Albert·cuento

UNA MALA ELECCIÓN

La había conseguido. Le costó una barbaridad pero por fin la tenía. El año anterior se había quedado con un palmo de narices. Lo intentó por Internet y fracasó, estuvo a un paso del ataque de nervios. Pero esta vez la tenía. No se lo podía creer. Una entrada para ver y oír al Boss en julio. En el Camp Nou. Iba a ser una pasada. Bien es cierto que tuvo que madrugar y pasar un frío tremendo, allí, en la Plaza de Catalunya, a la tres de la madrugada. No habían puesto ni las calles todavía. Pero había valido la pena. Mintió a su mujer. Ella no  entendería tanto sacrificio para oír a un tío berrear. Peor para ella. Es una religión. La secta del Boss.

 

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Oriol estaba realmente contento con su tesoro. Cuando llegó a casa lo primero que hizo fue buscar un lugar seguro. No la podía llevar encima por si acaso le robaban la cartera. Le podían quitar la pasta o las tarjetas pero no la entrada, eso era sagrado. En casa pensó en un lugar en el que no hubiera la menor posibilidad de que su mujer la encontrara. No era un tema fácil. Su mujer, una obsesa del polvo, no soportaba polvo en los muebles y todo lo revolvía. Al fin dio con el escondite perfecto.  Decidió buscar un libro en el que su mujer no se fijara en ningún caso y poner la entrada en la página 187. El concierto iba a ser el 18 de julio y eso no podía olvidarlo. Pero ¿En cuál de los libros? Buscó entre los de la estantería superior y pronto lo tuvo claro. Una edición en rústica del Círculo de Lectores de El conde de Montecristo era el ideal. Se lo había regalado su hermano para San Jordi y su mujer lo había intentado leer dejándolo inmediatamente. Alegaba que la letra era muy pequeña, pero él sabía que el problema era el peso. Ella leía en la cama y los libros tan grandes le eran incómodos. Era el escondite perfecto.

El día del concierto, Oriol estaba exultante, estaba todo preparado. En el maletero del coche ya tenía la bolsa del tenis y dentro había colocado bien doblada la chupa de cuero, los vaqueros y las botas de media caña. La coartada era una cena con un cliente y a media tarde se dirigió a su casa para coger el coche y por supuesto la entrada. Cuando miró la estantería el corazón le dio un vuelco. El libro no estaba en su sitio. Se tomó unos segundos para que la voz no delatara su angustia:

  • ¡Cariño! ¿No sabrás por casualidad dónde está “El conde de Montecristo”? Es que me lo ha pedido un compañero y…
  • ¿Ese libro horrible? No, ni idea.
  • ¡Princesa! – dijo Oriol con la voz un tanto alterada- ¡Haz memoria! Ayer estaba aquí y yo no lo he tocado. Tienes que saber … No hay nadie más en esta casa –la voz ya era un gañido-
  • Ah! ¿Sabes que puede haber pasado? Mi hermana se va esta tarde a Manila y me ha pedido algo para leer en el avión. Es un viaje muy largo. Le he dicho que podía coger el que quisiera. Debe haber escogido… ese libro. Y vaya capricho porque con lo que pesa no se…

Oriol no la dejó terminar zarandeándole los hombros y completamente desencajado le gritó:

  • A qué hora… !A qué hora sale su avión! ¡Por Dios! A qué hora…
  • ¡Me haces daño, Oriol! ¿Qué te pasa? ¿A qué viene tanto alboroto por ese libro?
  • Cuándo sale tu hermana. ¡Joder, Marta! ¿A qué hora sale?
  • ¿Pero qué ocurre? No sé…A las siete… me parece que me ha dicho.

Oriol salió corriendo y su mujer se quedó frotándose los brazos con cara de no entender nada.

En el avión de Alitalia que salía puntualmente del Prat con destino Manila y escala en Roma, el marido de la hermana de Marta le dijo bajito y a la oreja:

– ¿Has visto a ese tipo que está corriendo por la pista? Se parece a tu cuñado ¿Quieres decir que no es Oriol? ¡Joder! Creo que intenta parar el avión ¡Está loco!

  • Pero, ¿Qué dices Paco? Si Oriol es un tío muy legal. ¿Cómo va a ser …? Oye,  pues ahora que lo dices,  sí que se le parece bastante, sí …

 

 

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Albert·Cine

“LA PUERTA DEL CIELO” UNA PELÍCULA MALDITA

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En el Hollywood de los años 70, se había afianzado un sistema de producción en el que primaban los autores por encima de los productores. Era la época en la que realizadores como Coppola con “Apocalipsis Now”, Hal Ashby con “Shampoo” o Robert Altman con “Nashville” y “Popeye”, se excedían en los presupuestos sin importarles la relación coste-beneficio. “No molesten con facturas, el director está creando” era la frase que flotaba en el aire de la Meca del Cine antes de los 80.
No es casualidad que Ronald Reagan llegara a la Casa Blanca en el 81 para que todo cambiara.
Las productoras necesitaban recobrar el control de las películas quitándoselo a los directores-estrella que les estaban llevando a la ruina, bueno tampoco a la ruina, pero no producían los beneficios que el capital quería obtener y de paso tocaban temas comprometidos que al capital no le gustaba.

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Los padres de United Artists: Fairbanks, Pickford, Chaplin y Griffith

Una de las principales productoras era United Artists. Su origen se encontraba en la época anterior al sonoro, había sido fundada por Charles Chaplin, Mary Pickford, Douglas Fairbanks y D.W.Griffith con la intención de plantar cara a los grandes estudios de Hollywood. El camino de esta productora, un camino de éxito ya que era una de las principales desde la Edad de Oro del cine, se truncó violentamente con la película que comentamos aquí: “La puerta del cielo” de Michael Cimino. Se trata de una película que resultó ser muy cara, aunque nada comparado con las de años posteriores, no obstante el fracaso fue de tal magnitud que llevó a la ruina a la United Artists. Todo se confabuló en contra de ella, su coste, la baja recaudación, las críticas demoledoras a pesar de que se trata de un film excelente. La pel·lícula merece adjetivos de todo tipo: faraònica, monumental, épica, intimista, arriesgada, contestatària, comprometida y excesiva però también hermosa, de una belleza impactante, aunque la palabra que la describe mejor es maldita.

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Cimino era un director joven que había dado en el clavo con una película del año 78: “El cazador” con éxito de crítica y con grandes recaudaciones.
“La puerta del cielo” por el contrario naufragó, por las circunstancias comentadas pero probablemente también porque su fracaso le iba de perlas a la industria del cine, en general, e incluso a la sociedad norteamericana. Durante los años 60 y gran parte de los 70, el cine, aupado por las revoluciones culturales hippies le dio la manija a un grupo de directores que apostaban por el Arte en mayúscula, cuando el arte y la taquilla iban de la mano. Fue quizás la última época en la que el cine era arte. A partir de “La puerta del cielo” y su naufragio, los productores tuvieron las manos libres para la infantilización cinematográfica que todavía nos inunda.

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Michael Cimino en el rodaje

“La puerta del cielo” muestra la cara sucia del sueño americano tomando como argumento principal la plasmación en la pantalla de un oscuro episodio histórico de exterminio de emigrantes por parte de los grupos aposentados con el consentimiento de las instituciones. Se trataba de un argumento arriesgado que Hollywood no hubiera demonizado sólo un par de años antes, pero los ochenta ya había llegado y como hemos dicho, Reagan a punto de aparecer y con él un cambio considerable en la sociedad.

La película tenía todos los ingredientes para ser lo que es en realidad, una magnífica película que nació en un momento equivocado. La realización es exuberante pero excelente igual que las interpretaciones, la música, la fotografía, la decoración. Planos llenos de figurantes, lentas y largas secuencias construidas sobre música y bailes, cine en estado puro que se convierte en fracaso por razones que no son cinematográficas.

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“La puerta del cielo” fue la última y mejor gran película desmitificadora de un estilo de cine que ya no existe. Es importante recuperarla. Si no la habéis visto no os la perdáis.

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Estas dos secuencias musicales, sin palabras, están filmadas espléndidamente y dan una idea de la calidad lírica de las imágenes de Cimino.

 

 

 

Albert·Fotografía·Literatura

LEWIS CARROLL Y ALICIA

Se llamaba Charles Lutwidge Dodgson y era natural de Daresbury (Inglaterra). No es muy conocido por su nombre real pero si decimos que se trata de Lewis Carroll, todo el mundo sabe quien es. Era un hombre de su tiempo con una mente privilegiada, un gran matemático, extraordinario fotógrafo y escritor de unos pocos libros. Es relevante que su fama mundial se deba a dos libros, aparentemente infantiles muy distintos de las publicaciones para niños de su época. Su “Alicia en el país de las maravillas”,  publicado en 1865, y su secuela “Alicia a través del espejo” son iconos de la literatura universal.

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“¿Podrías decirme, por favor, qué camino debo seguir para salir de aquí? -Esto depende en gran parte del sitio al que quieras llegar, dijo el Gato. No me importa mucho el sitio, respondió Alicia. Entonces tampoco importa mucho el camino que tomes, le contestó el Gato. 

“Empieza por el principio – dijo el Rey con gravedad – y sigue hasta llegar al final; allí te paras.”

 

Es un ejemplo del universo delirante de criaturas extrañas, mágicas, dotadas de un cierto surrealismo y un gramo de locura. Conejos, gatos, personajes de los naipes,envuelven a Alicia en su recorrido extravagante. Con ilustraciones originales de John Tenniel, su obra traspasó fronteras y aún hoy día tiene validez. Una peculiar combinación de fantasía y disparates añadiendo paradojas matemáticas convirtieron a su obra, al igual que en la continuación “Alicia a través del espejo” en dos clásicos de la literatura infantil(!) pero, por su complejidad, más adecuados a un público adulto con un nivel de inteligencia considerable.

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Jorge Luis Borges ya dijo, con referencia al extraño y onírico mundo de Alicia y de su creador:

Alicia sueña con el rey rojo, que está soñándola y alguien le advierte que si el rey se despierta ella se apagará como una vela, porque no es más que una parte de un sueño, dos sueños en uno solo que parecen bordear así la pesadilla”

 

En su peculiar universo, Carroll encuentra las infinitas posibilidades del mundo soñado donde la imaginación es más libre.

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Carroll era también un extraordinario fotógrafo y así fue en los albores de esta ciencia, quedó tan fascinado que sufrió una crisis personal cambiando su forma de ser y sus creencias religiosas e íntimas, dando mayor valor a la belleza y a la inocencia que al pecado tan perseguido por la ferrea moral victoriana imperante en su época y en su país. Paralelamente a su desarrollo artístico en su estudio fotográfico (colaboró con reputados artistas como Millais, Rossetti o Tennyson) la fotografía le creo un cúmulo de sinsabores por su afición a tomar como modelo a niñas de vecinos y conocidos, adquiriendo una cierta fama de pederasta, si bien a finales del siglo XIX no era inusual utilizar fotografías de niños y niñas desnudos, incluso para aparecer en postales navideñas. En el contexto de aquella época su afición no era tan extraña, no obstante las habladurías hicieron mella en su ánimo de tal modo que abandonó completamente la fotografía y se dedicó preferentemente a la enseñanza, a la religión y a la literatura. Su personaje de Alicia, inspirada en Alice Liddell, una de las hijas del deán de Christ Church, forma parte indeleble de la cultura popular.

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Lewis Carroll era también un gran matemático. En muchos de sus cuentos aparecen juegos de lógica, cifrados extraños, algebra y geometría. Dominaba el mundo de las palabras, las inventaba, jugaba con los nombres y las letras en una sintonía extraña para los adultos pero reconocible por los niños. Una especie de dadaista o surrealista avant la lettre

Lewis Carroll fue ordenado diácono en la Iglesia Anglicana y enseñó Matemáticas y Lógica a tres generaciones en Oxford. Una vez superadas las crisis fotográficas, su vida transcurrió con tranquilidad y se apagó a los 66 años  poco antes de entrar en el siglo XX.

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Albert·cine y literatura

CINE Y LITERATURA: “LAS UVAS DE LA IRA”

 

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En la concesión del Premio Nobel de Literatura de 1962 hubo una cierta controversia, en cuanto a la bondad de la elección del autor premiado. El mismo autor, al ser preguntado sobre si se consideraba merecedor del premio contestó con “Francamente, no” y probablemente no era un gesto de falsa modestia sino de sinceridad.

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El autor, John Steinbeck, californiano de origen europeo, nacido en la localidad de Salinas había ganado el premio Pulitzer en 1940 con su obra “Las uvas de la ira” basada en una serie de artículos periodísticos que narraban un fenómeno que se dio en los Estados Unidos en los años de la llamada Gran Depresión, en los años 30. Se trataba del  movimiento migratorio, obligado por las circunstancias económicas, de los recolectores agrícolas que habitaban en las zonas del Medio Oeste, principalmente Oklahoma y Nebraska y también Kansas y algunas zonas de Texas que, castigadas por sequías sistemáticas, diluvios devastadores y escasez de trabajo se desplazaron hacia el oeste, hacía California, donde esperaban encontrar trabajo y una mejor calidad de vida. Javier Coma en su libro “Entre el Nobel y el Oscar” lo explica así:

Los problemas eran gravísimos, hasta el punto de que algunos miles de familias estaban en peligro de morir de hambre mientras el gobierno topaba con dificultades para hacerles llegar víveres y medicamentos; los granjeros poderosos, gracias a que la demanda de puestos de trabajo resultaba elevadísima, ofrecían pagas ínfimas y atajaban brutalmente cualquier tentativa de rebelión. Por otra parte, los múltiples parados y sus familiares padecían el rechazo de la población, insensible al drama de los mismos y favorable a que se les expulsara de los nucleas urbanos y sus cercanías”

Algo parecido a lo que está pasando ya hace algunos años en Europa a un nivel más internacional y más dramático. No hay nada nuevo bajo el sol.

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Steinbeck, que era políticamente de izquierdas e incluso se rumoreaba que estaba investigado por el FBI como posible comunista, conoció el drama de primera mano visitando campamentos y lugares de trabajo de estos inmigrantes forzosos y escribió sobre ellos en la prensa de San Francisco y en su obra mencionada: “Las uvas de la ira”. El libro se publicó en 1939 y enseguida recibió las críticas furibundas de los granjeros californianos y las asociaciones comerciales y también escuelas y bibliotecas que boicotearon el libro y ejercieron presión social hostil sobre Steinbeck y su familia. Situación que se agravó notablemente con la filmación y proyección de la película rodada por la Fox bajo la dirección de John Ford al año siguiente.

“Las uvas de la ira” narra la migración de una familia de Oklahoma, los Joad, hacia California perdiendo por el camino ideales y personas.

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La película de John Ford se llamó igual que la novela y también es extremadamente fiel a una gran parte del argumento, algo extraño en Ford que era muy dado a imponer en sus películas su sello personal. En este sentido conviene destacar que, por imposición de la productora, el final es sensiblemente diferente, donde Steinbeck terminaba sin especificar con claridad el destino de los Joad, aunque se intuye que seguirán en la pobreza y la desesperación. Solo una luz que simboliza un futuro mejor aparece cuando una mujer, miembro de la familia cuyo hijo había nacido muerto, amamanta a un extraño al borde la muerte por inanición, abriendo la puerta a una fraternidad más allá del grupo familiar y que podría representar un futuro mejor. En la película por el contrario, las secuencias finales son de esperanza, sugiriendo que los Joad saldrán adelante a pesar de todo con Tom Joad (Henry Fonda) abandonando a su familia y emprendiendo un camino nuevo en solitario.

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John Ford obtuvo el Oscar al mejor director por “Las uvas de la ira” en 1940 y es una de sus mejores películas, Javier Coma en la obra mencionada dice lo siguiente de Ford:

“Notorias coincidencias de la ficción literaria con el mundo personal de Ford debieron influir en la reverencia con que éste puso en escena un guion leal a Steinbeck. Muy sensible a los temas de las raíces, el hogar y la familia, el director quedó probablemente conmocionado por la historia de los Joad, obligados a marcharse de su tierra y de sus casas y paulatinamente disgregados. En especial la ruta particular de Tom Joad componía estampas típicas del universo fordiano: el regreso al hogar, el reencuentro con la familia; la partida de la tierra natal en compañía de abuelos, padres y hermanos, la marcha final, en solitario, hacia la lucha, renunciando a la compañía de los anteriores.”.

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La esposa de Steinbeck, Carol, encontró las palabras que dan el título de la obra en un poema de 1861, de Julia Ward Howe” concretamente en el ·The Battle Hymn of the Republic” aparece la frase referida a Dios: “Está pisoteando la vendimia donde se acumulan las uvas de la ira”.

Música norteamericana de los años de la Gran Depresión, “The Carter Family” uno de los grupos más conocidos e influyentes de la música folk

 

 

Y Libby Holman con el famoso blues “The House of the rising sun”

 

 

 

 

 

Albert·Poesía

ANNA AJMÁTOVA, LA POESÍA EN LA RUSIA DEL SIGLO XX

Entre silencios

Como tú sufro la negra separación permanente.
¿Por qué lloras? Mejor dame la mano y prométeme volver en un sueño. 
Tú y yo somos un monte de dolor. En esta tierra tú y yo jamás nos
encontraremos. 
Si pudieras tan sólo enviarme a medianoche 
por medio de las estrellas tu recuerdo.

(de ‘Post-War Russian Poetry’, recopilada por Daniel Weissbort)

El día 23 de junio de 1889, nace en Bolshoi Fontan, un lugar cercano a Odessa, una de las voces poéticas más reconocidas de Rusia: Anna Andréyevna Gorenko. Es conocida como Anna Ajmatova ya que adoptó el apellido de su bisabuela para que el nombre de su padre, que odiaba la poesía, no fuera ensuciado por la obra de su hija Anna.
Anna Ajmátova fue una de las impulsoras, junto con su primer marido Nikolái Gumiliov y con el poeta Ósip Mandelstham de la corriente poética acmeista (*)

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Anna Ajmátova por Modigliani

Era una mujer muy dotada intelectualmente pero las circunstancias históricas que tuvo que vivir le afectaron en cuanto a su vida y a su obra. Pudo publicar sus poemas hasta 1922, pero a partir de entonces y hasta 1940 su voz estuvo en silencio. Gumiliov, del que ya se había separado, fue fusilado y ella misma acusada de traición y deportada, así como el hijo de ambos: Lev. Después de la guerra regresaron los dos a  Leningrado y decidió seguir escribiendo en contra de las órdenes oficiales traduciendo a Leopardi y Tagore, publicando unos brillantes ensayos sobre Pushkin. Su poemario más importante “Requiem” es el producto de aquellos años de silencio. El libro fue publicado en Munich en 1963 sin que ella hubiera dado su consentimiento, es una obra intensa y emocionante donde se refleja la situación de aquellos años oscuros en la Unión Soviética en que los únicos que estaban en paz eran los difuntos ya que los vivos malvivían en campos de concentración.
Desde entonces obtuvo el reconocimiento internacional que le llevó a estar nominada para el Nobel de Literatura que no obtuvo.

 

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El estilo de Anna Ajmátova es intenso, emotivo, doloroso. Su “Réquiem” es un poema trufado de sufrimiento y misterio, es el poema que refleja el dolor y el amor de una madre y de un pueblo humillado y de una mujer que tiene el poderío de levantarse y contarlo. Ella lo memorizó y lo destruyó para salvar su vida, lo compartió con los amigos que la amaban para que no se perdiera, a la manera atávica de transmisión oral. Pura supervivencia en un tiempo y en un lugar que no permitía florecer la libertad.

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En “Poema sin héroe”, su gran obra de madurez, encontramos una obra extensa escrita con estilo neoclásico, tardó veintidós años en completarlo, es un tapiz de la historia de Rusia en el siglo XX al mismo tiempo que vemos  el sendero vital de Anna, sus amigos y no amigos, sus desdoblamientos y sus fantasmas personales.

Falleció en un sanatorio cercano a Moscú en 1966 a los 76 años. Su obra íntegra no se publicó en su país hasta 1990, veinticuatro años después de su muerte.

El poeta Joseph Brodsky dijo de ella:
“Su sola mirada te cortaba el aliento. Alta, de pelo oscuro, morena, esbelta y ágil, con los ojos verdosos de un tigre polar, durante medio siglo la han dibujado, pintado, esculpido y fotografiado un sin número de artistas, entre ellos Modigliani. Los versos dedicados a ella formarían más volúmenes que su obra entera.”

 

ajmatova 5(*) Se llama acmeismo la corriente poética aparecida en Rusia poco antes de la Revolución de 1917. A diferencia de la poesía simbólica, los nuevos poetas acmeistas renegaban del hermetismo, la ambigüedad y el misticismo de las composiciones que se publicaban en su tiempo, apostando por llamar las cosas por su nombre con un lenguaje entendible y claro.
El instrumento que utilizaban para sus publicaciones era la revista “Apollon”

 

 

 

 

 

 

 

Soneto de estío

Más que yo vivirá lo que aquí vive,
Hasta los nidos de los estorninos,
Y este aire migratorio que cruzó,
Aire primaveral, la mar en vuelo.

La voz eternidad de allá nos llama,
Del más allá con su invencible fuerza,
Y por encima del cerezo en flor,
La luz lunar menguando se derrama.

Parece que blanquea sin estorbo,
A través de las verdes espesuras,
La senda que no digo adónde lleva…

Allí hay más claridad entre los troncos
Y todo se asemeja a la arboleda
Que circunda el estanque en Tsárkoie Seló.
Versión de María Teresa León

Hay en la intimidad un límite sagrado…

Hay en la intimidad un límite sagrado
Que trasponer no puede aún la pasión más loca
Siquiera si el amor el corazón desgarra
Y en medio del silencio se funden nuestras bocas.

La amistad nada puede, nada pueden los años
De vuelos elevados, de llameante dicha,
Cuando es el alma libre y no la vence
La dulce languidez del goce y la lascivia.

Pretenden alcanzarlo mentes enajenadas,
Y a quienes lo trasponen los colma la tristeza.
¿Comprendes tú ahora por qué mi corazón
No late a ritmo debajo de tu diestra?

Versión de María Teresa León

 

Albert·Pintura·Poesía

WILLIAM BLAKE Y LA GUERRA DE LAS DOS ROSAS

Canta: Loreena McKennitt – Lullaby.
Poema “Prologue, Intended for a Dramatic Piece of King Edward the Fourth” by William Blake
Interpretado por Douglas Campbell.

Traducción al castellano:

¡Oh, quien tuviera una voz como el trueno, y una lengua para atenazar la garganta de la guerra! Cuando los sentidos se tambalean y el alma es conducida a la locura…¿Quién puede resistir? Cuando las almas de los oprimidos luchan en el agitado aire enrarecido…¿Quién puede resistir? Cuando el torbellino de la furia procede del Trono de Dios, cuando es el ceño de Su Rostro el que lanza las naciones unas contra otras…¿Quién puede resistir? Cuando Destino estrella sus inmensas alas sobre la batalla, y navega con regocijo sobre esa marea de Muerte…¿Quién puede resistir? Cuando las almas son arrastradas al fuego eterno, y los demonios del Infierno se deleitan sobre la matanza…Oh, ¿Quién puede resitir? ¿Quién, quién es el culpable? ¿Quién puede contestar ante el Trono de Dios? ¡Los Reyes y los Nobles de la Tierra lo han hecho! ¡No les escucheis, Cielos, tus sacerdotes lo han hecho!

Con este poema, William Blake expresó uno de los mas contundentes alegatos contra la guerra, contra todas las guerras y sus consecuencias. Inspirado en la Guerra de las Dos rosas, que asoló Inglaterra una buena parte del siglo XV. El sentimiento de horror que nos invade es atemporal: puede corresponder a una batalla entre persas y griegos, a la masacre de una carga de caballería pesada en la Edad Media, o a cualquiera de las guerras que asolaron Europa en el siglo XX. La agonía y la muerte son siempre las mismas.

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El poema es un fragmento del libro “Poetical Sketches” (1783), que Loreena McKennitt utiliza con el melancólico título de “Lullaby” (Nana). Los primeros acordes de la canción, acompañados por la melodía de una antigua canción de cuna, se ven silenciados por el rumor de una tormenta que se aproxima.
Eduardo IV fue uno de los contendientes de la llamada Guerra de las Dos rosas. Bajo este poético nombre se esconde una sangrienta lucha de poder para conseguir la corona de Inglaterra, entre las casas nobles de los York y los Lancaster. Esta contienda se prolongó durante más de treinta años y provocó la extinción de ambas casas y de la, hasta entonces imperante dinastía normanda de los Plantagenet, además del debilitamiento general de la nobleza inglesa y de su influencia en Europa. Otra consecuencia fue el ascenso imparable de los gremios comerciantes y la aparición de la dinastía Tudor, heredera de las dos casas rivales y que aprovechó las circunstancias favorables para reinar a lo largo de todo el siglo XVI, hasta la muerte de Isabel I en 1603.

En nuestros días y en una obra de ficción muy popular, la obra magna de George R.R. Martin, conocida como “Juego de Tronos” se inspira claramente en la Guerra de las Dos Rosas.

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El creador del poema fue William Blake, un artista total si bien poco reconocido en su época. La poesía visionaria y las artes visuales, pintura y grabado, formaban un todo en la obra de Blake, siempre con una motivación espiritual y dentro del Romanticismo de los años en que desarrolló su actividad profesional.

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Escalera de Jacob

 

Blake había nacido en Londres en 1757 y falleció en 1827, contemporáneo de la Primera Revolución Industrial (la máquina de vapor de James Watt se patentó en 1769 cuando Blake tenía 12 años), fue un visionario literalmente (tenía visiones desde pequeño) pero también en espíritu, aborrecía la esclavitud y creía en la igualdad de géneros y razas, unos postulados totalmente alejados de los criterios sociales de su época. Y no solo eso, también era un crítico feroz de la Revolución Industrial y del Expansionismo Colonial, justo cuando Inglaterra consolidaba su imperio.

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Elohim creando a Adán

 

Para Blake, la abolición de la esclavitud implicaba un cambio radical de la percepción humana, era necesario eliminar también los sistemas que oprimían a la sociedad: Iglesia, Estado oligárquico e Imperio. Muchos de sus poemas y pinturas expresan una noción de humanidad universal. Durante toda su vida y muy especialmente en su obra tardía, mantuvo un interés activo por los acontecimientos sociales y políticos que ocurrían a su alrededor, aunque en ocasiones tuvo que esconder su idealismo social y transformar las declaraciones políticas en alegorías místicas protestantes. Blake rechazó cualquier forma de autoridad impuesta.

Es especialmente significativo, en Blake, su punto de vista sobre la igualdad de sexos y la institución matrimonial, en ambos coincidía con su amiga íntima Mary Wollstonecraft, una de las primeras pensadoras en clave feminista del siglo XVIII y madre de Mary Shelley. En su obra “Las visiones de las hijas de Albión”, Blake condenó la crueldad de la castidad y del matrimonio sin amor y, lo más significativo para la sociedad de la época, defendió el derecho de la mujer a su completa autorrealización. Es evidente que William Blake era una rara avis en la sociedad en que le tocó vivir, de donde viene su.poca relevancia entonces y su importancia en los años por venir.

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Cristo como el redentor del hombre

En cuanto a la obra pictórica y de ilustración de Blake, destaca que está basada, al igual que su obra literaria, en visiones fantásticas muy simbólicas, con un estilo influenciado por Miguel Angel por la musculatura de sus personajes y los escorzos que presenta. La relación que hay entre los poemas y las ilustraciones es compleja y exige imaginación por parte del lector, ya que se basa no tanto en el tema del poema en sí como en la sensación que este transmite.

Albert·Pintura

LA PASIÓN POR LA LUZ: RAOUL DUFY

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“Homenaje a Debussy”

 

En las últimas décadas del siglo XIX y las primeras del sigloXX, se dio en Europa y principalmente en Francia, un incremento notable de la efervescencia en las ciencias y las artes muy relevante. Así los procesos de construcción y arquitectura con el empleo del hormigón y el hierro, el desarrollo de la electricidad, el cinematógrafo, el automóvil, la telegrafía sin cables entre otros avances. En la sanidad, desarrollo de la cirugía i el sicoanálisis de Freud. El arte en general también tuvo avances y retrocesos en esa época. Si nos centramos en la pintura, los impresionistas estaban dando los últimos coletazos dando paso a las nuevos movimientos postimpresionistas y vanguardistas. Uno de estos movimientos fue el llamado “fauvismo” (fieras).

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“Lujo, calma y voluptuosidad”

 

En 1905, Henri Matisse expuso una pintura: “ Lujo, calma y voluptuosidad” que consiguió romper las amarras con el impresionismo y virtualmente, se convirtió en la carta de presentación del nuevo movimiento llamado “fauvismo”, caracterizado  por un empleo diferente del color, mucho más brillante y un cambio con respecto al estilo que imperaba en aquellos años. Los fauvistas priorizaban el color por delante del dibujo, de la perspectiva o del claroscuro.  Era habitual que, al rechazar los artistas atrevidos las normas imperantes, recibieran el desprecio de la crítica oficial. Matisse no fue una excepción aunque rápidamente se unieron otros autores al movimiento vanguardista, como De Vlaminck y Derain y en pocos años se amplió la nómina de fauvistas con Braque y Dufy entre otros hasta conseguir tener una cierta importancia..

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“La Plage et l’estacade au Havre”
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Autoretrato

Raoul Dufy  había nacido en Le Havre en 1877, por lo que cuando Matisse presentó su obra fauvista, Dufy tenía 28 años  y quedó impresionado al encontrar un estilo que se ajustaba tan bien al estilo que a él le gustaba desarrollar si bien con un trazo más vigoroso. En 1909 conoció la obra de Cezánne incrementando la sutileza en su obra y abrazando otro estilo vanguardista que empezaba a despuntar: el cubismo.

 

 

Dufy consiguió un estilo propio no muy alejado del fauvismo ni del cubismo, un estilo alegre y luminoso cambiando su Normandía natal por la Riviera francesa.

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Decía Dufy: “El pintor necesita tener constantemente en su mirada una cierta calidad de luz, una purpurina, una palpitación aérea que impregne totalmente lo que está viendo”

 

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Dufy en su estudio

 

 

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“La Grande Baigneuse a Sante-Adrèsse”

 

Su producción artística fue elevada y variada, especialmente hermosas sus acuarelas de desnudos y de temas marinos, aunque también destacó por su obra gráfica y en las artes aplicadas, decoración y moda y también ilustraciones literarias. Los últimos años de su vida los pasó en Perpignan y en los alrededores, hasta su muerte en 1953 con 76 años.

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“L’Artiste et son modèle”

 

 

 

Albert·Música

LA NOCHE DE SAN JUAN

En el Caribe, la noche del solsticio es especialmente luminosa. La noche de San Juan la llaman los viejos. Y Carmela, en San Juan de Puerto Rico, la noche la vive intensamente. Se perfuma con aroma de nardos, se viste con flores rojas y azules, zapatos de tacón de aguja, se baja el escote y sale a la pista. Se mueve con soltura  por la calle Fortaleza, pero donde reina es en el Rumba, en el Old Town de San Juan. Cuando suenan los cueros, las caderas de Carmela se agitan y el aire se enciende en aquel local oscuro. Los ojos de los hombres arden, los de las mujeres envidian, pero todos admiran  aquel vaivén.  Cuando paran los cueros, Carmela se gira. Un suspiro se escapa de todos los pechos, saben que la noche se ha terminado.

Albert.

 

“A los rumberos de Belén” de la película “Havana” de 1990.

Albert·Literatura

EMILIO SALGARI O CUANDO LA IMAGINACIÓN ES SUFICIENTE

“A vosotros, que os habéis enriquecido con mi piel, manteniéndome a mí y a mi familia en una continua semimiseria o aún peor, sólo os pido que en compensación por las ganancias que os he proporcionado, os ocupéis de los gastos de mis funerales. Os saludo rompiendo la pluma. Emilio Salgari.”
Con estas palabras dirigidas a sus editores se despedía de la vida un escritor italiano inmensamente popular.
Emilio Salgari se quitó la vida el 25 de abril de 1911 abriéndose el vientre con un cuchillo según el rito japonés del seppuku más conocido como harakiri. Tenía 48 años.
La familia de Salgari tiene una relación destacada con el suicidio. Su padre lo hizo antes que él y dos de sus hijos se quitaron la vida con posterioridad. Su esposa tuvo que ser internada, muy joven,  en un psiquiátrico.

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Salgari era un escritor peculiar, enormemente prolífico, escribió 84 novelas y una cantidad imposible de determinar de relatos cortos. La mayoría de sus narraciones eran del género de aventuras en países exóticos. Su estilo era decimonónico, florido y alambicado. Como muestra un pequeño fragmento de “El Corsario Negro”: “Los hombres de la canoa lanzaron un grito de alegría. -Que me trague el mar si no es una voz conocida -dijo Carmaux, y añadió-: Sólo un hombre, entre todos los valientes de las Tortugas, puede atreverse a venir hasta aquí, a ponerse a tiro de los cañones de los fuertes españoles: el Corsario Negro” o éste de “El tigre de Mompracem”: “¡Te amo, Sandokan, te amo como nunca mujer alguna amó sobre la tierra! Sandokan la acarició dulcemente y sus labios besaron los dorados cabellos y la nívea frente de la joven. – ¡Ay de quien te toque ahora, que ya eres mía!”.

Emilio Salgari nació en Verona y falleció en Turín, ambas ciudades se encuentran en el norte de Italia y no tienen  mar, no obstante, Salgari estudió para marino en el Instituto Naval de Venecia sin llegar a graduarse como capitán de barcos mercantes. Al parecer su experiencia en el  mar se limitó a un buque escuela y a un viaje de tres meses por el Adriático, si bien él, en sus memorias, aseguraba tener mucha más experiencia e incluso se llamaba a si mismo “capitán”.

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Emilio Salgari, al igual que su contemporáneo, Jules Verne, que también había escrito su obra sin salir de Amiens, utilizaba su imaginación y la cartografía de la época para tejer una serie de narraciones ambientadas en cualquier parte del mundo, muchas de ellas formando series con protagonista principal que se repetía e incluso con interrelaciones entre las novelas. Las series de Sandokán “el tigre de Malasia” y la de El Corsario Negro y su hija Yolanda son las más populares, pero también ambientó obras en el Far West, en el Caribe, en Rusia, en Äfrica e incluso algunas históricas en el Egipto de los faraones o en Cartago.

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A diferencia de las novelas británicas contemporáneas y que trataban el colonialismo, Salgari situaba a sus héroes como resistentes anticolonialistas. En sus libros, los malvados eran precisamente los colonialistas a los que, los novelistas ingleses (Kipling, Rider Haggart y otros) glorificaban sin sutileza enfrentándoles con éxito a los pérfidos e ingratos indígenas que no aceptaban de buen grado su presencia en las colonias.

A pesar de su enorme éxito popular, la vida de Emilio Salgari no fue un camino de rosas, agobiado por las deudas y por unas circunstancias familiares lamentables decidió poner fin a su vida de una manera melodramática. Dejó tres cartas, una a sus hijos, otra a los directores de los periódicos de Turín y la última a sus editores, la que transcribimos al principio de este post y que es sumamente elocuente.