Albert·Fotografía

FOTOGRAFIA ARTISTICA: HERBERT LIST

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En 1903, nació en Hamburgo, un fotógrafo especial: Herbert List. Durante los primeros treinta años se dedicó profesionalmente al comercio viajando por todo el mundo. Su padre dirigía una importante empresa de importación de café. A lo largo de sus viajes empezó a interesarse por la fotografía pero sin ninguna intención artística. La influencia de algunos pintores contemporáneos (Magritte y Chirico especialmente) y del fotógrafo americano, Man Ray , le llevó a una rápida evolución convirtiéndose en poco tiempo en el máximo exponente de la fotografía metafísica. Fotografías de estudio y al aire libre con composiciones muy controladas utilizando negativos de formato medio, con una máquina Rolleiflex. A pesar de que sus fotos no eran instantáneas, y quizás por ello, parecen emanar algo especial de su interior, de ahí la calificación de “metafísicas”.

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A los 33 años dejó el negocio familiar para dedicarse profesionalmente a la fotografía, su gran pasión. Influyó el que su familia era judía y en 1936, en Alemania, los negocios de judíos tenían problemas graves de supervivencia.

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Empezó su carrera fotográfica, entre París y Londres, con fotografías de moda que le publicaban en la revista “Harper’s Bazaar” pero pronto se pudo dedicar a la fotografía artística metafísica con especial dedicación a las fotos homoeróticas. En Grecia y en Italia, principalmente, List realizó una serie de fotografías de desnudos masculinos que le dieron fama mundial. Su estilo austero y mágico y al mismo tiempo muy rico en referencias artísticas tuvo gran influencia en los fotógrafos contemporáneos y posteriores. Las revistas “Vogue”, “Life” y la ya comentada “Harper’s Bazaar” publicaban su obra. Después de la guerra volvió a Alemania donde fue el editor artístico de la revista “Heute”. Posteriormente y hasta los primeros años de la década de los 60 estuvo trabajando por todo el mundo y publicando en revistas de moda, de arte y de fotografía.

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En 1953 y por la influencia de Henri Cartier Bresson, dejó el formato medio y pasó a la cámara de 35 mm. más versátil y que le permitía instantáneas, entrando en el neorrealismo y las fotografías de la calle y de la gente. A partir de 1962 y hasta su fallecimiento en Mónaco en 1975, abandonó a la práctica la fotografía, no obstante nos queda su obra con su peculiar estilo.

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Herbert List en sus primeros años en Alemania fue amigo y guía de jóvenes que viajaban  a Alemania en los años locos de la República de Weimar, intelectuales y escritores como Isherwood, Auden o Spender. List era un gran esteta y a lo largo de su vida se relacionó con el mundo gay, gran admirador de su mirada homoerótica al igual que del espíritu que aparecía en sus fotografías, siempre en blanco y negro.

Albert·cine y literatura

CINE Y LITERATURA: BLADE RUNNER

Dentro de unos días está programado el desembarco en las pantallas de nuestros cines de la secuela de una película mítica de los años 80: Blade Runner. En esta ocasión Ridley Scott ejerce de productor ejecutivo dejando la realización en manos de Denis Villeneuve, director de prestigio después de ganar el Oscar con “La llegada”

En la espera de ver cómo afronta el nuevo equipo el reto de trasladar a la pantalla esa mezcla del noir con la ciencia ficción, con la que Scott consiguió maravillar a los aficionados de ambos géneros, entre los que me cuento, por supuesto, he rescatado de mi hemeroteca blogera personal, un post que publiqué en otro blog en diciembre de 2014. Considero que el texto es válido todavía con pequeñísimas modificaciones y con imágenes nuevas.

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“En 1982, Ridley Scott llevó a la pantalla una de las obras de ciencia ficción producto de la imaginación de Philip K. Dick. La novela se llamaba “¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?” y la película se llamó “Blade Runner” y muy pronto se convirtió en una película de culto, una de los films de ciencia ficción más influyentes en las décadas venideras.

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Philip K. Dick

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Philip K. Dick fue uno de los más singulares escritores de ciencia ficción de su tiempo, época dorada de la literatura del género. Fue un autor prolífico, más de un centenar de historias cortas y alrededor de cuarenta novelas. Su estilo era considerablemente complejo y un tanto siniestro. Sus protagonistas se manifestaban habitualmente como  ciudadanos normales desconcertados y relativamente insignificantes que intentan sobrevivir en un entorno hostil y donde son considerados precindibles. Los universos imaginados por Dick no son nada más que la proyección de nuestro mundo en un mundo distópico futuro no muy lejano y expresado en clave de parábola.

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Ridley Scott

Hollywood a veces dispensa un trato humillante a algunos novelistas cuyas obras son pasadas a la pantalla después de adquirir sus derechos. En la industria del cine las prioridades no son las mismas que las de la literatura, eso es evidente. No obstante, en este caso, aunque formalmente es posible ver grandes diferencias entre la obra escrita y la obra filmada, la esencia se respeta. Scott y los guionistas le dieron una interpretación personal y original al libro, incluso enriqueciendo la obra con nuevas y exitosas aportaciones.

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Blade Runner: The Final Cut

 

No vamos a comentar aquí el argumento ya que de todos es sobradamente conocido, solo resaltar algunas de las fuentes literarias e intelectuales en las que bebieron los autores, del libro en primer lugar y del guión cinematográfico después. Es fácil ver la similitud del protagonista, llamado blade runner o retirador de replicantes, con un detective “hard-boiled” de cualquier obra de Hammet o Chandler. Su aspecto físico, su vestimenta, su actitud vital negativa, su forma de hablar, su independencia, su alcoholismo y last but not least su pasado como policía, nos llevan a los protagonistas de “El halcón maltés” o “El largo adiós”. Pero también hay influencia en el resultado final de Blade Runner de otros factores más antiguos y más profundos, como el mito de Frankenstein, el de Prometeo e incluso el de Fausto. Por no hablar de las referencias bíblicas de su espectacular final, con el replicante Roy Batty como una especie de Cristo cibernético del año 2019, con su clavo en la mano, su herida en la sien, la paloma blanca que sale volando cuando expira y sobretodo con su muerte redimiendo al blade runner que intentaba matarle, al que salva la vida y redimiendo con él a toda la humanidad.
Esta escena realmente emotiva e impactante ha pasado a formar parte de la historia del cine por méritos propios:

“Yo he visto cosas que vosotros no creeríais. Atacar naves en llamas más allá de Orion. Yo he visto rayos C brillar en la oscuridad cerca de la puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir”

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En la ambientación de la ciudad de Los Angeles, oscura y lluviosa, absolutamente inhabitable y paradójicamente superhabitada se ve la influencia de Metrópolis, la gran obra de ciencia ficción de la época del cine silente rodada en Alemania por Fritz Lang.”

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Me gustaría destacar la banda sonora de Vángelis. A mi juicio la mejor de las que compuso para el cine. En este video se puede apreciar un fragmento.

 

 

 

Albert·Cine

UN CINEASTA DIFERENTE: BASILIO MARTÍN PATIÑO

«Esta es la historia de un español que quiere vivir, y a vivir empieza»

Con estas palabras inició su andadura por el cine comercial uno de los directores más prestigiosos del cine español: Basilio Martín Patiño.

Su prestigio no le viene de la cantidad de películas realizadas ni de los taquillajes obtenidos, al contrario, pocas películas y nada taquilleras, pero importantes como importantes fueron sus planteamientos profesionales y personales.

 

Empezaremos diciendo que las palabras en cursiva de la primera línea proceden del famoso poema “Españolito” y que transcribimos entero a continuación:

 

“Ya hay un español que quiere

vivir y a vivir empieza,

entre una España que muere

y otra España que bosteza.

Españolito que vienes

al mundo te guarde Dios.

Una de las dos Españas

ha de helarte el corazón”.

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En 1965, Basilio Martín filma su primera película: “Nueve cartas a Berta” en la cual lo primero que aparece es la frase de Machado ya mencionada.

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“Nueve cartas a Berta” supuso una renovación del cine español, se incluyó en la corriente llamada “Nuevo Cine Español” que tuvo poco recorrido. Basilio Martín firmó el guión y la dirigió, se trata de una película muy inteligente con un argumento relativamente sencillo. Un joven salmantino (como Basilio) que ha vivido un tiempo en Londres, manda las nueve cartas a Berta, una chica hija de exiliados españoles, que conoció en Londres. A través de las cartas, leídas en voz en off, explica como es el país que sus padres abandonaron y ella no conoce. Al mismo tiempo, a lo largo de la película, se puede ver como era la vida familiar, laboral y universitaria de una ciudad de provincias en aquellos años. En Salamanca siempre ha tenido gran importancia la Universidad. Con astucia, Basilio introduce la influencia de la religión en la vida de las personas y también como se conducen en sociedad los jóvenes. Nada que ver con la explosión cultural y de costumbres que en el año 1965 ya había inundado las ciudades europeas. (Los Beatles y los Rolling estaban ya en la cumbre).

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Basilio Martín nació en Octubre de 1930 en una familia profundamente católica. Sus padres eran profesores y sus dos hermanos fueron religiosos. Pero la actitud personal y política de Basilio fue muy diferente, toda su vida fue un rebelde acercándose al anarquismo, un asunto muy complicado en la España de los sesenta y setenta. Esta actitud se refleja en su cine.

La relación de Basilio Martín con el cine se inicia con la fundación de un Cine Club de la Universidad en 1953 y también la revista Cinema Universitario. Pronto se marcó objetivos más trascendentes, dos años después impulsó las famosas “Conversaciones de Salamanca” que tendrían importancia en el futuro del cine español al conseguir la presencia de los principales cineastas del país.

Posteriormente se dedicó a rodar cortometrajes al tiempo que se licenciaba en la Escuela Oficial de Cine. El primer y único éxito comercial le llegó con la película mencionada que, a pesar de los problemas con la censura, obtuvo la Concha de Plata en San Sebastian y un gran éxito de público. Las películas que hizo a continuación, en formato documental histórico con filmaciones reales no ficticias, fueron realizadas en la clandestinidad y no tuvieron proyección comercial hasta después de la muerte de Franco. Fueron tres películas:  “Canciones para después de una guerra” (1971), “Queridísimos verdugos” (1973) y “Caudillo” (1974).

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En los años siguientes estuvo vinculado al cine con algunos documentales ficticios, estudiando el cine primigenio y experimentando con las nuevas tecnologías. Su ultimo trabajo fue un cortometraje sobre el movimiento social del 15M titulado”Libre te quiero”.

 

Basilio Martín Patiño nos dejó este verano a los 86 años.

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Secuencias de su primer largometraje “Nueve cartas a Berta”

 

 

 

 

 

 

 

 

Albert·poesía y música

PALABRAS Y MUSICA

Sor Juana Inés de la Cruz, monja jerónima que vivió toda su vida en Nueva España (actual México) fue la principal representante de la literatura en castellano del Nuevo Mundo del siglo XVII. Su obra fue preferentemente religiosa pero también encontramos composiciones profanas que exaltan el amor humano y sensual.

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Contemporánea de escritores y poetas como Calderón, de Molière y Corneille, entre otros y de músicos como Pergolesi, Haendel o Bach. Todos ellos y muchos más enmarcados por lo que conocemos como “Estilo Barroco”  que se desarrolló en Europa y Latinoamérica por todo el siglo XVII y principios del XVIII.

Murió durante una epidemia de peste y a pesar de su juventud (46 años) pudo desarrollar la mayoría de los géneros: comedias y autos sacramentales para ser representados, obras por encargo, jocosas o satíricas, alegorías, loas, villancicos y poesía religiosa y profana. Es de destacar que solo escribió dieciséis poemas religiosos. Sor Juana, siempre dijo que su obra era de encargo, con una excepción, uno de sus poemas, quizás el más importante: “Primero sueño” inspirado y creado como homenaje a Góngora y del cual dijo Octavio Paz:

“Primero sueño” no es el poema del conocimiento como un vano sueño sino el poema del acto de conocer. Este acto adopta la forma del sueño, no en el sentido vulgar de la palabra sueño ni en el de la ilusión irrealizable, sino el de viaje espiritual (…) El poema es la épica del acto de conocer y también la confesión de las dudas y las luchas del Entendimiento. Es una confesión que termina en un acto de fe: no en el saber sino en el afán de saber.”

Octavio Paz. Sor Juana Inés de la Cruz o las trampas de la fe. México, 1982.

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El poema es extenso y complejo, lleno de metáforas y simbología, consta de 975 versos de los cuales incluimos los primeros:

“Piramidal, funesta de la tierra

nacida sombra, al cielo encaminaba

de vanos obeliscos punta altiva,

escalar pretendiendo las estrellas;

si bien sus luces bellas

exentas siempre, siempre rutilantes,

la tenebrosa guerra

que con negros vapores le intimaba

la vaporosa sombra fugitiva

burlaban tan distantes,

que su atezado ceño

al superior convexo aún no llegaba

del orbe de la diosa

que tres veces hermosa

con tres hermosos rostros ser ostenta;

quedando solo dueño

del aire que empañaba

con el aliento denso que exhalaba…”

 

 

Una muestra de la calidad de la obra de Sor Juana Inés de la Cruz es este soneto profano que se conoce por “Detente sombra”

“Detente, sombra de mi bien esquivo,

Imagen del hechizo que más quiero,

Bella ilusión por quien alegre muero,

Dulce ficción por quien penosa vivo.

 

Si al imán de tus gracias, atractivo,

Sirve mi pecho de obediente acero,

¿Para qué me enamoras lisonjero

Si has de burlarme luego fugitivo?

 

Mas blasonar no puedes, satisfecho,

De que triunfa de mí tu tiranía:

Que aunque dejas burlado el lazo estrecho

 

Que tu forma fantástica ceñía,

Poco importa burlar brazos y pecho

Si te labra prisión mi fantasía.”

 

 

La poesía barroca de Sor Juana Inés de la Cruz está arropada por dos jóvenes intérpretes de la ópera de su tiempo.

El contratenor Philippe Jaroussky interpreta a Haendel: “Lascia ch’io pianga de la ópera “Rinaldo”

 

Emöke Baráth canta un fragmento del “Stabat Mater” de Pergolesi

 

Y los dos juntos en el primer movimiento del “Stabat Mater”

 

 

Albert·Carteles

HELIOS GÓMEZ: CARTELISTA, POETA Y SINDICALISTA

 

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Le llamaban “el artista de la corbata roja”. Había nacido en Sevilla, en el barrio de Triana en 1905, en una familia de etnia gitana. Se llamaba Helios Gómez Rodriguez y fue un importante artista vanguardista destacando como cartelista, pintor y poeta.

 

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Políticamente fue un significado sindicalista, al principio anarquista y más tarde militando en grupos comunistas prosoviéticos. Su actividad política y profesional le hizo viajar desde muy joven por toda Europa. Especialmente importante fue su relación con artistas de vanguardia alemanes, George Grosz o el galerista Herwarth Walden. En Alemania publicó su primera obra “Dias de ira” en contra del fascismo muy influenciada por el “cubismo” en boga en aquellos años. Públicamente declaró su intención de poner su arte al servicio del proletariado en su lucha contra los poderes fácticos económicos y especialmente eclesiásticos.

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Con la instauración de la Segunda República en España regresó y al mismo tiempo cambió su estrategia personal política y artística. Políticamente abandonó sus ideas libertarias y anarquistas aproximándose al espíritu comunista prosoviético. Sus carteles y pinturas dejaron, asimismo, el cubismo, estilo intelectual y difícilmente comprensible, pasando a un grafismo más sencillo y entendible y, por ello, más contundente, preñado de propaganda revolucionaria.

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Al estallar la guerra, Helios, se implica absolutamente con la República, se dedica al cartelismo de propaganda para grupos anarquistas y republicanos, pero también lucha en las barricadas de Barcelona afiliado al PSUC. Perseguido por los estalinistas por su pasado libertario es expulsado del PSUC y vuelve a los orígenes en la CNT. Organiza la columna Ramón Casanellas y participa en la frustrada liberación de Mallorca e Ibiza con la Expedición Alberto Bayo. Lucha en el frente de Aragón y en Andalucía y antes del final de la contienda le nombran director del diario oficial de la Columna Durruti: “El Frente” organizando, asimismo, un homenaje a Durruti en Barcelona.. Al terminar la guerra se exilia a Francia pasando por varios campos de refugiados,  hasta el 41 en que es liberado y se instala en Francia. Solo permanece tres años, en el 44 regresa a Barcelona para luchar contra el franquismo en la clandestinidad y allí morirá en 1955, a los cincuenta años después de pasar unos años preso en la Cárcel Modelo. Es liberado dos años antes de morir pero cuando ya estaba gravemente enfermo.

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Durante su estancia en la Modelo, a instancias del capellán de la prisión, el mercedario Bienvenido Lahoz, Helios Gómez pintó unos frescos dedicados a la Virgen de la Merced, patrona de los presos y de Barcelona. Estos frescos se conocen como la “Capilla Gitana” debido a que todos los personajes que aparecen tienen rasgos de la etnia gitana, incluso la Virgen y el Niño. En la celda número 1 del primer piso de la cuarta galería se podía ver la obra personalísima de Helios Gómez hasta 1998 ya que en ese año, en plena Democracia, estando Convergencia i Unió en la Generalitat de Catalunya, se cubrieron los frescos con una gruesa capa de cal por decisión de la, entonces Consellera de Justicia, Nuria de Gispert. Se alegaban motivos higiénicos.

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Actualmente la Cárcel Modelo ya no es prisión, está tramitándose la entrega del complejo al Ayuntamiento de Barcelona y es de esperar la rehabilitación de la Capilla Gitana ya que forma parte de la memoria histórica de la ciudad y del país.