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LA CANCION HÚNGARA DE LOS SUICIDAS

 

En 1933, un pianista y cantante húngaro de nombre Rezső Seress, compuso una canción singular. Inspirada por un poema de László Jávor, la canción se llamaba “Szomorú Vasárnap”, que en castellano se podría traducir como “Domingo sombrío” y es conocida mundialmente por su título en inglés “Gloomy Sunday” aunque todavía es más famosa por su nombre más popular, se trata de la llamada “Canción húngara de los suicidas”.

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En todo el mundo se le han atribuido cientos de suicidios, empezando por el de su autor en 1968. Se generó una leyenda urbana basándose en que la música y la letra son tan melancólicas que, determinadas personas con tendencias depresivas experimentaban un deseo irrefrenable de acabar con su vida.

Dice un refrán castellano “cuando el río suena, agua lleva” y algo importante debería haber ocurrido que alertara a determinados organismos oficiales significativos y les llevara a prohibir su divulgación. Así el gobierno húngaro prohibió la canción al igual que la BBC durante décadas y también en los Estados Unidos diversas emisoras de radio y clubes nocturnos la tuvieron vetada.

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No obstante varios intérpretes se atrevieron a versionarla, la más famosa Billie Holiday, pero también Paul Robeson, Sinèad O’Connor, Elvis Costello o Björk entre otros.

La letra es realmente triste.

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La traducción en castellano:

El domingo es triste, mis horas son de insomnio

Amado las sombras con las que vivo son infinitas

Pequeñas flores blancas nunca te despertarán

Allá donde el coche fúnebre de la tristeza te ha llevado

Los ángeles no tienen intención de devolverte

¿Se enfadarían si pienso en reunirme contigo?

Domingo triste

El domingo es triste lo paso entero entre las sombras

Mi corazón y yo hemos decidido acabar con todo

Pronto habrá velas y oraciones tristes, lo sé

Que nadie llore, déjalos que sepan que estoy feliz de irme

La muerte no es un sueño, en la muerte yo te acaricio

Con el último suspiro de mi alma te bendeciré

Domingo triste

Soñando, solo estaba soñando

Despierto y te encuentro dormido en lo profundo de mi corazón, aquí

Querido espero que mi sueño nunca te atormente

Mi corazón te está diciendo cuanto te quise

Domingo triste

Domingo triste

 

 

 

En realidad está letra está hablando de un suicidio por amor, lo cual es un lugar común en la literatura romántica, claro que como también dice otro refrán, “Del dicho al hecho, hay un trecho”. En cualquier caso la tristeza de las tardes de los domingos, sobre todo en otoño, cuando el día es tan corto y todavía tenemos en la piel los placeres del último verano y encima escuchar esta canción podría provocar, en según quien, un cortocircuito emocional.

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Hay una película española “La caja Kovak”, cuyo argumento gira en torno a “Gloomy Sunday” y la canción aparece en la banda sonora de algunas películas, como “La lista de Shindler”, “El funeral” o “Vidas furtivas”, incluso aparece en uno de los capítulos de Los Simpson.

 

 

 

Por mi parte, esta historia me dio pie a escribir un pequeño cuento de cuatro capítulos. Incluyo el primero y el resto más adelante.

 

 LA MUERTE NO ES UN SUEÑO

 

Capítulo I

Nació la misma noche del incendio del Reichstag, el 27 de febrero de 1933. Herta von Trotta era la segunda hija de Wolfgang von Trotta, el concertista de piano más famoso de su tiempo. Berlinesa de la cabeza a los pies vino al mundo en el número 18 de la Fassanenstrasse, en el selecto barrio de Charlottenburg. Hasta los 11 años su vida transcurrió entre almohadones de satén. En abril del 44, cuando los ejércitos aliados se acercaban inexorablemente a Berlín se despertó al mundo.

Herta sobrevivió a la posguerra en Oberammergau, un rústico pueblo bávaro. Allí, en casa de su tía Rosamund, la hermana menor de su padre, aprendió las artes culinarias que la devolverían con el tiempo a Berlín, pero esta vez como cocinera del famoso restaurante Florián en la Glormanstrasse. Los domingos después de las diez de la noche, una pequeña orquesta: piano, contrabajo, guitarra y una trompeta, ensayaba en los sótanos del Florián. Los músicos eran titulares de la Filarmónica y la música que tocaban en aquel lugar era jazz al más puro estilo de Nueva Orleáns. Herta les escuchaba arrobada, todos los domingos, mientras viajaba mentalmente en un barco de una rueda que descendía por el Mississipi de Memphis a Vicksburg.

La vida de Herta Von Trotta transcurrió entre fogones y música. Tuvo algunas relaciones fugaces pero nunca se casó. Todas las noches después de dejar el Florián se sentaba en su sillón favorito frente a la ventana de su piso en Leipzigerstrasse y escuchaba en el reproductor viejas grabaciones que conservaba de su padre: óperas de Wagner y sobre todo jazz.

Aquella noche estaba escuchando un disco que había adquirido en el KaDeBe. La intérprete era blanca pero cantaba el blues como una negra. Herta se levantó, se dirigió a la cocina y regresó al sillón, llevaba un pequeño cuchillo muy afilado y con él se cortó las venas de la muñeca izquierda. Las luces del Sony Center se difuminaban y se distorsionaban lentamente en su mirada mientras el blues se arrastraba por el aire en la habitación. Cuando su corazón dejó de latir, la noche del día 14 de octubre de 1998, en el reloj colgado en la pared del salón sonaban las campanadas de la medianoche. Herta von Trotta tenía sesenta y cinco años.

 

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Albert·Poesía

GIOCONDA BELLI

 

 

 

Nicaragüense, el próximo día 9 de diciembre cumplirá los 69, sumamente activa en las letras (poesía y novela) y en la vida (activista política antes y después de la dictadura de Somoza), estamos hablando de Gioconda Belli, una de las figuras destacadas en la literatura centroamericana.

Es larga la tarde…

Es larga la tarde
como el camino curvo hasta tu casa
por donde regreso arrastrando los pies
hasta mi cama sola
a dormir con tu olor engarzado en mi piel,
a dormir con tu sombra.

Es larga la tarde
y el amor redondo como el gatillo de una pistola
me rodea de frente, de lado, de perfil.
El sueño pesa sobre mis hombros
y me acerca de nuevo a vos,
al huequito de tu brazo,
a tu respiración,
a una continuación infinita de la batalla
de sábanas y almohadas que empezamos
y que pone risa
y energía
a nuestro cansancio.

 

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Fue una firme opositora a la dictadura de Somoza, por lo que tuvo que sufrir persecución y exiliarse a México y Costa Rica. Integrada activamente en el FSLN llegó a formar parte de la Comisión Político-Diplomática del FSLN. Fue correo clandestino, transportó armas, obtuvo recursos económicos viajando por el mundo y divulgando la lucha sandinista. Después de la caída de la dictadura continuó formando parte de la política de su país hasta el año 1988, cuando decidió dejar la política y dedicarse a su vocación auténtica, la literatura y empezó su etapa de novelista: “La mujer habitada” en el 88, “Sofia de los presagios” en el 90, “El infinito en la palma de la mano” en 2008 entre otras, hasta la última publicada en 2014, “El intenso calor de la luna”.

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Pero lo que queremos destacar aquí es su vertiente poética. La poesía de Gioconda Belli, ya desde sus inicios en 1972 con “Sobre la grama”, se puede considerar revolucionaria y rompedora por la forma de encarar la sensualidad, la sexualidad y el cuerpo femeninos. Ella hace una poesía explícita, muy fácil de entender y de seguir, al mismo tiempo que utiliza imágenes muy contundentes, como estas:

Primeros versos del  poema “Recorriendote”

Quiero morder tu carne,
salada y fuerte,
empezar por tus brazos hermosos
como ramas de ceibo,
seguir por ese pecho con el que sueñan mis sueños
ese pecho-cueva donde se esconde mi cabeza
hurgando la ternura,
ese pecho que suena a tambores y vida continuada
..

O las estrofas número VII y VIII del poema “Pequeñas lecciones de erotismo”

 “Traspasa la tierra del fuego la buena esperanza
Navega loco en la juntura de los océanos
Cruza las algas ármate de corales ulula gime
Emerge con la rama de olivo
Llora socavando ternuras ocultas
Desnuda miradas de asombro
Despeña el sextante desde lo alto de la pestaña
Arquea las cejas abre ventanas de la nariz”

“Aspira suspira
Muérete un poco
Dulce lentamente muérete
Agoniza contra la pupila extiende el goce
Dobla el mástil hincha las velas
Navega dobla hacia Venus
estrella de la mañana
-el mar como un vasto cristal azogado-
Duérmete náufrago.”

Gioconda Belli escribió poesía toda su vida, desde “Sobre la grama” publicada en el 72 hasta “En la avanzada juventud” del 2013, publicó diez libros más, entre antologías y poesía original.

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Ella misma describe las características de su obra

“Me preguntan si escribo sobre el asunto de las mujeres. Mi literatura no es femenina, es una literatura donde la mujer es protagonista. Nadie diría que Hemingway escribe una literatura masculina. Mi literatura es la visión del mundo desde la perspectiva de la mujer. La discusión sobre los asuntos de género no nos compete a los escritores de literatura, para eso están los ensayos y todo eso. Lo que hacemos es cambiar el papel de la mujer. Es la mujer actuando.” (Gioconda Belli)

 

“Soy la mujer que piensa.

Algún día

mis ojos encenderán luciérnagas.” (Gioconda Belli)

 

 

 

 

Enya canta “May it be”acompañando el poema “El hombre que me ame” de Gioconda Belli

 

Albert·Cine

PASOLINI, UN CINEASTA INCÓMODO

 

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En noviembre del 75 se encontró, en una playa de Ostia, el cuerpo maltrecho y parcialmente quemado de uno de los intelectuales más prestigiosos de su época:  Pier Paolo Pasolini. Tenía 53 años y estaba en la cumbre de su carrera.

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Pasolini era lo más parecido a un “uomo  universale renacentista” en el siglo XX. Poeta, dramaturgo, novelista, ensayista y cineasta. Todo lo desarrollaba como una creación individual. Es obvio que la escritura lo es, no así el cine que es consecuencia de la colaboración de varios elementos, pero en su caso y según sus propias palabras “El cine de autor es una creación individual. El número de colaboradores no cuenta. La obra nace en solitario. (…) El ritmo, los temas, las obsesiones, la elección de la escritura llevan el sello de un estilo ferozmente personal, de un hombre.”  (Conversaciones con Pier Paolo Pasolini, Anagrama 1971). Como autor, Pasolini  se mantuvo siempre fiel a sus principios y ninguno de sus films responde a otra motivación que no sean sus intereses o a un sentido histórico de respuesta frente a los acontecimientos sociales o políticos vividos muy de cerca por él.

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“Accatone”
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Mamma Roma

Su filmografía, ambiciosa y compleja, tiene su origen en la interrelación de las ideologías y espectros culturales que ocupan gran parte del pensamiento occidental de los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial.

Su actividad intelectual temprana fue la poesía y concretamente en el dialecto fruliano. Muy interesado en el lenguaje, cultivó la poesía toda su vida desarrollando un sentido manierista de la escritura vinculado a las emociones y los sentimientos pero también al contexto político en que se inscriben. En realidad, todas las líneas maestras del pensamiento pasoliniano están contenidas en sus poemas primerizos y será ese mismo sentido poético el que se instalará en su escritura cinematográfica cuando la desarrolle en los años posteriores.

Análisis tardío

Sé bien, sé bien que estoy en el fondo de la fosa;
que todo aquello que toco ya lo he tocado;
que soy prisionero de un interés indecente;
que cada convalecencia es una recaída;
que las aguas están estancadas y todo tiene sabor a viejo;
que también el humorismo forma parte del bloque inamovible;
que no hago otra cosa que reducir lo nuevo a lo antiguo;
que no intento todavía reconocer quién soy;
que he perdido hasta la antigua paciencia de orfebre;
que la vejez hace resaltar por impaciencia sólo las miserias;
que no saldré nunca de aquí por más que sonría;
que doy vueltas de un lado a otro por la tierra como una bestia enjaulada;
que de tantas cuerdas que tengo he terminado por tirar de una sola;
que me gusta embarrarme porque el barro es materia pobre y por lo tanto pura;
que adoro la luz sólo si no ofrece esperanza.

La evolución ideológica de Pasolini, visible a través de toda su obra, da comienzo con su inmersión en el proletariado influenciado por las ideas de Gramsci , y su objetivo es la realización de  grandes obras nacionales y transformarlas en populares destinadas a un pueblo idealizado pero no tiene en cuenta  la irrupción, en aquellos años de fenómeno de la “cultura de masas”. En una entrevista del año 72, Pasolini dice textualmente: “En el momento en que perdí la ilusión gramsciana de poder hacer grandes obras nacionales que a la vez fueran populares, comencé a hacer films difíciles, que estuvieran en contra de la capacidad de consumo de la masa”.

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“Edipo, rey”

 

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“Teorema”

Su ideología política siempre estuvo  cerca del Partido Comunista Italiano, si bien ya se había desligado oficialmente desde 1949 por las críticas en el partido como consecuencia de su manifiesta homosexualidad. En realidad, no creía en las posibilidades de transformación de la sociedad por la vía marxista, Pasolini era partidario de otorgar a las comunidades campesinas la cualidad de ser el modelo de libertad como herederas directas de las civilizaciones arcaicas. En toda su obra tiene relevancia “el mito” asociado a las civilizaciones antiguas, de ahí su aprecio por los clásicos como poseedores exclusivos de los mitos, para él, elementos trascendentes, incluso  a la propia muerte. Mitos clásicos como “Medea”, Edipo, rey”, “El evangelio según san Mateo”, películas donde el mito es más sutil, como “Accatone”, “Mamma Roma” o “Teorema” para llegar a su obra magna la “Trilogía de la vida” :”El Decamerón”, “Los cuentos de Canterbury” y “Las mil y una noches”. En estas tres películas es donde Pasolini se atreve a situar la cultura campesina, claramente, como el marco idóneo para que el hombre desarrolle su capacidad de ser libre: el campo como origen.

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“El evangelio según San Mateo”
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“El Decamerón”
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Los Cuentos de Canterbury”
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“Las Mil y una noches”

Al año siguiente de filmar  “Las mil y una noches”, Pasolini inició la que sería su última obra, la primera de su proyecto siguiente, al parecer si intención era realizar una “trilogía de la muerte”. La película la pudo terminar, se trata de “Saló o los 120 días de Sodoma” y fue sumamente polémica.  Pasolini ya había anticipado la inaceptabilidad de “Saló” por parte del sistema, múltiples censuras y prohibiciones lo demostraron, si bien confiaba en que, a través de coartadas culturales sobre la universalidad de la obra artística pudiera llegar a ser tolerada en círculos intelectuales progresistas. En la realidad, el film fue rechazado por el público en general por su carácter antilúdico y por el moralismo de la izquierda excesivamente distanciada de la agresividad del autor.

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“Saló o los 120 días de Sodoma”

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No sabemos el camino que Pasolini hubiera recorrido en su futuro truncado por una muerte violenta. Pier Paolo Pasolini fue el más insólito, anárquico y libre de los realizadores de cine de su época y uno de los más perturbadores de todos los tiempos. Era una piedra en el zapato del sistema y su muerte era deseada o consentida por parte del propio sistema. No llegó a saberse con certeza las circunstancias de su asesinato. El acusado, un joven delincuente italiano, falleció sin haber aclarado las circunstancias en las que estaba involucrado. A día de hoy no hay culpables claros y es probable que no se sepa nunca.

Albert·cuento

EL HOLANDÉS ERRANTE

Salió de la bruma como un espíritu vengador, negro y pavoroso. El “Windlife” cabeceó encabritado al recibir el empuje del agua que desplazaba un barco tan grande pasando a menos de diez yardas de su proa. Por el tamaño me pareció una goleta de tres palos o quizás un bergantín. Estaba rodeado por una extraña luminosidad rojiza, pero entre los jirones de niebla que pendían de su popa alcancé a leer el nombre, “Libera Nos”. Una enorme bandera blanca con el aspa de San Andrés, la antigua bandera de guerra holandesa, destacaba entre la bruma. Tuve que emplearme a fondo con el timón para evitar la escora a babor en la que se estaba precipitando el “Windlife”.

 

Cuando conseguí dominar el velero, conecté el piloto automático y me senté en cubierta respirando aliviado. El mar estaba tranquilo y no hacía frío. Solo la densa niebla impedía la visión de un cielo sin luna. Estaba intrigado por el incidente y bajé al camarote a buscar información. En el tomo III de la Enciclopedia del Mar pude leer mientras tomaba mi primer gin-tonic:

  “… “Libera Nos”uno de los nombres con los que se conocía el mítico navío  “Flying Dutchman”. Capitaneado por un holandés llamado Bernard Fokke, famoso por la velocidad de sus travesías y de quien se decía que había llegado a un pacto con el diablo…”

El sabor de la bebida se tornó metálico. Sentado en el banco de madera apoyé la cabeza en la pared y cerré los ojos. No me lo podía creer. Era lo que me faltaba. Arruinado, abandonado por todos, abandonando todo, solo en el océano y me encuentro con el holandés errante. Pensé que había sido una alucinación, pero mi sentido práctico se impuso. Las alucinaciones no provocan la escora de un velero de diez metros tan fiable como el “Windlife”, hasta el punto de haber estado en peligro de zozobrar. Aquello había sido real, tan real como el segundo gin-tonic que me estaba preparando.

 

Busqué entre los CD’s de clásica la ópera que Wagner había dedicado al tema pero no lo encontré, probablemente se lo había dejado a alguien. La única obra de Wagner que tenía era el “Götterdämmerung” así que lo puse y seguí leyendo información sobre el mito del barco fantasma. El vello se me erizó cuando leí en el libro “Mitos y leyendas de los mares del mundo”:

“…La sola visión de tu barco, que seguirá rondando hasta el fin de los tiempos, traerá la desgracia a quien lo vea…”

Dejé de leer, pero seguí bebiendo ginebra hasta quedar profundamente dormido sobre el duro banco. El velero navegaba entre la niebla suavemente, empujado por la brisa, mientras yo dormía y soñaba. Esa noche tuve pesadillas, inconexas, enigmáticas, negros cuervos posados en las jarcias de un galeón, escarabajos metálicos con cabezas multicolores que corrían por las velas, un perro blanco y negro aullando a la luna…

 

Al despertar tomé una decisión. Atracaría en Brisbane y allí cursaría un telegrama a mi antiguo socio profesional:

 

A Pedro Altares “Pedrín”

Terminado viaje solitario STOP  Vendo Windlife STOP Vuelvo en avión STOP Reabriremos oficina detectives privados STOP Saludos Roberto Alcázar

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Albert·Fotografía

JOANA BIARNÉS :UNA FOTOPERIODISTA DIFERENTE

Hay profesiones en las que el papel de las mujeres, incluso en el siglo XXI,  es poco relevante, no porque no tengan capacidad, que la tienen sobrada, sino porque tradicionalmente las desempeñaban los hombres  hasta la incorporación de la mujer en el mercado laboral a mediados del siglo pasado. Hoy día, afortunadamente las mujeres pueden desempeñar toda clase de trabajos, incluso los más, digamos masculinos. Hoy vemos bomberos, taxistas conductores de bus, policías o militares que son mujeres. Y no digamos en actividades intelectuales como la medicina, la política o la economía. También el periodismo. Bien es verdad que, lamentablemente, en algunos campos, no son todavía equiparables el número de hombre y mujeres ni tampoco los salarios. Es de esperar que con el tiempo se corrijan ambas deficiencias.

Esta reflexión viene a cuenta con un personaje relevante, aunque poco conocido, en el mundo del periodismo español del siglo XX. Concretamente en el fotoperiodismo.

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Joana Biarnés Florensa trabajó como fotoreportera gran parte de su vida, empezando por los deportes para pasar a cubrir reportajes sociales  hasta la aparición de la prensa amarilla cuando abandonó la profesión por la deriva que tomaba y con la que estaba en desacuerdo. Eso ocurrió en 1985 dedicándose a la restauración en un local propio de la isla de Ibiza: Can na Joana.

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Reportaje sobre las inundaciones del Vallés en 1962
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Recogiendo agua en una fuente pública en los años duros de la postguerra

 

Durante los años duros de la postguerra y el inicio de la transición, Joana se dedicó a la fotografía periodística, y a través del objetivo de sus cámaras se puede ver la evolución de una sociedad que venía de una España triste que salía de la depresión recuperando la ilusión con la llegada de la democracia. Su mirada fotográfica captó esa sociedad cambiante con los personajes representativos en actitudes naturales o sorprendentes.

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Dalí y Gala en Port Lligat
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Fans esperando a los Bravos
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Orson Welles en los toros

 

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actriz rodeada de admiradores

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En su primera etapa, Joana Biarnés se dedicó al fotoperiodismo deportivo y en esa época fue cuando percibio más intensamente el rechazo por su género, el deporte era un coto masculino. A partir de 1962 y hasta su cierre en 1984 estuvo vinculada con el periódico vespertino “Pueblo”. El periódico era propiedad de los Sindicatos Verticales del Régimen Nacionalsindicalista y durante años se mantuvo en la tercera posición de los diarios más vendidos del país, solo detrás del ABC y La Vanguardia. Durante estos años, Juana se dedicó a los reportajes sociales con profesionalidad pero siempre buscando el detalle que hiciera diferentes sus reportajes, se arriesgaba para conseguir la foto que quería. A diferencia de sus compañeros masculinos, se acercaba mucho a los personajes que fotografiaba, interactuaba con ellos construyendo un espacio útil para los dos, fotógrafo y fotografiado. En sus reportajes aparecen personas relevantes, nacionales e internacionales: Dalí, Orson Welles, los Beatles, Ursula Andress, Nureyev o Roger Moore entre otros muchos.

Este recuerdo obedece a la exposición que se ha montado sobre su obra en el Palau Robert de Barcelona y que estará visible hasta abril de 2018. Es un retorno al pasado para algunos y para otros una ventana para observar una parte de la sociedad que habitaba el país en los años anteriores e iniciales de la transición.

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MOEBIUS: UN AUTOR CON NOMBRE DE CINTA

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En 1858 dos matemáticos alemanes, August Ferdinand Möbius y Johann Benedict Listing descubren en forma independiente la paradoja matemàtica que tomó el nombre del primero: la cinta o banda de Möbius (Moebius), una superficie de dos dimensiones no orientable, con solamente un lado cuando se recorre y sumergida en el espacio euclidiano tridimensional de la realidad subjetiva. Simplificando, es una superfície con una sola cara y un solo borde.

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Pero Moebius es también otra cosa. Tras ese nombre se oculta uno de los más importantes renovadores del cómic europeo. Un dibujante francés nacido en el 38 y cuyo nombre auténtico era Jean Giraud.

Jean Giraud, formaba parte de la generación de dibujantes y guionistas de cómic que, en los años 70 y 80, constituyeron la edad de oro del cómic europeo: Druillet y Dionnet en Francia, Pratt, Manara y Giardino en Italia, en España Enric Sió, Carlos Giménez y Maroto, y muchos más, todos de gran calidad.

 

Jean Giraud era diferente de todos ellos. En los primeros tiempos se decantó por dibujar western creando el personaje del Teniente Blueberry del ejército norteamericano, pero cambió de registro después de su adhesión al grupo de los Humanoides Asociados, donde estaban también Druillet y Dionnet. Este grupo, muy decantado por la fantasía y la ciencia ficción, se expresó a través de una de las principales revistes de cómics de la historia: “Mètal Hurlant”. En ella Giraud, que ya firmaba como Moebius, consolidó su cambio de estilo creando un universo personal muy ligado con el zen y las filosofías orientales. En sus dibujos, con guiones propios y en ocasiones con guionistas prestigiosos como Dan O’Bannon o Alejandro Jodorowsky, intenta reflejar la conciencia cósmica del alma humana depurando su grafismo al límite con unos dibujos sumamente atractivos y sobretodo muy personales. “Arzach”, “El garaje hermético” o “El Incal” son algunas de las más importantes.

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Paralelamente a su enorme labor como historietista e ilustrador, Giraud participó en el cine como diseñador en películas de ciencia-ficción: “Alien”, “Tron”, Willow”, “El quinto elemento” e incluso” Star Wars” tienen algo en su interior imaginado y diseñado por Moebius.

En sus últimos años dejó parcialmente el dibujo para dedicarse al guion. Regresó al Teniente Blueberry como guionista después del fallecimiento de Charlier, que había escrito los guiones desde el principio de la serie en 1964. Sus ansias de renovación le llevaron a entrar en el mundo de los videojuegos diseñando personajes y ambientes.

Jean Giraud (Moebius) falleció en 2012 a los 76 años. Había sido un autor muy dotado  para el dibujo desarrollando, a lo largo de su carrera, estilos diferentes  que combinaba de forma coherente. En el mundo del cómic hay un antes y un después de Moebius. Su obra perdurará en el tiempo, por la calidad y originalidad del universo onírico que supo crear.

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