muerte patética del anciano en una tumbona de la playa del Lido, completamente solo, mientras el objeto de su amor, la belleza ideal, Tadzio, se ve a lo lejos ajeno por completo al drama que desencadena su sola presencia.

Y Mahler? Pues además de la referencia comentada aportando parte de su ser en la creación de Von Aschenbach, Visconti tuvo el acierto de acercar parte de su obra a la película cuando escogió el maravilloso “Adagietto” de su 5ª Sinfonia como parte importante de la banda sonora de la película. Las imágenes y la música forman una unidad como pocas veces se ha podido apreciar en el cine del siglo XX.

 

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CINE Y LITERATURA: UNA HISTORIA DE POSTGUERRA “EL TERCER HOMBRE”

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Graham Greene, escritor y guionista

En 1949, una producción inglesa dirigida por Carol Reed, puso en imágenes una de las novelas cortas del escritor católico Graham Greene. Esta novela que se llamó “El tercer hombre”, igual que el film, la escribió Greene con la idea de que sirviera de base del guión cinematográfico, desarrollado inmediatamente.

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Se trata de una narración muy típica del universo del autor. Está situada en la Viena rota de la postguerra, donde la desconfianza en los seres humanos está muy presente en todos los personajes. El personaje amoral, Harry Lime, parece la reencarnación de Maquiavelo. Greene plantea un reflexión sobre dos temas éticos intemporales: “el “fin justifica los medios” y “cuál es el límite entre el bien y el mal y cómo repercute en la moral del individuo tomado como elemento social”. Harry Lime es el prototipo del nuevo aventurero sin escrúpulos que aparece después de la guerra. Una especie de “condottiero” renacentista del siglo XX. Su personalidad despierta atracción y repulsión al mismo tiempo, de hecho tiene carisma, tiene encanto, aunque vea al resto de la humanidad como simples “moscas negras”.

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Orson Welles en el papel de un amoral Harry Lime

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En la película, Carol Reed y Orson Welles, el cual participó no solo como actor encarnando al protagonista amoral, sino también tomando parte activa en el guión e incluso en la realización, adaptan la filosofía de Greene al cine. Y en este marco la famosa frase de Welles resumida aquí resulta paradigmática: “En la Italia de los Borgia y sus crímenes se crearon las maravillas del Renacimiento y en 700 años de paz, Suiza solo pudo crear el reloj de cuckoo”.

 

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“El tercer hombre” forma parte del patrimonio mítico de la Historia del Cine. Su memoria permanece en el espectador y su magnetismo se mantiene e incluso se incrementa con el paso de los años. Lo cierto es que toca unos temas que son universales: “la lucha por la supervivencia”, “la lealtad en la amistad” o “la necesidad de salvaguardar la propia estima” lo cual explica esa permanencia en la memoria individual y colectiva.
No vamos a hablar del argumento, sobradamente conocido, pero si destacar tres factores que contribuyen a su fascinación:

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Alida Valli es Anna

-la espléndida interpretación de todos los actores, desde la inocencia de Joseph Cotten hasta la maldad de Welles pasando por la profesionalidad de Trevor Howard como funcionario y la dignidad y la belleza melancólica de Alida Valli.

-la puesta en escena que entronca directamente con el expresionismo alemán de Murnau y Wiene, en gran parte gracias a la fotografía de Robert Kraster. Recordemos la magnífica secuencia de la persecución por las alcantarillas vienesas, escena cumbre del film, así como las diferentes  posiciones de la cámara regalándonos unas imágenes y puntos de vista sugerentes en su modernidad.(no olvidemos que estamos hablando de 1949)

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-por último la música de cítara de Antón Karas, compuesta para la película y que va indisolublemente unida a ella. Cuando pensamos en la película esa música fluye en la memoria sin esfuerzo alguno.

 

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La importancia de las sombras

“El tercer hombre” no sería un film mítico sin su música, sin la desolación y sordidez del subterráneo inframundo como escenario para la consumación de la justicia sobre quien creía estar más allá del bien y del mal.

Inolvidable la escena final con ese travelling fastuoso en el cementerio vienés con un Holly Martins (Joseph Cotten) ilusionado esperando a Anna (Alida Valli) que aparece en el fondo del encuadre y se va acercando a Martins y a nosotros pasando de largo como si no estuviéramos en su mundo, mientras Antón Karas nos acaricia el oído con su cítara..

Holly Martins enciende un cigarrillo y lanza la cerilla al suelo del cementerio cerrando el film. Esto es cine puro.

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CINE Y LITERATURA: “EL HOMBRE QUE SUSURRABA A LOS CABALLOS”

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En la doma de caballos, existe una técnica muy diferente a la doma clásica y convencional a base de castigo y premio. Se trata de una doma que prioriza la confianza y el respeto mutuo entre el animal y el hombre. Utilizando solo la voz, los gestos y ninguna agresividad, estos adiestradores consiguen resultados sorprendentes en caballos normales y también en los difíciles. Es una doma natural cuyo objetivo es conseguir que el caballo sea amigo y compañero en lugar de esclavo.

Esta técnica, muy utilizada en las dos Américas, procede directamente de los indígenas cuyo respeto por la naturaleza es proverbial, ellos creían que podían ver el alma de estos animales, inteligentes y nobles y conseguían apaciguarlos, tranquilizarlos y ganarse su confianza.

Estos adiestradores son llamados “susurradores”

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En 1995, Nicholas Evans, periodista y escritor inglés, publicó su primera novela, basada en el tema de los “susurradores”, se llamaba “The horse whisperer” (en castellano “El hombre que susurraba al oído de los caballos”), y se convirtió en un “best seller” con millones de ejemplares vendidos.

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La novela, además de explicar muy bien la doma natural que realiza el protagonista sobre un caballo traumatizado por un accidente, entra en el terreno romántico narrando la relación sentimental entre el adiestrador y la madre de la propietaria, una niña de 14 años, también traumatizada por el mismo accidente y que, al igual que el caballo, se recupera por la misma terapia de cariño y confianza.

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Solo tres años después, Hollywood se apoderó de la historia filmándola en escenarios naturales, en Montana. El director y actor protagonista fue Robert Redford que ya tenía experiencia como director más o menos exitoso: “El río de la vida” y “Gente ordinaria” entre otras. Estaba convincente en el papel de “susurrador”, en la vida real está muy interesado en la naturaleza y en especial en los caballos.

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La réplica romántica la daba la actriz británica Kristin Scott Thomas siendo la niña traumatizada y curada una adolescente Scarlett Johanson. El cuarto personaje, con un papel muy discreto, es el marido y padre que interpreta, como siempre, un eficaz Sam Neill.

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La película es muy bella formalmente y capta la atmósfera de la novela en lo que se refiere al “susurrador”, al caballo y a la niña traumatizada. Se le puede reprochar un exceso de azúcar en la cuestión romántica y, muy especialmente, es criticable el final, con renuncia edulcorada y completamente diferente de la conclusión de la novela.

Redford, no sabemos si por convicción o por imposición de la productora, termina la película con final agridulce. La relación sentimental se cierra sin consumación sexual y con renuncia del “susurrador” para no destruir la familia que regresa a su mundo entre lágrimas pero intacta.

Por el contrario, Evans, termina la historia con el sacrificio y muerte del “susurrador” al salvar a la niña y al caballo de las iras de un semental salvaje. La familia regresa a su mundo pero no intacta, ya que la madre tendrá un hijo gestado en la relación entre los amantes, una relación mucho más carnal que en el film.

 

 

En el video se puede apreciar el azúcar que lleva la película en una interpretación magistral de gestos y miradas de los protagonistas en un baile, por otra parte muy bien filmado y que nos permite disfrutar de la cantante Allison Moorer en un tema country precioso: “A soft place to fall”

 

Albert·cine y literatura

CINE Y LITERATURA: BLADE RUNNER

Dentro de unos días está programado el desembarco en las pantallas de nuestros cines de la secuela de una película mítica de los años 80: Blade Runner. En esta ocasión Ridley Scott ejerce de productor ejecutivo dejando la realización en manos de Denis Villeneuve, director de prestigio después de ganar el Oscar con “La llegada”

En la espera de ver cómo afronta el nuevo equipo el reto de trasladar a la pantalla esa mezcla del noir con la ciencia ficción, con la que Scott consiguió maravillar a los aficionados de ambos géneros, entre los que me cuento, por supuesto, he rescatado de mi hemeroteca blogera personal, un post que publiqué en otro blog en diciembre de 2014. Considero que el texto es válido todavía con pequeñísimas modificaciones y con imágenes nuevas.

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“En 1982, Ridley Scott llevó a la pantalla una de las obras de ciencia ficción producto de la imaginación de Philip K. Dick. La novela se llamaba “¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?” y la película se llamó “Blade Runner” y muy pronto se convirtió en una película de culto, una de los films de ciencia ficción más influyentes en las décadas venideras.

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Philip K. Dick

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Philip K. Dick fue uno de los más singulares escritores de ciencia ficción de su tiempo, época dorada de la literatura del género. Fue un autor prolífico, más de un centenar de historias cortas y alrededor de cuarenta novelas. Su estilo era considerablemente complejo y un tanto siniestro. Sus protagonistas se manifestaban habitualmente como  ciudadanos normales desconcertados y relativamente insignificantes que intentan sobrevivir en un entorno hostil y donde son considerados precindibles. Los universos imaginados por Dick no son nada más que la proyección de nuestro mundo en un mundo distópico futuro no muy lejano y expresado en clave de parábola.

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Ridley Scott

Hollywood a veces dispensa un trato humillante a algunos novelistas cuyas obras son pasadas a la pantalla después de adquirir sus derechos. En la industria del cine las prioridades no son las mismas que las de la literatura, eso es evidente. No obstante, en este caso, aunque formalmente es posible ver grandes diferencias entre la obra escrita y la obra filmada, la esencia se respeta. Scott y los guionistas le dieron una interpretación personal y original al libro, incluso enriqueciendo la obra con nuevas y exitosas aportaciones.

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Blade Runner: The Final Cut

 

No vamos a comentar aquí el argumento ya que de todos es sobradamente conocido, solo resaltar algunas de las fuentes literarias e intelectuales en las que bebieron los autores, del libro en primer lugar y del guión cinematográfico después. Es fácil ver la similitud del protagonista, llamado blade runner o retirador de replicantes, con un detective “hard-boiled” de cualquier obra de Hammet o Chandler. Su aspecto físico, su vestimenta, su actitud vital negativa, su forma de hablar, su independencia, su alcoholismo y last but not least su pasado como policía, nos llevan a los protagonistas de “El halcón maltés” o “El largo adiós”. Pero también hay influencia en el resultado final de Blade Runner de otros factores más antiguos y más profundos, como el mito de Frankenstein, el de Prometeo e incluso el de Fausto. Por no hablar de las referencias bíblicas de su espectacular final, con el replicante Roy Batty como una especie de Cristo cibernético del año 2019, con su clavo en la mano, su herida en la sien, la paloma blanca que sale volando cuando expira y sobretodo con su muerte redimiendo al blade runner que intentaba matarle, al que salva la vida y redimiendo con él a toda la humanidad.
Esta escena realmente emotiva e impactante ha pasado a formar parte de la historia del cine por méritos propios:

“Yo he visto cosas que vosotros no creeríais. Atacar naves en llamas más allá de Orion. Yo he visto rayos C brillar en la oscuridad cerca de la puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir”

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En la ambientación de la ciudad de Los Angeles, oscura y lluviosa, absolutamente inhabitable y paradójicamente superhabitada se ve la influencia de Metrópolis, la gran obra de ciencia ficción de la época del cine silente rodada en Alemania por Fritz Lang.”

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Me gustaría destacar la banda sonora de Vángelis. A mi juicio la mejor de las que compuso para el cine. En este video se puede apreciar un fragmento.