Albert·cine y literatura

CINE Y LITERATURA: “LAS UVAS DE LA IRA”

 

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En la concesión del Premio Nobel de Literatura de 1962 hubo una cierta controversia, en cuanto a la bondad de la elección del autor premiado. El mismo autor, al ser preguntado sobre si se consideraba merecedor del premio contestó con “Francamente, no” y probablemente no era un gesto de falsa modestia sino de sinceridad.

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El autor, John Steinbeck, californiano de origen europeo, nacido en la localidad de Salinas había ganado el premio Pulitzer en 1940 con su obra “Las uvas de la ira” basada en una serie de artículos periodísticos que narraban un fenómeno que se dio en los Estados Unidos en los años de la llamada Gran Depresión, en los años 30. Se trataba del  movimiento migratorio, obligado por las circunstancias económicas, de los recolectores agrícolas que habitaban en las zonas del Medio Oeste, principalmente Oklahoma y Nebraska y también Kansas y algunas zonas de Texas que, castigadas por sequías sistemáticas, diluvios devastadores y escasez de trabajo se desplazaron hacia el oeste, hacía California, donde esperaban encontrar trabajo y una mejor calidad de vida. Javier Coma en su libro “Entre el Nobel y el Oscar” lo explica así:

Los problemas eran gravísimos, hasta el punto de que algunos miles de familias estaban en peligro de morir de hambre mientras el gobierno topaba con dificultades para hacerles llegar víveres y medicamentos; los granjeros poderosos, gracias a que la demanda de puestos de trabajo resultaba elevadísima, ofrecían pagas ínfimas y atajaban brutalmente cualquier tentativa de rebelión. Por otra parte, los múltiples parados y sus familiares padecían el rechazo de la población, insensible al drama de los mismos y favorable a que se les expulsara de los nucleas urbanos y sus cercanías”

Algo parecido a lo que está pasando ya hace algunos años en Europa a un nivel más internacional y más dramático. No hay nada nuevo bajo el sol.

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Steinbeck, que era políticamente de izquierdas e incluso se rumoreaba que estaba investigado por el FBI como posible comunista, conoció el drama de primera mano visitando campamentos y lugares de trabajo de estos inmigrantes forzosos y escribió sobre ellos en la prensa de San Francisco y en su obra mencionada: “Las uvas de la ira”. El libro se publicó en 1939 y enseguida recibió las críticas furibundas de los granjeros californianos y las asociaciones comerciales y también escuelas y bibliotecas que boicotearon el libro y ejercieron presión social hostil sobre Steinbeck y su familia. Situación que se agravó notablemente con la filmación y proyección de la película rodada por la Fox bajo la dirección de John Ford al año siguiente.

“Las uvas de la ira” narra la migración de una familia de Oklahoma, los Joad, hacia California perdiendo por el camino ideales y personas.

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La película de John Ford se llamó igual que la novela y también es extremadamente fiel a una gran parte del argumento, algo extraño en Ford que era muy dado a imponer en sus películas su sello personal. En este sentido conviene destacar que, por imposición de la productora, el final es sensiblemente diferente, donde Steinbeck terminaba sin especificar con claridad el destino de los Joad, aunque se intuye que seguirán en la pobreza y la desesperación. Solo una luz que simboliza un futuro mejor aparece cuando una mujer, miembro de la familia cuyo hijo había nacido muerto, amamanta a un extraño al borde la muerte por inanición, abriendo la puerta a una fraternidad más allá del grupo familiar y que podría representar un futuro mejor. En la película por el contrario, las secuencias finales son de esperanza, sugiriendo que los Joad saldrán adelante a pesar de todo con Tom Joad (Henry Fonda) abandonando a su familia y emprendiendo un camino nuevo en solitario.

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John Ford obtuvo el Oscar al mejor director por “Las uvas de la ira” en 1940 y es una de sus mejores películas, Javier Coma en la obra mencionada dice lo siguiente de Ford:

“Notorias coincidencias de la ficción literaria con el mundo personal de Ford debieron influir en la reverencia con que éste puso en escena un guion leal a Steinbeck. Muy sensible a los temas de las raíces, el hogar y la familia, el director quedó probablemente conmocionado por la historia de los Joad, obligados a marcharse de su tierra y de sus casas y paulatinamente disgregados. En especial la ruta particular de Tom Joad componía estampas típicas del universo fordiano: el regreso al hogar, el reencuentro con la familia; la partida de la tierra natal en compañía de abuelos, padres y hermanos, la marcha final, en solitario, hacia la lucha, renunciando a la compañía de los anteriores.”.

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La esposa de Steinbeck, Carol, encontró las palabras que dan el título de la obra en un poema de 1861, de Julia Ward Howe” concretamente en el ·The Battle Hymn of the Republic” aparece la frase referida a Dios: “Está pisoteando la vendimia donde se acumulan las uvas de la ira”.

Música norteamericana de los años de la Gran Depresión, “The Carter Family” uno de los grupos más conocidos e influyentes de la música folk

 

 

Y Libby Holman con el famoso blues “The House of the rising sun”

 

 

 

 

 

Albert·Poesía

ANNA AJMÁTOVA, LA POESÍA EN LA RUSIA DEL SIGLO XX

Entre silencios

Como tú sufro la negra separación permanente.
¿Por qué lloras? Mejor dame la mano y prométeme volver en un sueño. 
Tú y yo somos un monte de dolor. En esta tierra tú y yo jamás nos
encontraremos. 
Si pudieras tan sólo enviarme a medianoche 
por medio de las estrellas tu recuerdo.

(de ‘Post-War Russian Poetry’, recopilada por Daniel Weissbort)

El día 23 de junio de 1889, nace en Bolshoi Fontan, un lugar cercano a Odessa, una de las voces poéticas más reconocidas de Rusia: Anna Andréyevna Gorenko. Es conocida como Anna Ajmatova ya que adoptó el apellido de su bisabuela para que el nombre de su padre, que odiaba la poesía, no fuera ensuciado por la obra de su hija Anna.
Anna Ajmátova fue una de las impulsoras, junto con su primer marido Nikolái Gumiliov y con el poeta Ósip Mandelstham de la corriente poética acmeista (*)

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Anna Ajmátova por Modigliani

Era una mujer muy dotada intelectualmente pero las circunstancias históricas que tuvo que vivir le afectaron en cuanto a su vida y a su obra. Pudo publicar sus poemas hasta 1922, pero a partir de entonces y hasta 1940 su voz estuvo en silencio. Gumiliov, del que ya se había separado, fue fusilado y ella misma acusada de traición y deportada, así como el hijo de ambos: Lev. Después de la guerra regresaron los dos a  Leningrado y decidió seguir escribiendo en contra de las órdenes oficiales traduciendo a Leopardi y Tagore, publicando unos brillantes ensayos sobre Pushkin. Su poemario más importante “Requiem” es el producto de aquellos años de silencio. El libro fue publicado en Munich en 1963 sin que ella hubiera dado su consentimiento, es una obra intensa y emocionante donde se refleja la situación de aquellos años oscuros en la Unión Soviética en que los únicos que estaban en paz eran los difuntos ya que los vivos malvivían en campos de concentración.
Desde entonces obtuvo el reconocimiento internacional que le llevó a estar nominada para el Nobel de Literatura que no obtuvo.

 

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El estilo de Anna Ajmátova es intenso, emotivo, doloroso. Su “Réquiem” es un poema trufado de sufrimiento y misterio, es el poema que refleja el dolor y el amor de una madre y de un pueblo humillado y de una mujer que tiene el poderío de levantarse y contarlo. Ella lo memorizó y lo destruyó para salvar su vida, lo compartió con los amigos que la amaban para que no se perdiera, a la manera atávica de transmisión oral. Pura supervivencia en un tiempo y en un lugar que no permitía florecer la libertad.

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En “Poema sin héroe”, su gran obra de madurez, encontramos una obra extensa escrita con estilo neoclásico, tardó veintidós años en completarlo, es un tapiz de la historia de Rusia en el siglo XX al mismo tiempo que vemos  el sendero vital de Anna, sus amigos y no amigos, sus desdoblamientos y sus fantasmas personales.

Falleció en un sanatorio cercano a Moscú en 1966 a los 76 años. Su obra íntegra no se publicó en su país hasta 1990, veinticuatro años después de su muerte.

El poeta Joseph Brodsky dijo de ella:
“Su sola mirada te cortaba el aliento. Alta, de pelo oscuro, morena, esbelta y ágil, con los ojos verdosos de un tigre polar, durante medio siglo la han dibujado, pintado, esculpido y fotografiado un sin número de artistas, entre ellos Modigliani. Los versos dedicados a ella formarían más volúmenes que su obra entera.”

 

ajmatova 5(*) Se llama acmeismo la corriente poética aparecida en Rusia poco antes de la Revolución de 1917. A diferencia de la poesía simbólica, los nuevos poetas acmeistas renegaban del hermetismo, la ambigüedad y el misticismo de las composiciones que se publicaban en su tiempo, apostando por llamar las cosas por su nombre con un lenguaje entendible y claro.
El instrumento que utilizaban para sus publicaciones era la revista “Apollon”

 

 

 

 

 

 

 

Soneto de estío

Más que yo vivirá lo que aquí vive,
Hasta los nidos de los estorninos,
Y este aire migratorio que cruzó,
Aire primaveral, la mar en vuelo.

La voz eternidad de allá nos llama,
Del más allá con su invencible fuerza,
Y por encima del cerezo en flor,
La luz lunar menguando se derrama.

Parece que blanquea sin estorbo,
A través de las verdes espesuras,
La senda que no digo adónde lleva…

Allí hay más claridad entre los troncos
Y todo se asemeja a la arboleda
Que circunda el estanque en Tsárkoie Seló.
Versión de María Teresa León

Hay en la intimidad un límite sagrado…

Hay en la intimidad un límite sagrado
Que trasponer no puede aún la pasión más loca
Siquiera si el amor el corazón desgarra
Y en medio del silencio se funden nuestras bocas.

La amistad nada puede, nada pueden los años
De vuelos elevados, de llameante dicha,
Cuando es el alma libre y no la vence
La dulce languidez del goce y la lascivia.

Pretenden alcanzarlo mentes enajenadas,
Y a quienes lo trasponen los colma la tristeza.
¿Comprendes tú ahora por qué mi corazón
No late a ritmo debajo de tu diestra?

Versión de María Teresa León

 

Albert·Pintura·Poesía

WILLIAM BLAKE Y LA GUERRA DE LAS DOS ROSAS

Canta: Loreena McKennitt – Lullaby.
Poema “Prologue, Intended for a Dramatic Piece of King Edward the Fourth” by William Blake
Interpretado por Douglas Campbell.

Traducción al castellano:

¡Oh, quien tuviera una voz como el trueno, y una lengua para atenazar la garganta de la guerra! Cuando los sentidos se tambalean y el alma es conducida a la locura…¿Quién puede resistir? Cuando las almas de los oprimidos luchan en el agitado aire enrarecido…¿Quién puede resistir? Cuando el torbellino de la furia procede del Trono de Dios, cuando es el ceño de Su Rostro el que lanza las naciones unas contra otras…¿Quién puede resistir? Cuando Destino estrella sus inmensas alas sobre la batalla, y navega con regocijo sobre esa marea de Muerte…¿Quién puede resistir? Cuando las almas son arrastradas al fuego eterno, y los demonios del Infierno se deleitan sobre la matanza…Oh, ¿Quién puede resitir? ¿Quién, quién es el culpable? ¿Quién puede contestar ante el Trono de Dios? ¡Los Reyes y los Nobles de la Tierra lo han hecho! ¡No les escucheis, Cielos, tus sacerdotes lo han hecho!

Con este poema, William Blake expresó uno de los mas contundentes alegatos contra la guerra, contra todas las guerras y sus consecuencias. Inspirado en la Guerra de las Dos rosas, que asoló Inglaterra una buena parte del siglo XV. El sentimiento de horror que nos invade es atemporal: puede corresponder a una batalla entre persas y griegos, a la masacre de una carga de caballería pesada en la Edad Media, o a cualquiera de las guerras que asolaron Europa en el siglo XX. La agonía y la muerte son siempre las mismas.

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El poema es un fragmento del libro “Poetical Sketches” (1783), que Loreena McKennitt utiliza con el melancólico título de “Lullaby” (Nana). Los primeros acordes de la canción, acompañados por la melodía de una antigua canción de cuna, se ven silenciados por el rumor de una tormenta que se aproxima.
Eduardo IV fue uno de los contendientes de la llamada Guerra de las Dos rosas. Bajo este poético nombre se esconde una sangrienta lucha de poder para conseguir la corona de Inglaterra, entre las casas nobles de los York y los Lancaster. Esta contienda se prolongó durante más de treinta años y provocó la extinción de ambas casas y de la, hasta entonces imperante dinastía normanda de los Plantagenet, además del debilitamiento general de la nobleza inglesa y de su influencia en Europa. Otra consecuencia fue el ascenso imparable de los gremios comerciantes y la aparición de la dinastía Tudor, heredera de las dos casas rivales y que aprovechó las circunstancias favorables para reinar a lo largo de todo el siglo XVI, hasta la muerte de Isabel I en 1603.

En nuestros días y en una obra de ficción muy popular, la obra magna de George R.R. Martin, conocida como “Juego de Tronos” se inspira claramente en la Guerra de las Dos Rosas.

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El creador del poema fue William Blake, un artista total si bien poco reconocido en su época. La poesía visionaria y las artes visuales, pintura y grabado, formaban un todo en la obra de Blake, siempre con una motivación espiritual y dentro del Romanticismo de los años en que desarrolló su actividad profesional.

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Escalera de Jacob

 

Blake había nacido en Londres en 1757 y falleció en 1827, contemporáneo de la Primera Revolución Industrial (la máquina de vapor de James Watt se patentó en 1769 cuando Blake tenía 12 años), fue un visionario literalmente (tenía visiones desde pequeño) pero también en espíritu, aborrecía la esclavitud y creía en la igualdad de géneros y razas, unos postulados totalmente alejados de los criterios sociales de su época. Y no solo eso, también era un crítico feroz de la Revolución Industrial y del Expansionismo Colonial, justo cuando Inglaterra consolidaba su imperio.

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Elohim creando a Adán

 

Para Blake, la abolición de la esclavitud implicaba un cambio radical de la percepción humana, era necesario eliminar también los sistemas que oprimían a la sociedad: Iglesia, Estado oligárquico e Imperio. Muchos de sus poemas y pinturas expresan una noción de humanidad universal. Durante toda su vida y muy especialmente en su obra tardía, mantuvo un interés activo por los acontecimientos sociales y políticos que ocurrían a su alrededor, aunque en ocasiones tuvo que esconder su idealismo social y transformar las declaraciones políticas en alegorías místicas protestantes. Blake rechazó cualquier forma de autoridad impuesta.

Es especialmente significativo, en Blake, su punto de vista sobre la igualdad de sexos y la institución matrimonial, en ambos coincidía con su amiga íntima Mary Wollstonecraft, una de las primeras pensadoras en clave feminista del siglo XVIII y madre de Mary Shelley. En su obra “Las visiones de las hijas de Albión”, Blake condenó la crueldad de la castidad y del matrimonio sin amor y, lo más significativo para la sociedad de la época, defendió el derecho de la mujer a su completa autorrealización. Es evidente que William Blake era una rara avis en la sociedad en que le tocó vivir, de donde viene su.poca relevancia entonces y su importancia en los años por venir.

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Cristo como el redentor del hombre

En cuanto a la obra pictórica y de ilustración de Blake, destaca que está basada, al igual que su obra literaria, en visiones fantásticas muy simbólicas, con un estilo influenciado por Miguel Angel por la musculatura de sus personajes y los escorzos que presenta. La relación que hay entre los poemas y las ilustraciones es compleja y exige imaginación por parte del lector, ya que se basa no tanto en el tema del poema en sí como en la sensación que este transmite.