Albert·Cine·Música

ONE FROM THE HEART

En 1982, después de rozar  la gloria con los dos primeros “Padrinos” y con “Apocalipsis Now , Francis Ford Coppola,  apostó fuerte por rodar una película diferente de todo lo que se había hecho hasta entonces, no solo él, sino todos los demás. Apostó y perdió. El experimento resultó fallido…económicamente, si bien no artísticamente. Nos dejó un musical fascinante visualmente, si dejamos al margen el argumento no excesivamente original, se trata de una trama romántica de amor y desamor y poco más. Es de destacar que la película supuso un fracaso descomunal, en la crítica y en los espectadores, llevando a Coppola a la ruina.

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Pero lo que quiero resaltar aquí son algunas de las imágenes de esa película, repito fascinante, no se me ocurre otro calificativo, y sobre todo la música que la envuelve. Banda sonora compuesta por Tom Waits e interpretada por él mismo y Crystal Gayle, una música que bien vale entretenerse un tiempo en escucharla con los ojos cerrados.

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Con el tiempo, “Corazonada” (One from the heart”) ha resultado ser una película de culto, por su música, por su ambientación, la fotografía de Vittorio Storaro es impresionante, y también, porque al igual que “Las puertas del cielo” para Cimino o “Roma” para Fellini representaron un punto final por dos factores económicos, su elevado coste y su fracaso en taquillas. En los tres casos nos encontramos con tres películas extraordinarias.

Tres de los temas musicales que enriquecen esta película excepcional. El autor, Tom Waits con su voz rugosa y Crystal Gayle le da el contrapunto con una voz cristalina como su nombre.

 

 

 

 

 

 

 

Albert·Canción

“AROUND AND AROUND”

 

 

Es reconocido que uno de los pioneros del rock ‘n’ roll fue el cantante de St. Louis, Missouri,  Charles Berry, conocido como Chuck Berry. Berry, como Carl Perkins, Buddy Holly y otros cantantes norteamericanos, desde la segunda mitad de la década de los 50 ya estaban  poniendo los cimientos para la música popular de las décadas siguientes, la música rock. En 1959, Chuck Berry grabó en un single una de las canciones  emblemáticas del movimiento: “Johnny B. Goode”. En la cara B del single grabó un rock que no alcanzó, ni de lejos, la popularidad de la cara A, no obstante es un rock’n’roll muy estimable, muy auténtico y, en años posteriores, fue versionado por grupos de prestigio como Led Zeppelin, Grateful Dead e incluso David Bowie entre otros. El tema se llamaba “Around and Around” y también lo adoptaron dos grupos punteros de los años 60: Animals y Rolling Stones.

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Animals, un grupo inglés, de Newcastle, que interpretaban magníficamente blues y rock’n’roll, siendo como eran blancos y europeos. Fue un grupo relativamente efímero, con un cantante inmenso: Eric Burdon y un teclista muy bueno: Alan Price. Aparecieron en el 63 y en el 68 se disolvieron. Más adelante hubo varios intentos de volver al origen con no demasiado éxito. Suya es la versión  mas conocida de un tema popular antiguo de autor desconocido, un blues llamado “The house of the rising sun”.

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Os invito a escuchar la versión de Animals y también a ver lo que consiguen Rolling Stones con este rock. Las dos versiones son muy buenas, no obstante la fuerza y la potencia de Animals hace que su versión resulte más contundente y más rockera o así me lo parece. A partir de los 45 segundos no podréis evitar mover los pies.

 

Albert·poesía y música

EMILY DICKINSON: LA GRAN POETISA NORTEAMERICANA

Emily Dickinson fue la gran poetisa americana, probablemente la más importante de todos los tiempos. Nacida en Amherst, una localidad de Massachussets en 1830 en el seno de una prominente familia que descendía directamente de los primeros colonizadores de los futuros Estados Unidos. Su familia era estrictamente religiosa, eran protestantes puritanos, lo cual influyó en su obra poética.

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Fue muy prolífica, escribió más de 1800 poemas, si bien no se editaron más que una docena escasa. Su obra se divulgó después de su muerte, ocurrida en 1886, a los 55 años y fue su hermana menor Lavinia, amiga y consejera durante toda su vida, la que se preocupó de la divulgación de los poemas de su hermana. Sus poemas son muy originales al compararlos con los que publicaban los poetas masculinos de su época y de su país. Muy pocos tienen título, están formados por frases cortas y contundentes, sus rimas son imperfectas y la puntuación muy particular, lo contrario de la poesía oficial del siglo XIX. El tema de la muerte es recurrente, como el de la inmortalidad.

Emily Dickinson, quizás por su ambiente familiar, fue una persona muy introvertida que no tenía vida social que no fuera epistolar. Prácticamente no salía de su casa y jamás recibía visitas.  No obstante, el carácter romántico y lírico de sus poesías invitan a pensar que, a pesar de no tener apenas vida social, había conocido los sentimientos amorosos por alguien, hombre o mujer, que en realidad no existe certeza de su personalidad. Uno de los candidatos es uno de sus preceptores y otro un clérigo de su iglesia en la ciudad. El amor inspirador de su obra es un misterio muy perseguido por los historiadores literarios y actualmente cobra relevancia la figura de su cuñada, Susan,  la esposa de su hermano Austin y que vivían en una casa adyacente a la mansión familiar. Lo que es seguro es que Susan fue una de las pocas personas con las que Emily compartió sus poemas. Es probable que ella hubiera estado enamorada de los tres, quizás sucesivamente, y debido a su enorme discreción seguirá siendo un misterio por desentrañar.

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Aaron Copland fue uno de los compositores capitales de la música norteamericana del siglo XX. Merece un post por sí mismo, pero  lo menciono aquí ya que en 1950 musicó y editó doce de los poemas de Emily Dickinson. Uno de ellos, cuyo título sería el primero de los versos que dice así: “Heart, we will forget him”

Heart, we will forget him

You and I, tonight!

You must forget the warmth he gave

I will forget the light

When you have done pray tell me

Then I, my thoughts, will dim

Haste!’lest while you’re legging

I may remember him!

 

Su traducción en castellano sería así:

“Corazón, lo olvidaremos

¡Tú y yo esta noche!

Has de olvidar el calor que él daba

Yo olvidaré la luz

Cuando lo hagas por favor avísame

Y entonces yo oscureceré los pensamientos

¡No vaya, por tu mucho tardar,

A recordarle yo!

En este video podemos apreciar el poema de Emily Dickinson y la música de Aaron Copland interpretado por la soprano  Dawn Upshaw y la Saint-Paul Chamber Orchestra dirigida por Hugh Wolff.

Albert·Música

DJANGO REINHARDT “THREE FINGERED LIGHTNING”

Dentro del gran grupo musical llamado swing, en su mayor parte desarrollado por músicos americanos, encontramos un swing genuinamente europeo, más concretamente francès y gitano: Se trata del gypsy swing o gypsy jazz, conocido en Francia como jazz manouche. El nombre y su estilo característico fueron acuñados por un guitarrista belga de origen gitano llamado Jean Reinhardt, de nombre artístico Django Reinhardt.

RENDEZ-VOUS AVEC DJANGO REINHARDT

Django Reinhardt había nacido en Bélgica en 1910, en el seno de una tribu de gitanos. No aprendió música, ni siquiera sabía leer y escribir, pero tenía unes dotes naturales para la guitarra que le permitieron empezar su carrera musical muy joven. A los dieciocho años sufrió un accidente en el que se quemó una parte del cuerpo y la mano izquierda, concretamente los dedos cuarto y quinto le quedaron contraídos sin posibilidad de extenderlos, no obstante se las ingenió para superar su discapacidad creando un estilo propio de tocar las cuerdas que le dio originalidad a su música. Podía usar los dos dedos contrahechos en las primeras dos cuerdas de la guitarra para los acordes y las octavas, pero era imposible estirarlos más, ya que tenía los tendones quemados. A pesar de todo, se convirtió en un maestro de la guitarra únicamente con el uso de los dedos índice y medio.

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La formación original del Quintette du Hot Club de France

En 1934, fundó uno de los grupos europeos de jazz más prestigiosos de aquellos años: el Quintette du Hot Club de France. En el grupo tocaba el violín Stéphane Grappelli, el bajista Louis Vola y las guitarras rítmicas su hermano menor Joseph y Roger Chaput. El grupo fue el primero y el más importante de los que se dedicaron al jazz manouche. A diferencia de las bandas de jazz de entonces, solo utilizaban instrumentos de cuerda, lo que les daba un sonido característico y original.

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Anuncio de una de las actuaciones del Quintette en París

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Stéphane Grappelli

Su éxito fue fulgurante y efímero pero dejando una importante huella. Además de giras europeas se consolidaron como una de las bandas principales de un local de prestigio en Montmartre: La Grosse Pomme. Fue un éxito efímero ya que en 1939, con la irrupción de la Segunda Guerra Mundial el grupo se disolvió. En el 46, al terminar la contienda, se volvieron a reunir Grappelli y Django en el Quintette pero en un grupo diferente y dos años después se terminó definitivamente. Grappelli continuó en solitario con éxito hasta el 97. Django terminó mucho antes, en 1953, a los 43 años una hemorragia cerebral se lo llevó a la tumba. Había seguido con su música colaborando con jazzman americanos, como Ray McKinley, Peanuts Hucko o el mismo Duke Ellington y nos dejó en el recuerdo una música excepcional, con su forma de tocar tan original a pesar de sus dos dedos heridos y también dejó como legado su influencia en una serie de guitarristas que, en los años por venir,  le tomaron como modelo: Jeff Beck de Yardbirds, Jerry García de Gratful Dead’ o Denny Laine de Wings, fueron algunos de los guitarristas que en los años 60 y 70 encontraron su inspiración en el guitarrista manouche Django Reinhardt “three fingered lightning”.

Una de las actuaciones del Quintette du Hot Club de France con un clásico de la canción francesa de los años 30 “J’attendrai”. Se puede ver muy bien el estilo único de Django para tocar la guitarra con solo tres dedos en la mano izquierda.

 

En Holanda en 1937 en una competición de grupos de jazz. El Quintette actúa en segundo lugar. Se puede apreciar la diferencia entre dos bandas de jazz clásico con instrumentos de viento y el “gypsy jazz” de Django y su grupo, más alegre y ligero.

 

Una de sus composiciones más celebradas “Minor Swing“, un mano a mano de la guitarra de Django y el violín de Grappelli.

 

En 1999, Woody Allen, se inspiró en Django Reinhardt para su película “Sweet and Lowdown” protagonizada por Sean Penn.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Albert·poesía y música

THE BLUE BIRD

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Mary Elizabeth Coleridge fue una poetisa británica de finales del siglo XIX. Entre sus ascendientes ilustres se encuentra el poeta romántico Samuel Coleridge y la escritora Sarah Coleridge.

Influenciada por Robert Browning y Lord Tennyson escribió cinco novelas. ensayos y poesía romántica.

 

Uno de sus poemas “The Blue Bird” fue musicado por el compositor irlandés Charles Villers Stanford.

The lake lay blue below the hill.
O’er it, as I looked, there flew
Across the waters, cold and still,
A bird whose wings were palest blue.

The sky above was blue at last,
The sky beneath me blue in blue.
A moment, ere the bird had passed
It caught his image as he flew.

 

El lago yacía azul bajo la colina.
Encima, mientras miraba, volaba
Cruzando las aguas, frías y tranquilas,
Un pájaro con alas del azul más pálido.

Arriba el cielo era azul por fin
El cielo debajo de mí azul en el azul.
Un momento, antes que el pájaro hubiera pasado
Atrapé su imagen mientras volaba.

 

Versión de: The Choir of Gonville and Caius College, Cambridge

 

Albert·Pintura

MODIGLIANI: UN PINTOR ÚNICO

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Dedo era un joven inquieto y enfermizo que andaba por  las calles de Liorna (Livorno) a finales del siglo XIX. Nacido en 1884 en el seno de una familia de ascendencia judía sefardí, Dedo no era buen estudiante, pero sí que destacaba con el pincel, el lápiz o el carboncillo, así que en 1899 renunció definitivamente a la educación para dedicarse en cuerpo y alma a plasmar imágenes sobre el papel y las telas. Estaba iniciado en el movimiento pictórico florentino conocido como los “machiaioli”, nombre escogido como consecuencia de que la crítica oficial les acusaba de pintar a base de manchas (macchie). Poco después sufre consecutivamente un ataque de tifus y a continuación aparece, por primera vez, la enfermedad que le causará la muerte a los 35 años, en París: la tuberculosis.

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Doctor Paul Alexandre, uno de sus primeros amigos al llegar a París

Dedo era su nombre familiar pero su nombre real era Amedeo Clemente Modigliani y es reconocido, después de su muerte,  como un pintor único y de los más originales del siglo XX. De Modigliani decía un crítico de arte contemporáneo (F. Carco “L’Eventail” 15-7-19):

“Ha podido decirse de Modigliani que sus deformaciones no chocan ya con el sentido que tenemos de nuestra propia imagen. Lo cual no significa que Modigliani renuncie a las tendencias propias de su arte. Simplemente, ha profundizado en los recursos que un pintor puede hallar en su paleta y los ha hecho realidad. Ahí radica el origen de la evidente revolución de su pintura. Y hasta diría de la elevación de su pintura”

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Jean Cocteau
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Jeanne Hèbuterne

 

 

 

 

 

 

 

Y es que su pintura era diferente de toda la demás.

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A los 22 años llega a París, el centro de la vanguardia artística del mundo en los primeros años del siglo. Allí recibe influencias decisivas para su arte: Cezanne, Picasso, Toulouse-Lautrec y la crema de la intelectualidad. También Klimt, Utamaro, el arte oriental y el africano.

En 1909 conoce a Brancussi y en ese contacto se despierta la que podría ser la verdadera y profunda vocación de Dedo: la escultura. Durante cinco años abandona la pintura y se dedica apasionadamente a esculpir unas figuras extremadamente originales, la mayoría de ellas en piedra arenisca y representando cabezas y algunas cariátides. Son figuras muy estilizadas que recuerdan las imágenes procedentes de pueblos primitivos que estaban de moda en los círculos elitistas parisinos. Finalmente abandona la escultura probablemente por el efecto nocivo que tenía el polvo mineral sobre sus pulmones ya muy afectados por la tisis.

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Desde entonces hasta el final de su vida, en enero de 1920, coincidiendo con los años penosos de la Gran Guerra, no había lugar a encargos de retratos, en los que era especialista, además de los famosos desnudos, por lo que se dedicó a retratar amigos, colegas pintores, gente afin que toleraban sus frecuentes extravagancias. Pintó apasionadamente a las mujeres que convivieron con él principalmente a su gran amor: Jeanne Hébuterne, la joven que conoció en 1917 con dieciocho años y que fue la madre de su única hija, Jeanne y estuvo con él hasta más allá de su muerte. Jeanne Hébuterne se suicidó tirándose al vacio cuando volvió del funeral del pintor.

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Jeanne Hèbuterne

No hay certeza absoluta en cuanto al catálogo de sus obras. A pesar de los pocos años en los que desarrolló su actividad, constan como pinturas suyas más de 300, la inmensa mayoría retratos, solo constan cuatro paisajes de la Costa Azul y una treintena de desnudos relacionados con los retratos.

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Autoretrato

El estilo de Modigliani basado en un diseño lineal alargado, que también se aprecia en sus esculturas y su vida romántica y llena de problemas económicos, su enfermedad tan característica del romanticismo, dieron a Modigliani una personalidad excepcional en el marco de la pintura moderna. Su obra, al margen de las corrientes de éxito en su época (cubismo, futurismo, dadaísmo, surrealismo) ha perdurado hasta nuestros días siendo más apreciada que muchos de sus amigos pintores de éxito en el París que conoció.

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Curiosamente sus pinturas más valoradas son sus desnudos y se dio la circunstancia de que, en diciembre de 1917, la primera exposición individual de sus pinturas, en la galería Berthe Weill, causó un gran escándalo por sus desnudos y la policía judicial los retiró.

 

 

 

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Desnudo echado con los brazos abiertos

 

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Desnudo sentado

 

 

Dedo, está enterrado en el cementerio parisino de Père Lachaise junto con su compañera Jeanne Hèbuterne. En su lápida se puede leer “Le sorprendió la muerte cuando alcanzaba la gloria” y “Compañera devota hasta el último sacrificio”

Jeanne Hèbuterne estaba embarazada de nueve meses.

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Primera exposición póstuma en 1925 en la galería Bing
Albert·poesía y música

“LA TARDE ES UNA LÁGRIMA” : ANTONIO COLINAS

Por donde va el amor crujen las hojas y una lágrima viva empaña el aire”

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La tarde es una lágrima

Te veo sentada frente al horizonte
un cárdeno perfil de cicatrices,
el encinar herido por heridas,
el tomillo que embriaga los sentidos
y una flauta que suena interminable.
No volverá, no volverá, lo dice
la lágrima que cae de tu ojo, el dolor
musical, luminoso de tus huesos.
Se deshará tu brava cabellera;
se pudrirán tus manos
y el recuerdo amoroso que contienen,
más la lágrima de la tarde,
eterna durará para negaros,
para negaros.

 

En la poesía española del siglo XX se encuentra una generación, la llamada de los “novísimos” (término acuñado por Josep María Castellet editor y poeta). Se trata de la generación nacida después de la Guerra Civil  y cuya obra se desarrolló en la década de los 60, en plena efervescencia de la renovación contracultural. Autores como Vázquez Montalbán, Leopoldo Panero, Vicente Molina Foix o José María Álvarez entre otros emprendieron una especie de evolución de la poesía “oficial” que desarrollaba la generación anterior, la llamada de los “50” los Gil de Biedma, Ángel González, Rafael Guillén, Goytisolo y muchos más.

Las características de los “Novísimos”, lo que constituía su aportación era una apuesta decidida por el culturalismo apoyándose en la contracultura pop que estaba triunfando en Europa (Mayo del 68). Eran partidarios de la libertad formal, de la escritura automática e influenciados por el auge de los medios de comunicación, especialmente por el cine. Aceptaban el ascendente de algunos de los poetas culturalistas extranjeros como Kavafis, Octavio Paz, Ezra Pound o T.S. Elliot y también algunos de lengua castellana más mayores como Gil de Biedma, Cernuda o Vicente Aleixandre y, por supuesto, los surrealistas franceses que, aun siendo más antiguos, eran fuente de inspiración, Paul Elouard, Louis Aragón e incluso Apollinaire que ya hacía medio siglo que había fallecido.

Antonio Colinas es un poeta leonés nacido en el 46. Se le identifica como uno de los “novísimos” pero tiene un estilo personal y más bien clásico. Su obra es equilibrada entre la emoción y la meditación y también ética sin renunciar a la estética.
“La poesía es como una grieta a través de la cual se ve la realidad” o “la poesía es un viaje al silencio” son dos de sus frases definitorias.

Empezó a publicar poesía en 1969 con “Poemas de la tierra y de la sangre” y “Preludios a una noche total”  y sin dejar de hacerlo hasta el año 2014 con “Canciones para una música silente”. Destaca especialmente como un punto de inflexión en su estilo poético la edición de “Sepulcro en Tarquinia” del año 1975.

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Colinas es un autor prolífico, tiene publicadas cinco novelas, numerosos ensayos, traducciones del italiano (especializado en Leopardi) y del catalán, así como colaboraciones puntuales en la prensa escrita.

Sus poemas son densos, dando relevancia al lenguaje, sus preocupaciones: el amor, el tiempo, el dolor y la muerte y sus motivos simbólicos recurrentes: la noche, la piedra, la música y los sueños, consiguen desencadenar emociones en el lector.

 

 

 

MADRIGAL PARA SUPLICAR TU VOZ

Está tensa la noche sobre los pinos cálidos

Y más calenturienta está la tierra, amor.

También a otoño saben tus labios en la sombra.

Háblame a media voz, dime qué hay por el cauce

sonoro de tus venas. Si es el pozo más hondo

de tu hermosura virgen en él me perderé.

Es un espejo el cielo, es una suave cúpula.

Aquí, sobre tu piel, también supura el pino,

deja su denso aroma,  su plenitud, su llama.

Por el recuesto, amor, pasa lenta la noche

su mano de penumbra. Y el aire, solitario,

gime entre las acículas, las conmueve, las mima.

¡Desconsolado viento, cómo roza tu pecho

con su perfume, cómo lo llena y lo sofoca!

Pero, ¿qué importa el viento, su sollozo en las hojas?

¿qué importa el astro puro, el sueño de la noche?

Si llegara el invierno enjaezado de oro

no serviría, amor, para calmar mis ansias.

Sólo tu voz podrá remansarme la sangre.

Tu voz, el más sutil de los vientos, el fruto

más maduro y gustoso de este otoño encendido.

 

 

Erik Satie, compositor y pianista francés de finales del siglo XIX y principios del XX. Se considera precursor del minimalismo y del impresionismo. Fue un músico revolucionario en su época y poco comprendido.  Se relacionó con el surrealismo y el dadaísmo. Actualmente está reivindicado y considerado  como un músico influyente en la música del siglo XX y XXI.

 

Gnosienne num. 1 de Eric Satie