Albert·Cine

PASOLINI, UN CINEASTA INCÓMODO

 

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En noviembre del 75 se encontró, en una playa de Ostia, el cuerpo maltrecho y parcialmente quemado de uno de los intelectuales más prestigiosos de su época:  Pier Paolo Pasolini. Tenía 53 años y estaba en la cumbre de su carrera.

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Pasolini era lo más parecido a un “uomo  universale renacentista” en el siglo XX. Poeta, dramaturgo, novelista, ensayista y cineasta. Todo lo desarrollaba como una creación individual. Es obvio que la escritura lo es, no así el cine que es consecuencia de la colaboración de varios elementos, pero en su caso y según sus propias palabras “El cine de autor es una creación individual. El número de colaboradores no cuenta. La obra nace en solitario. (…) El ritmo, los temas, las obsesiones, la elección de la escritura llevan el sello de un estilo ferozmente personal, de un hombre.”  (Conversaciones con Pier Paolo Pasolini, Anagrama 1971). Como autor, Pasolini  se mantuvo siempre fiel a sus principios y ninguno de sus films responde a otra motivación que no sean sus intereses o a un sentido histórico de respuesta frente a los acontecimientos sociales o políticos vividos muy de cerca por él.

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“Accatone”
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Mamma Roma

Su filmografía, ambiciosa y compleja, tiene su origen en la interrelación de las ideologías y espectros culturales que ocupan gran parte del pensamiento occidental de los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial.

Su actividad intelectual temprana fue la poesía y concretamente en el dialecto fruliano. Muy interesado en el lenguaje, cultivó la poesía toda su vida desarrollando un sentido manierista de la escritura vinculado a las emociones y los sentimientos pero también al contexto político en que se inscriben. En realidad, todas las líneas maestras del pensamiento pasoliniano están contenidas en sus poemas primerizos y será ese mismo sentido poético el que se instalará en su escritura cinematográfica cuando la desarrolle en los años posteriores.

Análisis tardío

Sé bien, sé bien que estoy en el fondo de la fosa;
que todo aquello que toco ya lo he tocado;
que soy prisionero de un interés indecente;
que cada convalecencia es una recaída;
que las aguas están estancadas y todo tiene sabor a viejo;
que también el humorismo forma parte del bloque inamovible;
que no hago otra cosa que reducir lo nuevo a lo antiguo;
que no intento todavía reconocer quién soy;
que he perdido hasta la antigua paciencia de orfebre;
que la vejez hace resaltar por impaciencia sólo las miserias;
que no saldré nunca de aquí por más que sonría;
que doy vueltas de un lado a otro por la tierra como una bestia enjaulada;
que de tantas cuerdas que tengo he terminado por tirar de una sola;
que me gusta embarrarme porque el barro es materia pobre y por lo tanto pura;
que adoro la luz sólo si no ofrece esperanza.

La evolución ideológica de Pasolini, visible a través de toda su obra, da comienzo con su inmersión en el proletariado influenciado por las ideas de Gramsci , y su objetivo es la realización de  grandes obras nacionales y transformarlas en populares destinadas a un pueblo idealizado pero no tiene en cuenta  la irrupción, en aquellos años de fenómeno de la “cultura de masas”. En una entrevista del año 72, Pasolini dice textualmente: “En el momento en que perdí la ilusión gramsciana de poder hacer grandes obras nacionales que a la vez fueran populares, comencé a hacer films difíciles, que estuvieran en contra de la capacidad de consumo de la masa”.

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“Edipo, rey”

 

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“Teorema”

Su ideología política siempre estuvo  cerca del Partido Comunista Italiano, si bien ya se había desligado oficialmente desde 1949 por las críticas en el partido como consecuencia de su manifiesta homosexualidad. En realidad, no creía en las posibilidades de transformación de la sociedad por la vía marxista, Pasolini era partidario de otorgar a las comunidades campesinas la cualidad de ser el modelo de libertad como herederas directas de las civilizaciones arcaicas. En toda su obra tiene relevancia “el mito” asociado a las civilizaciones antiguas, de ahí su aprecio por los clásicos como poseedores exclusivos de los mitos, para él, elementos trascendentes, incluso  a la propia muerte. Mitos clásicos como “Medea”, Edipo, rey”, “El evangelio según san Mateo”, películas donde el mito es más sutil, como “Accatone”, “Mamma Roma” o “Teorema” para llegar a su obra magna la “Trilogía de la vida” :”El Decamerón”, “Los cuentos de Canterbury” y “Las mil y una noches”. En estas tres películas es donde Pasolini se atreve a situar la cultura campesina, claramente, como el marco idóneo para que el hombre desarrolle su capacidad de ser libre: el campo como origen.

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“El evangelio según San Mateo”
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“El Decamerón”
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Los Cuentos de Canterbury”
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“Las Mil y una noches”

Al año siguiente de filmar  “Las mil y una noches”, Pasolini inició la que sería su última obra, la primera de su proyecto siguiente, al parecer si intención era realizar una “trilogía de la muerte”. La película la pudo terminar, se trata de “Saló o los 120 días de Sodoma” y fue sumamente polémica.  Pasolini ya había anticipado la inaceptabilidad de “Saló” por parte del sistema, múltiples censuras y prohibiciones lo demostraron, si bien confiaba en que, a través de coartadas culturales sobre la universalidad de la obra artística pudiera llegar a ser tolerada en círculos intelectuales progresistas. En la realidad, el film fue rechazado por el público en general por su carácter antilúdico y por el moralismo de la izquierda excesivamente distanciada de la agresividad del autor.

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“Saló o los 120 días de Sodoma”

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No sabemos el camino que Pasolini hubiera recorrido en su futuro truncado por una muerte violenta. Pier Paolo Pasolini fue el más insólito, anárquico y libre de los realizadores de cine de su época y uno de los más perturbadores de todos los tiempos. Era una piedra en el zapato del sistema y su muerte era deseada o consentida por parte del propio sistema. No llegó a saberse con certeza las circunstancias de su asesinato. El acusado, un joven delincuente italiano, falleció sin haber aclarado las circunstancias en las que estaba involucrado. A día de hoy no hay culpables claros y es probable que no se sepa nunca.

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EL HOLANDÉS ERRANTE

Salió de la bruma como un espíritu vengador, negro y pavoroso. El “Windlife” cabeceó encabritado al recibir el empuje del agua que desplazaba un barco tan grande pasando a menos de diez yardas de su proa. Por el tamaño me pareció una goleta de tres palos o quizás un bergantín. Estaba rodeado por una extraña luminosidad rojiza, pero entre los jirones de niebla que pendían de su popa alcancé a leer el nombre, “Libera Nos”. Una enorme bandera blanca con el aspa de San Andrés, la antigua bandera de guerra holandesa, destacaba entre la bruma. Tuve que emplearme a fondo con el timón para evitar la escora a babor en la que se estaba precipitando el “Windlife”.

 

Cuando conseguí dominar el velero, conecté el piloto automático y me senté en cubierta respirando aliviado. El mar estaba tranquilo y no hacía frío. Solo la densa niebla impedía la visión de un cielo sin luna. Estaba intrigado por el incidente y bajé al camarote a buscar información. En el tomo III de la Enciclopedia del Mar pude leer mientras tomaba mi primer gin-tonic:

  “… “Libera Nos”uno de los nombres con los que se conocía el mítico navío  “Flying Dutchman”. Capitaneado por un holandés llamado Bernard Fokke, famoso por la velocidad de sus travesías y de quien se decía que había llegado a un pacto con el diablo…”

El sabor de la bebida se tornó metálico. Sentado en el banco de madera apoyé la cabeza en la pared y cerré los ojos. No me lo podía creer. Era lo que me faltaba. Arruinado, abandonado por todos, abandonando todo, solo en el océano y me encuentro con el holandés errante. Pensé que había sido una alucinación, pero mi sentido práctico se impuso. Las alucinaciones no provocan la escora de un velero de diez metros tan fiable como el “Windlife”, hasta el punto de haber estado en peligro de zozobrar. Aquello había sido real, tan real como el segundo gin-tonic que me estaba preparando.

 

Busqué entre los CD’s de clásica la ópera que Wagner había dedicado al tema pero no lo encontré, probablemente se lo había dejado a alguien. La única obra de Wagner que tenía era el “Götterdämmerung” así que lo puse y seguí leyendo información sobre el mito del barco fantasma. El vello se me erizó cuando leí en el libro “Mitos y leyendas de los mares del mundo”:

“…La sola visión de tu barco, que seguirá rondando hasta el fin de los tiempos, traerá la desgracia a quien lo vea…”

Dejé de leer, pero seguí bebiendo ginebra hasta quedar profundamente dormido sobre el duro banco. El velero navegaba entre la niebla suavemente, empujado por la brisa, mientras yo dormía y soñaba. Esa noche tuve pesadillas, inconexas, enigmáticas, negros cuervos posados en las jarcias de un galeón, escarabajos metálicos con cabezas multicolores que corrían por las velas, un perro blanco y negro aullando a la luna…

 

Al despertar tomé una decisión. Atracaría en Brisbane y allí cursaría un telegrama a mi antiguo socio profesional:

 

A Pedro Altares “Pedrín”

Terminado viaje solitario STOP  Vendo Windlife STOP Vuelvo en avión STOP Reabriremos oficina detectives privados STOP Saludos Roberto Alcázar

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Albert·Fotografía

JOANA BIARNÉS :UNA FOTOPERIODISTA DIFERENTE

Hay profesiones en las que el papel de las mujeres, incluso en el siglo XXI,  es poco relevante, no porque no tengan capacidad, que la tienen sobrada, sino porque tradicionalmente las desempeñaban los hombres  hasta la incorporación de la mujer en el mercado laboral a mediados del siglo pasado. Hoy día, afortunadamente las mujeres pueden desempeñar toda clase de trabajos, incluso los más, digamos masculinos. Hoy vemos bomberos, taxistas conductores de bus, policías o militares que son mujeres. Y no digamos en actividades intelectuales como la medicina, la política o la economía. También el periodismo. Bien es verdad que, lamentablemente, en algunos campos, no son todavía equiparables el número de hombre y mujeres ni tampoco los salarios. Es de esperar que con el tiempo se corrijan ambas deficiencias.

Esta reflexión viene a cuenta con un personaje relevante, aunque poco conocido, en el mundo del periodismo español del siglo XX. Concretamente en el fotoperiodismo.

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Joana Biarnés Florensa trabajó como fotoreportera gran parte de su vida, empezando por los deportes para pasar a cubrir reportajes sociales  hasta la aparición de la prensa amarilla cuando abandonó la profesión por la deriva que tomaba y con la que estaba en desacuerdo. Eso ocurrió en 1985 dedicándose a la restauración en un local propio de la isla de Ibiza: Can na Joana.

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Reportaje sobre las inundaciones del Vallés en 1962
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Recogiendo agua en una fuente pública en los años duros de la postguerra

 

Durante los años duros de la postguerra y el inicio de la transición, Joana se dedicó a la fotografía periodística, y a través del objetivo de sus cámaras se puede ver la evolución de una sociedad que venía de una España triste que salía de la depresión recuperando la ilusión con la llegada de la democracia. Su mirada fotográfica captó esa sociedad cambiante con los personajes representativos en actitudes naturales o sorprendentes.

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Dalí y Gala en Port Lligat
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Fans esperando a los Bravos
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Orson Welles en los toros

 

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actriz rodeada de admiradores

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En su primera etapa, Joana Biarnés se dedicó al fotoperiodismo deportivo y en esa época fue cuando percibio más intensamente el rechazo por su género, el deporte era un coto masculino. A partir de 1962 y hasta su cierre en 1984 estuvo vinculada con el periódico vespertino “Pueblo”. El periódico era propiedad de los Sindicatos Verticales del Régimen Nacionalsindicalista y durante años se mantuvo en la tercera posición de los diarios más vendidos del país, solo detrás del ABC y La Vanguardia. Durante estos años, Juana se dedicó a los reportajes sociales con profesionalidad pero siempre buscando el detalle que hiciera diferentes sus reportajes, se arriesgaba para conseguir la foto que quería. A diferencia de sus compañeros masculinos, se acercaba mucho a los personajes que fotografiaba, interactuaba con ellos construyendo un espacio útil para los dos, fotógrafo y fotografiado. En sus reportajes aparecen personas relevantes, nacionales e internacionales: Dalí, Orson Welles, los Beatles, Ursula Andress, Nureyev o Roger Moore entre otros muchos.

Este recuerdo obedece a la exposición que se ha montado sobre su obra en el Palau Robert de Barcelona y que estará visible hasta abril de 2018. Es un retorno al pasado para algunos y para otros una ventana para observar una parte de la sociedad que habitaba el país en los años anteriores e iniciales de la transición.

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MOEBIUS: UN AUTOR CON NOMBRE DE CINTA

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En 1858 dos matemáticos alemanes, August Ferdinand Möbius y Johann Benedict Listing descubren en forma independiente la paradoja matemàtica que tomó el nombre del primero: la cinta o banda de Möbius (Moebius), una superficie de dos dimensiones no orientable, con solamente un lado cuando se recorre y sumergida en el espacio euclidiano tridimensional de la realidad subjetiva. Simplificando, es una superfície con una sola cara y un solo borde.

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Pero Moebius es también otra cosa. Tras ese nombre se oculta uno de los más importantes renovadores del cómic europeo. Un dibujante francés nacido en el 38 y cuyo nombre auténtico era Jean Giraud.

Jean Giraud, formaba parte de la generación de dibujantes y guionistas de cómic que, en los años 70 y 80, constituyeron la edad de oro del cómic europeo: Druillet y Dionnet en Francia, Pratt, Manara y Giardino en Italia, en España Enric Sió, Carlos Giménez y Maroto, y muchos más, todos de gran calidad.

 

Jean Giraud era diferente de todos ellos. En los primeros tiempos se decantó por dibujar western creando el personaje del Teniente Blueberry del ejército norteamericano, pero cambió de registro después de su adhesión al grupo de los Humanoides Asociados, donde estaban también Druillet y Dionnet. Este grupo, muy decantado por la fantasía y la ciencia ficción, se expresó a través de una de las principales revistes de cómics de la historia: “Mètal Hurlant”. En ella Giraud, que ya firmaba como Moebius, consolidó su cambio de estilo creando un universo personal muy ligado con el zen y las filosofías orientales. En sus dibujos, con guiones propios y en ocasiones con guionistas prestigiosos como Dan O’Bannon o Alejandro Jodorowsky, intenta reflejar la conciencia cósmica del alma humana depurando su grafismo al límite con unos dibujos sumamente atractivos y sobretodo muy personales. “Arzach”, “El garaje hermético” o “El Incal” son algunas de las más importantes.

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Paralelamente a su enorme labor como historietista e ilustrador, Giraud participó en el cine como diseñador en películas de ciencia-ficción: “Alien”, “Tron”, Willow”, “El quinto elemento” e incluso” Star Wars” tienen algo en su interior imaginado y diseñado por Moebius.

En sus últimos años dejó parcialmente el dibujo para dedicarse al guion. Regresó al Teniente Blueberry como guionista después del fallecimiento de Charlier, que había escrito los guiones desde el principio de la serie en 1964. Sus ansias de renovación le llevaron a entrar en el mundo de los videojuegos diseñando personajes y ambientes.

Jean Giraud (Moebius) falleció en 2012 a los 76 años. Había sido un autor muy dotado  para el dibujo desarrollando, a lo largo de su carrera, estilos diferentes  que combinaba de forma coherente. En el mundo del cómic hay un antes y un después de Moebius. Su obra perdurará en el tiempo, por la calidad y originalidad del universo onírico que supo crear.

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Albert·Canción

UNA CANCION

Cesaria Evora y Pedro Guerra en esta preciosa canción “Tiempo y Silencio”

Julio Médem la incluyó en su película “Caótica Ana” y en el video hay algunas secuencia e imágenes del film.

 

 

Una casa en el cielo

Un jardín en el mar

Una alondra en tu pecho

Un volver a empezar

 

Un deseo de estrellas

Un latir de gorrión

Una isla en tu cama

Una puesta de sol

 

Tiempo y silencio

Gritos y cantos

Cielos y besos

Voz y quebranto

 

Nacer en tu risa

Crecer en tu llanto

Vivir en tu espalda

Morir en tus brazos

Albert·Fotografía

FOTOGRAFIA: JOSEF SUDEK “EL POETA DE PRAGA”

A finales del siglo XIX y hasta la Primera Guerra Mundial, en el arte de la fotografía, se desarrolló el llamado estilo “pictorialista” que reivindicaba las imágenes fotográficas al mismo nivel que las disciplinas artísticas nobles (pintura, escultura y arquitectura), para ello renunciaban a imitar las imágenes pintadas, lo que sería la “fotografía academicista” y contraponiéndose a la “fotografía de aficionados” considerada vulgar y no artística pero que en realidad se impuso en todo el mundo hasta la aparición de la fotografía digital gracias a las facilidades de los sistemas de revelado industrial para el que no se necesitaban conocimientos técnicos. Por el contrario el fotógrafo “pictorialista” consideraba la imagen separada de la realidad para lo cual tenían que aplicar conocimientos técnicos muy depurados en el positivado, no en la toma de la imagen. Así, el positivado era la parte del proceso de revelado más importante y donde el artista se expresaba en profundidad. Efectos como el flou, el desenfoque voluntario, el añadido de pigmentos o el uso de bromóleo y goma bicromatada daban como resultado unas imágenes que, en su resultado definitivo, no tenían nada que ver con la realidad de la que procedían en el momento de la toma. Si tomamos la pintura como referente, el resultado podía equipararse al “movimiento impresionista”, por eso el “pictorialismo” también se llamó “fotografía impresionista”.

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Robert Demachy
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Alfred Stieglitz

 

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Gertrude Käsebier

En todo el mundo, fotógrafos de prestigio se sumaron al movimiento pictorialista: Stieglitz, Käsebier o Steicher entre otros muchos fueron pictorialistas antes de la Primera Guerra Mundial.

En Checoslovaquia, un fotógrafo nacido en Bohemia en plena época pictorialista, empezó su carrera durante los últimos años del movimiento y de hecho sus mejores obras las creó cuando ya el pictorialismo había sido sustituido por otras corrientes más modernas. Se llamaba Josef Sudek y es el fotógrafo cuya obra traemos a estas páginas.

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Josef Sudek en su estudio en Praga

Las primeras obras de Sudek, realizadas después de la guerra en la que participó y perdió su brazo derecho, son plenamente pictorialistas y de una gran calidad. A partir de 1936 abandonó el pictorialismo para abrazar un movimiento contrario, el llamado “nueva objetividad”.

 

 

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De hecho, Sudek no fue nunca un vanguardista. Era pictorialista cuando ya no estaba de moda y abrazó la “nueva objetividad” cuando estaba terminando su desarrollo con el ascenso del nacionalsocialismo en Alemania.

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La “nueva objetividad” fue un movimiento más transversal que el “pictorialismo” que era esencialmente fotográfico. Fue un estilo enfrentado al expresionismo y tuvo referencias en todas las artes incluso en la más reciente, el cine y por supuesto en la fotografía. El movimiento también se llamó “post-expresionismo” y destacaba por la sencillez, el realismo  y la funcionalidad.

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Dentro de este movimiento y como ejemplos ilustres encontramos en artes como la pintura a Oskar Kokoshka, en arquitectura el esencial  movimiento Bauhaus, en música Paul Hindemith y Kurt Weill, en cinematografía Pabst y en fotografía, Rodchenko en Rusia o Edward Weston en los Estados Unidos y también Josef Sudek en Checoslovaquia, como ya hemos comentado.

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Alexander Rodchenko
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Edward Weston

Josef Sudek había nacido en Bohemia en 1896 y desarrolló su obra en Praga principalmente, donde tenía su estudio. Es considerado el fotógrafo más importante de Checoslovaquia con un legado importantísimo en calidad y cantidad, con la dificultad añadida de no disponer más que de un brazo a lo largo de toda su carrera.

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Sus hermosas fotografías de Praga le dieron el calificativo de “Poeta de Praga”. En el libro de John Banville “Retratos de una ciudad” presenta a Praga a través de la lente fotográfica de Sudek. Banville explica cómo consiguió pasar de contrabando a los Estados Unidos esas fotografías, en la historia que cuenta, el personaje que inspira Sudek reflexiona sobre la ciudad y su situación bajo la guerra y la opresión. También recrea la angustia del fotógrafo en un momento de la historia en que publicar imágenes de la ciudad ocupada podían suponer un peligro real.

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Josef Sudek falleció en Praga en 1976, a los 80 años, dejando un legado inmenso.

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Albert·Música folklórica

BARCELONA GIPSY KLEZMER ORCHESTRA (BGKO): UNA ORQUESTA DIFERENTE

 

Barcelona Gipsy Klezmer Orchestra es un grupo de música muy ecléctico que tiene su origen en la primavera de 2012 en Barcelona durante el International Romani Day.

Sus componentes son de países diferentes mediterráneos y balcánicos. Hay seis músicos titulares: el clarinetista Robindro Nikolic de Barcelona, el italiano Mattia Schirosa con su acordeón, el serbio Ivan Kovacevic que toca el bajo, la guitarra la maneja el francés Julien Chanal, la percusión corre a cargo del griego Stelios Togias y la vocalista es catalana, de Santpedor, de nombre Sandra Sangiao y es un espectáculo ver como canta con la voz y con el cuerpo. Esporádicamente también incluyen en sus grabaciones y sus giras músicos balcánicos, turcos o egipcios.  La música que interpretan es una sabia mezcla étnica y folklórica con toques de jazz manouche, romaní, gipsy jazz, latinoamericana, klezmer (música de los judíos orientales) y también catalana.

En estos dos videos se puede apreciar muy bien la alegría y la luminosidad de la música mediterránea de BGKO.

 

Albert·Pintura y Música

PINTURA Y MUSICA EN EL SIGLO XVI: GEORGE DE LA TOUR Y CLAUDIO MONTEVERDI

En 1593, cuando nació George de la Tour en un pequeño pueblo cercano a Nancy, la capital del Ducado de la Lorena, Claudio Monteverdi tenía veintiséis años y ya había publicado sus primeras obras sacras en Cremona, su ciudad natal. No eran exactamente contemporáneos pero se acercaban mucho. Nos gustaría creer que se encontraron en algún lugar diferente de sus lugares de origen. Es muy probable que George de la Tour viajara a Roma donde pudo conocer la obra de los tenebristas italianos que tanta influencia tuvieron en su obra. El viaje parece ser que fue alrededor de 1612. En ese año, Monteverdi  tenía cuarenta y cinco años y estaba en la plenitud de su genio creador, un año después fue nombrado Maestro de Coro y Director de la Catedral de San Marcos en Venecia, ciudad donde desarrolló la mayor parte de su obra sacra, entre las que destacan las “Vísperas de la Beata Virgen” y más adelante la “Selva morale e spirituale”.

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Por aquellos años, George de la Tour, a su regreso de Roma y después de  impregnarse con las obras de Caravaggio, Saraceni y Gentileschi,  viajó a Utrecht para completar su preparación pictórica con los tenebristas holandeses,  cuyo principal exponente era Gerard Von Honthorst. Su inclinación por el tenebrismo no se desarrolló hasta unos años después. En aquella época La Tour pintaba cuadros diurnos -era su primera etapa- en la que pintaba gente real de su Lorena natal: tahúres, pícaros y militares.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Curiosamente su segunda época, la de los cuadros nocturnos se inicia en 1643, el mismo año que Monteverdi falleció en Venecia.

En esta segunda etapa de su obra, La Tour pintó los cuadros por los que es conocido actualmente después de estar cerca de trescientos años en el olvido. Su obra fue rescatada a principios del siglo XX.

de La Tour, Georges, 1593-1652; The Dice Players

 

 

 

 

 

 

 

 

 

George de la Tour es el principal exponente del tenebrismo francés, en sus pinturas tiene relevancia la iluminación, casi siempre emanando de una vela o bujía que ilumina con luz blanca o rojiza las figuras, dejando el ambiente en la oscuridad. Sin paisajes, sin edificios ni figuras en segundo plano, con una paleta sin apenas colores, solo el rojo y el negro, buena muestra de su gran capacidad técnica, como bien sabe cualquier pintor que haya tenido que construir una realidad pictórica a partir, básicamente, de esos dos colores.

Esta obra tenebrista es la que desarrolló hasta su fallecimiento en 1652. Fue un pintor reconocido en su época para después caer en la oscuridad del no reconocimiento.

San Sebastian era un tema muy querido por los caravaggistas y sus seguidores lo que se explica por las epidemias graves de peste, contra las que se invocaba al martir aseteado y también por el especial diálogo amoroso y devoto que el gusto de la época acabó proponiendo al interpretar libremente la Passio Sebastiani. George de la Tour utilizó el tema en dos ocasiones: la más antigua iluminada por un farol y la segunda por una antorcha.

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“San Sebastian curado por Irene” obra de Trophime Bigot (1620-1630) llamado “Maítre a la Chandelle” que se conserva en el Museo de Beaux Arts de Bordeaux

 

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“San Sebastian curado por Irene” de George de la Tour iluminado por un farol (probablemente de 1639)
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Segunda versión del mismo tema por George de la Tour esta vez con antorcha (alrededor de 1649)

En la segunda etapa, la nocturna, La Tour abandona los personajes de la sociedad en la que vive para dedicarse a temas religiosos, con preferencia santos, mujeres humildes, más serias que tristes, a veces con niños, Natividades conmovedoras pero no escenas de  la Pasión, sus figuras nos llevan más bien a María Magdalena con un estilo definido, equilibrado y geométrico. Todas las obras de esta segunda etapa se parecen. Todas tienen figuras humanas en cuyo rostro se transparenta meditación y dignidad moral en cuerpos que presentan una actitud ascética y austera. La llama, siempre presente, símbolo del tiempo que se consume, espejos que nos recuerdan la fragilidad y la ilusión y que atraen la mirada del personaje que vive en el cuadro y de nosotros que, desde fuera, lo contemplamos, en un esfuerzo por acercar las escenas místicas a la realidad mundana sin perder por ello la inmanencia del simbolismo.

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Cuando George de la Tour pintaba sus obras nocturnas, Claudio Monteverdi ya no existía.

Monteverdi nos dejó una monumental obra sacra pero su importancia en la evolución de la música del siglo diecisiete no recae en la música religiosa. Fue capital en la transformación de la ópera del Renacimiento tardío alumbrando una espectacular ópera barroca. En 1597, Jacopo Peri compuso “Dafne”, hoy perdida, y poco después “Eurídice” pero cuando el testigo operístico lo tomó Monteverdi dio un cambio radical. Hasta entonces, siguiendo el modelo griego, el texto no cantado primaba sobre la música. En 1607, con “Orfeo”, Monteverdi cambió la ópera para siempre. Fue una transformación conceptual pero también social que se hacía eco de las corrientes de pensamiento imperantes a partir de las cuales se daba mayor importancia al conjunto de la sociedad. Por primera vez, un compositor no dirigía su obra a nobles más o menos entendidos sino a un público que pagaba dinero por asistir a un espectáculo musical y que imponía sus preferencias. Después de “Orfeo”, Monteverdi compuso numerosas óperas que no han llegado hasta nosotros, solo las dos últimas, ya al final de su vida, “Il ritorno di Ulisse in patria” y “L’incoronazione di Poppea” se conservan. La ópera, principalmente en Venecia, había adquirido perfiles vocales más relevantes. Compositores venecianos como Francesco Cavalli o Antonio Cesti siguieron la estela de Monteverdi difundiendo la ópera veneciana por toda Europa.

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Claudio Monteverdi en su madurez

 

En estos videos se puede apreciar un apunte de la música que creó Monteverdi y que se escuchaba y se bailaba en las cortes europeas en la época en la que George de La Tour pintaba sus cuadros nocturnos.

En el primero encontramos un fragmento de la música sacra, concretamente las “Vísperas de la Beata Virgen”

 

 

 

En el segundo una música profana, mucho más alegre y festiva, se trata de un madrigal compuesto en 1632 que presenta  la forma de una ciaccona o passacaglia, con su línea de bajo recurrente y es el primer caso conocido de un dúo vocal que utiliza este ritmo. Su nombre es “Zefiro torna, oh di soavi accenti”. Los interpretes son la L’arpeggiata ensemble con instrumentos originales y cantada por la soprano manresana Nuria Rial y el contratenor francès Phillipe Jaroussky.

 

Albert·cine y literatura

CINE Y LITERATURA: “EL HOMBRE QUE SUSURRABA A LOS CABALLOS”

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En la doma de caballos, existe una técnica muy diferente a la doma clásica y convencional a base de castigo y premio. Se trata de una doma que prioriza la confianza y el respeto mutuo entre el animal y el hombre. Utilizando solo la voz, los gestos y ninguna agresividad, estos adiestradores consiguen resultados sorprendentes en caballos normales y también en los difíciles. Es una doma natural cuyo objetivo es conseguir que el caballo sea amigo y compañero en lugar de esclavo.

Esta técnica, muy utilizada en las dos Américas, procede directamente de los indígenas cuyo respeto por la naturaleza es proverbial, ellos creían que podían ver el alma de estos animales, inteligentes y nobles y conseguían apaciguarlos, tranquilizarlos y ganarse su confianza.

Estos adiestradores son llamados “susurradores”

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En 1995, Nicholas Evans, periodista y escritor inglés, publicó su primera novela, basada en el tema de los “susurradores”, se llamaba “The horse whisperer” (en castellano “El hombre que susurraba al oído de los caballos”), y se convirtió en un “best seller” con millones de ejemplares vendidos.

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La novela, además de explicar muy bien la doma natural que realiza el protagonista sobre un caballo traumatizado por un accidente, entra en el terreno romántico narrando la relación sentimental entre el adiestrador y la madre de la propietaria, una niña de 14 años, también traumatizada por el mismo accidente y que, al igual que el caballo, se recupera por la misma terapia de cariño y confianza.

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Solo tres años después, Hollywood se apoderó de la historia filmándola en escenarios naturales, en Montana. El director y actor protagonista fue Robert Redford que ya tenía experiencia como director más o menos exitoso: “El río de la vida” y “Gente ordinaria” entre otras. Estaba convincente en el papel de “susurrador”, en la vida real está muy interesado en la naturaleza y en especial en los caballos.

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La réplica romántica la daba la actriz británica Kristin Scott Thomas siendo la niña traumatizada y curada una adolescente Scarlett Johanson. El cuarto personaje, con un papel muy discreto, es el marido y padre que interpreta, como siempre, un eficaz Sam Neill.

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La película es muy bella formalmente y capta la atmósfera de la novela en lo que se refiere al “susurrador”, al caballo y a la niña traumatizada. Se le puede reprochar un exceso de azúcar en la cuestión romántica y, muy especialmente, es criticable el final, con renuncia edulcorada y completamente diferente de la conclusión de la novela.

Redford, no sabemos si por convicción o por imposición de la productora, termina la película con final agridulce. La relación sentimental se cierra sin consumación sexual y con renuncia del “susurrador” para no destruir la familia que regresa a su mundo entre lágrimas pero intacta.

Por el contrario, Evans, termina la historia con el sacrificio y muerte del “susurrador” al salvar a la niña y al caballo de las iras de un semental salvaje. La familia regresa a su mundo pero no intacta, ya que la madre tendrá un hijo gestado en la relación entre los amantes, una relación mucho más carnal que en el film.

 

 

En el video se puede apreciar el azúcar que lleva la película en una interpretación magistral de gestos y miradas de los protagonistas en un baile, por otra parte muy bien filmado y que nos permite disfrutar de la cantante Allison Moorer en un tema country precioso: “A soft place to fall”

 

Albert·Fotografía

FOTOGRAFIA ARTISTICA: HERBERT LIST

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En 1903, nació en Hamburgo, un fotógrafo especial: Herbert List. Durante los primeros treinta años se dedicó profesionalmente al comercio viajando por todo el mundo. Su padre dirigía una importante empresa de importación de café. A lo largo de sus viajes empezó a interesarse por la fotografía pero sin ninguna intención artística. La influencia de algunos pintores contemporáneos (Magritte y Chirico especialmente) y del fotógrafo americano, Man Ray , le llevó a una rápida evolución convirtiéndose en poco tiempo en el máximo exponente de la fotografía metafísica. Fotografías de estudio y al aire libre con composiciones muy controladas utilizando negativos de formato medio, con una máquina Rolleiflex. A pesar de que sus fotos no eran instantáneas, y quizás por ello, parecen emanar algo especial de su interior, de ahí la calificación de “metafísicas”.

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A los 33 años dejó el negocio familiar para dedicarse profesionalmente a la fotografía, su gran pasión. Influyó el que su familia era judía y en 1936, en Alemania, los negocios de judíos tenían problemas graves de supervivencia.

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Empezó su carrera fotográfica, entre París y Londres, con fotografías de moda que le publicaban en la revista “Harper’s Bazaar” pero pronto se pudo dedicar a la fotografía artística metafísica con especial dedicación a las fotos homoeróticas. En Grecia y en Italia, principalmente, List realizó una serie de fotografías de desnudos masculinos que le dieron fama mundial. Su estilo austero y mágico y al mismo tiempo muy rico en referencias artísticas tuvo gran influencia en los fotógrafos contemporáneos y posteriores. Las revistas “Vogue”, “Life” y la ya comentada “Harper’s Bazaar” publicaban su obra. Después de la guerra volvió a Alemania donde fue el editor artístico de la revista “Heute”. Posteriormente y hasta los primeros años de la década de los 60 estuvo trabajando por todo el mundo y publicando en revistas de moda, de arte y de fotografía.

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En 1953 y por la influencia de Henri Cartier Bresson, dejó el formato medio y pasó a la cámara de 35 mm. más versátil y que le permitía instantáneas, entrando en el neorrealismo y las fotografías de la calle y de la gente. A partir de 1962 y hasta su fallecimiento en Mónaco en 1975, abandonó a la práctica la fotografía, no obstante nos queda su obra con su peculiar estilo.

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Herbert List en sus primeros años en Alemania fue amigo y guía de jóvenes que viajaban  a Alemania en los años locos de la República de Weimar, intelectuales y escritores como Isherwood, Auden o Spender. List era un gran esteta y a lo largo de su vida se relacionó con el mundo gay, gran admirador de su mirada homoerótica al igual que del espíritu que aparecía en sus fotografías, siempre en blanco y negro.