Albert·Cine·Música

LA MUSICA DE “THE LORD OF THE RINGS” (II)

 

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El compositor canadiense Howard Shore, es el autor de las bandas sonoras de las seis películas, filmadas hasta hoy, basadas en  la obra de Tolkien: tres de “El señor de los anillos” y tres de “El hobbit”.

Shore, especializado en bandas sonoras pero también compositor de música para orquesta sinfónica y saxofonista él mismo, es uno de los autores que forman la élite actual de músicos de cine, al mismo nivel que John Williams, Jerry Goldsmith o Alexander Desplat,  por citar solo algunos.

Howard Shore es un autor dúctil que igual compone música oscura para cine oscuro, como Seven o El silencio de los corderos, que música más ligera para películas más familiares  como Nadine, Ed Wood o Eclipse, pero siempre con gran solvencia y calidad.

En este video podemos escuchar la canción que acompaña los títulos de crédito de “Las dos torres”, cantada por la islandesa Emiliana Torrini, se trata de “Gollum’s song”.

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Albert·Cine·Música

LA MUSICA DE “THE LORD OF THE RINGS”

Howard Shore compuso una música maravillosa para la saga de “El señor de los anillos”, también las tres canciones que arropaban los títulos de crédito.

Esta es la primera de ellas, la que corresponde a “La comunidad del anillo”, canta Enya y se llama “May it be”

Albert·Fotografía

NARCÍS DARDER, UN FOTÓGRAFO POCO CONOCIDO

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Contemporáneo de los famosos fotógrafos profesionales catalanes de los 60 y 70, como Oriol Maspons, Eugenio Forcano o Catalá-Roca, convivían otros apenas conocidos, en realidad aficionados, para los que la fotografía no era su profesión. Uno de los más destacados era un ingeniero industrial fundador de  una empresa metalúrgica donde trabajó toda su vida, al que le gustaba hacer fotografías y  para las que tenía una gracia especial. Había nacido en 1923 en el pueblo ampurdanés de Pontós y se llamaba Narcís Darder Bosch.

 

 

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La gracia especial de Darder a la que me refería era su visión poética del mundo que le rodeaba dando protagonismo a personas anónimas, simples desconocidos perpetuados a través del objetivo de su cámara. Darder eleva el nivel de lo cotidiano con composiciones conmovedoras que se inspiran tanto en el neorrealismo imperante en los años 50 como en el   constructivismo de Moholy-Nagy y la Bauhaus, pero al mismo tiempo gozando de la agilidad y rapidez de un Cartier-Bresson,  que le permitía captar miradas y situaciones que dan al espectador de su obra material para imaginar pequeñas y emocionantes historias.

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Su obra extensa (cerca de 50.000 negativos) generada durante más de cincuenta años, no fue suficientemente conocida y valorada hasta los últimos años de su vida. Esta ignorancia, fue como consecuencia a su voluntad consciente de considerarse un fotógrafo amateur y también a su carácter discreto que huía de todo protagonismo. En su obra se encuentra reflejada la transformación de la ciudad de Barcelona de los años 60, y también el mundo rural que conocía de su Ampurdán natal y los cercanos Pirineos y Costa Brava.

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Narcís Darder falleció en Báscara en el 2006 a los 83 años.

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Albert·Música

EL JAZZ DE SIDNEY BECHET

 

 

 

 

En 1941, se realizó un experimento inédito para la época: una sesión en la que un músico de jazz interpretaba, él solo, seis instrumentos : clarinete, saxofón soprano, saxofón tenor, piano, contrabajo y batería. Grabó cada uno de ellos separadamente para luego unirlos en una sola pieza musical. Este alarde de virtuosismo jazzístico lo realizó en los Estados Unidos, Sidney Bechet y se convirtió en una referencia de la grabación multipista.
Nacido en Nueva Orleans el 14 de mayo de 1897, Siney Bechet falleció en París exactamente el día que cumplía 62 años.

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Autodidacta, a los 6 años ya tocaba el clarinete y comenzó formando parte de las bandas callejeras de Nueva Orleans, las “brass bands”. Antes de los veinte años ya formaba parte de bandas de metal, en Nueva Orleans y en Chicago. Al terminar la primera Guerra Mundial, en 1919, viajó a Europa por primera vez con la “Southern Syncopated Orchestra” de Will M. Cook permaneciendo en el continente tres años incorporando el acordeón y, sobre todo, el saxo soprano a su repertorio de instrumentos jazzísticos. De regreso a Nueva York grabó varios discos de blues con la orquesta de Clarence Williams compartiendo escena con otro genio contemporáneo y compatriota: Louis Armstrong.

 

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Es probable que se sintiera más valorado en Europa que en los Estados Unidos y, entre 1925 y 1949 estuvo alternando Europa y América con diferente fortuna. Era adorado por el público europeo, principalmente en Francia donde pasó los últimos años de su vida y donde impulsó el movimiento del jazz tradicional francés convirtiéndose en una celebridad mundial. En 1951 compuso la canción que le haría famoso universalmente, una canción instrumental para clarinete: “Petite Fleur”.

 

Woody Allen, también clarinetista y gran aficionado al jazz, escogió una de sus grabaciones más populares, “Si tu vois ma mère” para las primeras imágenes de su película del 2011 “Midnight in Paris”. Una mirada deliciosa de la ciudad-luz acompañada por la música de este clarinetista inolvidable.

Albert·Literatura

ALF LAILAH OUA LAILAH

 

“Cuéntase –pero Alá es más sabio, más prudente, más poderoso y más benéfico- que en lo que transcurrió en la antigüedad del tiempo y en lo pasado de la edad hubo un rey entre los reyes de Sassan, en las islas de la India y de la China. Era dueño de ejércitos y señor de auxiliares, de servidores y de un séquito numeroso. Tenía dos hijos y ambos eran heroicos jinetes, pero el mayor valía más que el menor.”

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Estas son las primeras líneas de “Las mil y una noches”. El hijo mayor de este rey sin nombre se llamaba Schariar y era el protagonista de la historia que vertebra el resto de los cuentos. Se trata del rey que por una infidelidad decide castigar al género femenino casándose cada día con una doncella de su reino y ejecutándola a la mañana siguiente como venganza para todas las mujeres. Hasta que un día, la doncella condenada a la muerte a la salida del sol, la famosa Scheherezade, empieza a narrar un cuento que deja inconcluso al alba, con lo que el rey decide perdonarle la vida por un día debido a la curiosidad que le despierta el cuento. Este ingenioso argumento es de todos conocido y solo falta decir que se mantiene durante las mil y una noches hasta que se termina el bagaje de cuentos que tiene Scheherezade. Es obvio que después de tantas noches, el rey le perdona la vida y termina felizmente.

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De una colección de cuentos persas “Hazâr afsânah (mil leyendas) cuyo origen se remonta a mediados del siglo IX, surge esta obra, una de las cumbres de la literatura universal y monumento literario de la cultura árabe, ALF LAILAH OUA LAILAH, conocido en Occidente como “Las mil y una noches”.

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Se trata de un conjunto de cuentos populares que habían sido transmitidos oralmente y que lentamente, con aportaciones de las diferentes culturas orientales, se fueron transformando basándose en la religión, las costumbres, el espíritu y la fantasía árabes. El mundo musulmán entero, desde Damasco a El Cairo y desde Bagdad a Marruecos encuentran su espejo en esta obra, incluyendo además cuentos de culturas cercanas como la China o la India.

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Estamos ante una obra que no se hizo conscientemente, su formación lenta aglutina diferentes fuentes si bien es puramente árabe habiéndose expandido por todo el Oriente. Por todo ello, no es un libro de autor conocido, lo cual es común en la literatura primigenia procedente de transmisiones orales, Homero por ejemplo, Esopo  y más recientemente los cuentos de los Hermanos Grimm o Perrault los conocemos por el trabajo de recuperación y su publicación en Occidente.

 

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“Las mil y una noches” no llegó a Europa hasta principios del siglo XVIII. El francés Antoine Galland tradujo la obra del árabe pero, al tratarse de unos cuentos muy explícitos en cuanto a la sexualidad y la violencia, Galland los adecuó a la moral imperante en la Francia de Luis XIV con un resultado lamentable que no alcanzaba ni a la cuarta parte de la obra dejándola incompleta y deforme. Durante doscientos años se mantuvo esa adaptación mutilada que apenas tiene que ver con la obra original. Como consecuencia de este tratamiento tan puritano, los cuentos más conocidos tenían y tienen un aspecto infantil y son los más populares, cuentos como “Ali Baba y los cuarenta ladrones”, Aladino y la lámpara maravillosa” o “Los viajes de Simbad” son historias universales que forman parte de libros de cuentos, películas, comics e incluso música, pero no son, ni de lejos, los de más calidad de la obra..

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No es hasta finales del siglo XIX, que el Doctor Madrus, francés de origen sirio,  publicó una traducción al francés de la obra en su totalidad. Durante el siglo XX se han publicado diferentes ediciones en castellano en Méjico y en España.

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“Las mil y una noches” es un conjunto muy rico de historias entrelazadas con argumentos potentes, versos, poemas, citas de poetas, trufado de genios, caballos voladores, sultanes, eunucos  y visires codiciosos que se lee con avidez. Un libro de aventuras que habla con claridad del sexo, de la violencia pero siempre recordando  la idea de que Alá es el más grande, con frases muy habituales como: “¡Alá sea contigo!” o “¡Sobre ti la misericordia de Alá y sus bendiciones!” lo cual nos indica que estamos ante una obra profundamente religiosa.

Rimsky Korsakov compuso su poema sinfónico “Scheherezade” inspirándose en “Las mil y una noches”. Este es el “Pas a deux” interpretado por las estrellas del Teatro Mariinsky de San Petersburg, Yulia Makhalina e Igor Kolb

 

Albert·Poesía

EN RECUERDO DE FEDERICO (18-8-36)

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NOCHE DEL AMOR INSOMNE

 

Noche arriba los dos con luna llena,
yo me puse a llorar y tú reías.
Tu desdén era un dios, las quejas mías
momentos y palomas en cadena.

Noche abajo los dos. Cristal de pena,
llorabas tú por hondas lejanías.
Mi dolor era un grupo de agonías
sobre tu débil corazón de arena.

La aurora nos unió sobre la cama,
las bocas puestas sobre el chorro helado
de una sangre sin fin que se derrama.

Y el sol entró por el balcón cerrado
y el coral de la vida abrió su rama
sobre mi corazón amortajado.

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Albert·Literatura

FRANCISCO GONZÁLEZ LEDESMA ERA SILVER KANE

La literatura llamada “negra”, tiene buen cartel  en Barcelona. Cada año se celebran con éxito unas jornadas, la BCNEGRA, con exposiciones, tertulias, conferencias y visitas de escritores de prestigio. Además siempre ha habido literatura negra con escenarios de la ciudad y escritores de éxito como Manuel de Pedrolo, Jaume Fuster, Andreu Martin o Manuel Vázquez Montalban. Paro hay uno, menos conocido, del que quiero acordarme en estas líneas. Se llamaba Francisco González Ledesma y tuvo una vida literaria peculiar y de éxito a pesar de su anonimato. Fue muy prolífico escribiendo hasta poco antes de su fallecimiento, en 2015, con 87 años y en su haber tenía el Planeta, el Premio Hammet, dos Mystère y el Premio RBA de Novela negra entre otros.

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Cuando yo era un niño era un lector compulsivo y leía todo lo que pillaba. Mis padres eran también lectores. Mi madre leía novelas populares, de amor, del oeste o de intriga que obtenía mediante cambio de una por otra, más una peseta en la Librería Torradas, cerca del Mercado de Sant Antoni. Yo se las cogía y las leía también. Obviamente mis favoritas eran las de vaqueros pero no hacía ascos a ninguna. De románticas llegué a leer un buen número.

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De todas las que leía de vaqueros, había un autor que era mi favorito. Se llamaba Silver Kane. En cambio no me gustaban nada las de un tal Marcial Lafuente Estefanía que, al parecer, era el más popular. Las que firmaba Silver Kane eran para mi, con diferencia, las mejores.  Pues muchos años después me enteré que detrás del seudónimo de Silver Kane, había un autor de aquí, del Poble Sec. Un tal Francisco González Ledesma que se ganaba la vida en aquellos años entregando una novela por semana a la Editorial Bruguera, compitiendo con otros de nombre también anglosajón: Keith Luger, Clark Carrados, Frank Latimer entre otros.

 

Francisco González Ledesma era muy prolífico, al parecer se cuentan más de mil títulos entre novelas del oeste, de terror o de intriga, sin olvidar que, bajo el seudónimo de Rosa Alcázar competía con la número uno de las novelas populares románticas, Corín Tellado. Novelas con nombres tan sugerentes como “Tan solo una mujer”, “Nuestra última noche” o “Prisión para corazones”, publicadas bajo el nombre de Rosa Alcázar también las escribió González Ledesma en el anonimato.

 

Sus obras son amenas, fáciles de leer, con correctos planteamientos psicológicos y situaciones verosímiles. En sus novelas negras había un protagonista, como era, y es,  habitual en la mayoría de las del género policíaco, al igual que Vázquez Montalban le daba el protagonismo a Carvalho o Mankell a Wallander, el alter ego de Francisco González era el escéptico y profesional, comisario Ricardo Méndez.

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González Ledesma era abogado y periodista y además de novela popular, también escribió obras más serias. Entre “Sombras viejas” que en 1948 ganó el Premio Internacional de Novela (que no pudo ser publicada por la prohibición de la censura franquista) y “Historia de mis calles” del 2006 hay una decena de títulos de novela larga.

Valgan estas líneas como recuerdo a un escritor de raza que se mantuvo en el anonimato muchos años escribiendo sin parar como medio de vida.

 

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Acompaño una pequeña escena de la película que Francisco Rovira Beleta filmó en 1986, basada en la novela “Crónica sentimental en rojo” con la que González Ledesma ganó el Planeta y donde vemos a José Luis López Vázquez como comisario Méndez.

Albert·Música

UN VALS TRISTE

Enlazando con el post anterior, relativo a Ingmar Bergman, tenemos un compositor importante que comparte espacio y concepto con Bergman, hasta cierto punto. Se trata del principal compositor finlandés y uno de los principales autores nórdicos de música de la primera mitad del sigo XX: Jean Sibelius.

 

La obra de Sibelius es importante, siete sinfonías, varios poemas sinfónicos, conciertos para instrumentos solistas e incluso ópera, aunque no me voy a extender en su obra, solo me voy a referir a una pequeña pieza de música incidental que se llama “Vals triste” y que Sibelius compuso en 1903, con cinco piezas más, para musicar la obra teatral de su cuñado Arvid Järnefelt estrenada en Helsinki el mismo año y cuyo nombre nos remite al tema recurrente de Bergman: La Muerte. La obra se llama Kuolema que en finés significa exactamente “La Muerte”.

 

Sibelius falleció en setiembre de 1957 siendo la fecha del estreno de “El séptimo sello”  abril del mismo año.

 

“El “Vals triste” es una música bellísima que, desde el principio, tuvo muy buena acogida en el mundo musical y forma parte habitual de los circuitos concertísticos, si bien Sibelius, agobiado por las deudas vendió sus derechos sobre esta obra por 300 miserables coronas.

Albert·Cine

INGMAR BERGMAN

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Un joven Bergman

Si Ingmar Bergman estuviera entre nosotros hubiera cumplido el siglo de existencia  pero falleció en julio de 2007 en su refugio de la isla de Farö.

Se trata de un director de cine fundamental en el desarrollo cinematográfico estilístico y conceptual de la segunda mitad del siglo XX.

Bergman inició su camino en el cine en 1946 siendo su opera prima una película menor: “Crisis” en la que ya está uno de los temas que aparecerían incansablemente en toda su filmografía: la Muerte. Para Bergman la Muerte y la no-existencia de Dios son los temas recurrentes que encontramos en su obra que terminó en 2003 con su último largometraje: “Saraband”.

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Fotograma de “El séptimo sello”

Durante estos 57 años, Ingmar Bergman, nos dejó una obra ingente con títulos tan emblemáticos como “Persona”, “Gritos y susurros”, “El rostro”, ” Fanny y Alexander”, “Secretos de un matrimonio” o “La hora del lobo”, por citar solo algunos.

En su obra primigenia ya se pueden ver las influencias que tendrían Strindberg y Ibsen y más adelante, Kierkegaard, Heidegger y especialmente Sartre y siempre con la impronta que dejó en su vida su familia luterana.

Entre 1957 y 1963, Bergman filmó las películas en las que volcaría todas sus dudas existenciales. De 1957 es el díptico básico  “El séptimo sello” y “Fresas salvajes”.

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En la revista de cine “Dirigido” de julio de 2018, Israel Paredes dice así:

 

“En ambas películas, Bergman atiende a la muerte, al significado de la vida y, a su vez, abre su cine a una reflexión interior con más hondura que tendrá, durante estos primeros años de su nueva etapa, a la ausencia de Dios como punto central para, en el fondo, trazar una mirada, en realidad, sobre el Humanismo y su decadencia como elemento central de una modernidad –histórica e ilustrada- entrada en crisis profunda desde las primeras décadas del siglo XX. De hecho toda la obra de Bergman entre finales de los cincuenta y finales de los sesenta, incluso hasta comienzos de los setenta, se vertebra alrededor de una mirada certera hacia una realidad en la que no solo Dios se ausenta y proclama su silencio, sino que también lo hace el Humanismo como concepto general, así como desde la aparente sencillez de las relaciones entre unos seres humanos que, en las películas de Bergman, apenas son capaces de comunicarse entre sí. Sin Dios como faro y sin posibilidad de apoyarse entre ellos, ¿qué es lo que queda?”

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Fotograma de “El manatial de la doncella”

Después de un intervalo de cuatro años, en los que filma dos obras capitales: “El manantial de la doncella” y “El rostro” y alguna más de menor calado, Bergman inicia en 1961 el que sería un giro estilístico y experimental en la llamada “Trilogía del silencio”, así en “Como en un espejo”, “Los comulgantes” y “El silencio”, también llamadas “Trilogía de la fé”, Bergman entra con firmeza en el interior de los cuerpos y rostros de sus personajes que se encuentran con la dura realidad de que Dios ya no se manifiesta, está ausente y por lo tanto deberán pensar en un cambio de lo que significa el ser humano. Sin Dios el Humanismo entra en crisis. Los personajes de la trilogía han de preguntarse forzosamente por el significado de su existencia y tomar decisiones para vivir sus vidas en un mundo sin Dios.

A diferencia de los filmes anteriores, cuyos epílogos otorgaban una cierta esperanza a los personajes atribulados, en la Trilogía de la Fé, Bergman abandona a sus personajes a su suerte.

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Danza de los Penitentes de “El séptimo sello”

 

La obra de Bergman es compleja y trascendental con resultados comerciales de todo tipo, éxitos y fracasos jalonan su obra.

 

Es difícil resaltar una película por encima de tanta calidad estilística, fotografía excelente, interpretaciones soberbias y unos primeros planos marca de la casa se da a lo largo de toda su obra. No obstante quiero resaltar una entre todas por su valor icónico trascendente. El caballero cruzado al que da vida Max Von Sidow jugando una partida de ajedrez con la Muerte y la danza final de los Penitentes está en la memoria de todos aún sin haber visto la película. Me refiero a “El séptimo sello” de 1957 y de la cual incluyo unas escenas dignas de recordar.

 

Albert·Literatura

STENDHAL, ¿NOVELISTA MODERNO O CRONISTA DE SU ÉPOCA?

“El hombre que no ha amado apasionadamente ignora la mitad más bella de la vida”

Esta frase la pronunció un escritor francés del siglo XIX, Henry Marie Beyle, más conocido como Stendhal. Había nacido en Grenoble en enero de 1783. Era francés pero tuvo debilidad por la cultura y la idiosincrasia italiana. Llegó a Italia como militar del ejército de Napoleón en 1797 y quedó atrapado por el país, por su cultura, su arte y su música, hasta el punto de que, aún enterrado en el cementerio de Montmartre en París, había escrito personalmente su epitafio en italiano considerándose específicamente milanés.

«Arrigo Beyle, milanese. Scrisse, amò, visse Ann. LIX M. II. Morì il XXIII marzo MDCCCXLII»
(Henri Beyle, milanés. Escribió, amó, vivió 59 años, 2 meses. Murió el 23 de marzo de 1842)

Tumba de Stendhal (París, Cementerio de Montmarte). / Foto ASR
Tumba de Stendhal (París, Cementerio de Montmarte). / Foto ASR

 

Stendhal, considerado el padre de la novela moderna por su estilo diferente y más avanzado que el de la mayoría de las novelas publicadas en su época, fue también cronista de su época ya que situaba a sus personajes en el centro de la historia y al mismo tiempo profundamente crítico con la sociedad de su tiempo. El ser tan crítico le llevó a no ser considerado por los escritores contemporáneos, con la honrosa excepción de Balzac.  Francés pero enamorado de la cultura italiana y residente en Italia los últimos doce años de su vida, vivió intensamente los acontecimientos históricos que se dieron en Europa en el paso del siglo XVIII al turbulento XIX y los describió precisamente en sus novelas. Conoció de primera mano las campañas militares napoleónicas (fue militar y diplomático activo) y también el ambiente intelectual y artístico de la sociedad francesa posterior a la Revolución.
Su obra es extensa, escribió muchos ensayos y artículos sobre arte y psicología pero es conocido y admirado sobre todo por dos novelas extraordinarias: “El rojo y el negro” y “La cartuja de Parma” a la que se podría añadir “Armancia” menos conocida.

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Estas obras, influidas por el espíritu romántico de su época, tienen también un sentido crítico considerable expresado en la psicología de sus personajes, principalmente sus héroes, tanto Julien, el arribista de “El rojo y el negro” como Fabrizio , el noble de “La cartuja de Parma” son personajes inmersos en el mundo que les rodea  pero aislados psicológicamente y enfrentados a las imposiciones de la sociedad. Son rebeldes y pretenden alcanzar la felicidad sin importarles lo que tengan que hacer para conseguirla. Esa postura personal, a la que estamos acostumbrados en la literatura posterior, era excepcional a principios del siglo XIX. Se puede considerar a  Stendhal como el primer escritor moderno por su  forma concisa y personal de escribir, describiendo espacios y  acontecimientos con un lenguaje muy realista. Stendhal fue sin duda uno de los primeros y más importantes escritores del “realismo” junto con su contemporáneo, paisano y amigo Balzac.

 

 

En el mundo de la medicina existe el “Síndrome de Stendhal”, fenómeno psicosomático con  taquicardias, vértigo e incluso alucinaciones cuando el paciente está frente a una acumulación de arte de gran belleza en un espacio corto de tiempo. Debe su nombre a que Stendhal fue el primero que lo describió al haberlo experimentado él mismo en la Basílica de la Santa Croce en Florencia y que publicó en su libro “Nápoles y Florencia: Un viaje de Milán a Reggio”

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“Había llegado a ese punto de emoción en el que se encuentran las sensaciones celestes dadas por las Bellas Artes y los sentimientos apasionados. Saliendo de Santa Croce, me latía el corazón, la vida estaba agotada en mí, andaba con miedo a caerme”.

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