Albert·cuento

KATA TON DAIMONA EAYTOY

– Señoras, señores, les pido disculpas. El concierto debe suspenderse en este momento. Por causas que ignoramos, la solista, la señorita Eva Zilahy, se encuentra en paradero desconocido.

El rumor se hizo más evidente. El mensajero murmuró unas excusas incoherentes que apenas escuchó nadie y salió del escenario con pasos precipitados.

En aquel mismo momento Eva Zilahy corría sin parar por las calles de París. Con una mano se subía el borde del vestido verde para evitar un tropiezo y en la otra, arrugado dentro del puño apretado, llevaba un papel escrito. Las lágrimas apenas le permitían ver donde pisaba. En aquel papel había leído una sola frase escrita con letras mayúsculas, grandes e irregulares: KATA TON DAIMONA EAYTOY.

 

KATA TON DAIMONA EAYTOY  escribió Jim con un lapicero en una de las servilletas de papel que había sobre la mesa de mármol. Estaban sentados tomando un pastis con las manos entrelazadas “Si algún día te llega un papel con esto escrito, sabrás que me he suicidado” le dijo en un susurro al oído “y además quiero que se puedan leer estas mismas palabras en mi tumba”.

Los ojos de Eva se llenaron de lágrimas. Miró a su alrededor por si alguien había escuchado. Había poca gente en aquel bar del Boulevard Sant Germain a esa hora de la madrugada: un par de mujeres en la barra, un tipo haciendo un solitario y al fondo una pareja mayor mirando al vacío. Eva se tranquilizó, nadie prestaba atención a las palabras de Jim y a su llanto. “Cheims, no digas estas cosas. Me haces llorar” él le pasó los dedos por la mejilla. “No llores Eva, las cosas son así” sonrió. “Y me llamo James, no Cheims… aunque todos me llaman Jim… todos menos tú” “¿Chim?… no me gusta Chim… prefiero Cheims” restañándose una lágrima que le corría por la cara. “Vale, llámame como quieras… pero llámame” volvió a sonreír. Ella supo que no había visto una sonrisa tan dulce jamás “El 3 de julio tocaré a Fauré en la Salle Pleyel. ¿Vendrás?” “Claro que vendré. No podría no hacerlo… pero me has de prometer que no lloraras más esta noche”. Ella negó con la cabeza. “Si no quieres hacerme llorar no digas esas cosas tan… horribles” “De acuerdo, no te lo diré más, pero quiero que lo recuerdes…”.

 

“Este es el fin, bello amigo, este es el fin, mi único amigo, el fin de nuestros elaborados planes, el fin de todo lo que se tenga en pie, el fin sin seguridad o sorpresa, el fin. Yo nunca miraré dentro de tus ojos otra vez, puedes hacerte una idea de lo que será tan ilimitado y libre, desesperadamente necesitado de la mano de algún extraño en una tierra desesperada” recitó susurrando “¿Te gusta? Es el poema con el que empieza una de nuestras primeras canciones. Lo escribí yo”. “Es triste, Cheims, es muy triste. ¿Tú no puedes escribir poemas alegres?” “Me sale así… soy así”. La luz de un semáforo intermitente entraba por la ventana de la habitación y le daba a su mirada un reflejo demoníaco “Tú no eres así, Cheims…tú no eres así”. Eva apoyó la cabeza en su hombro desnudo y cogiéndole la mano la llevó a su pecho. “Tócame, tócame… no dejes de tocarme”. El, con las yemas de los dedos acariciaba su piel tibia mientras sus labios repetían como una letanía “este es el fin, bello amigo, este es el fin… el fin… el fin…”. Con un dedo selló su boca para no oír aquellas palabras que le dolían. “Sssshhhh… no digas nada más… solo tócame”. El semáforo se apagó. Por la ventana entró la luna blanca y transparente. Miró dentro de sus ojos otra vez.

Dominaba el espacio, el público lo adoraba y él lo sabía. Aquellos pantalones de cuero tan ceñidos y sus cabellos alborotados transportaban a Eva, olvidaba quién era, olvidaba dónde vivía y de dónde venía. Ese mes de junio del 71 había cambiado su vida. escuchar su voz, en el escenario,  gritando “Try to set the night on fire” le provocaba un extraño calor en el sexo y sus pezones se mantenían erectos todo el tiempo que duraba la canción. Al terminar, le vio saltar a la platea y sin fuerzas para oponerse, se encontró entre sus brazos detrás del escenario. Jim le dijo hasta tres veces “ Vamos a cabalgar en la tormenta” mientras la desnudaba “¿Dónde has estado todo este tiempo?” “¿No lo sabes? Esperándote” le dijo él apartándole el cabello de los ojos “Estaba esperándote”.

Era una noche fría de finales de mayo. El bar estaba cerca del Sena y para entrar había que bajar tres escalones. La adivinó en cuanto traspasó la puerta “Estoy seguro de no haber visto a esa chica jamás”. El interior era muy oscuro pero había luz suficiente como para apreciar la transparencia de aquella piel. “¿De dónde has salido tú?” Su risa alegre le iluminó la vida. “De Budapest” “Imposible… tú vienes del reino de las hadas” “¿Y tú? ¿De dónde has salido tú?” “Del infierno…pero ya no…ya no”. Salieron juntos a pisar las calles mojadas. El mundo, el tiempo y la luz ya no contaban. Sólo sus ojos. Había mirado dentro de sus ojos y se quedó para siempre.

Albert.
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Albert·cine y literatura

CINE Y LITERATURA: “LA MUERTE EN VENECIA”

Gustav Mahler, Thomas Mann y Luchino Visconti, tres personalidades que vamos a relacionar con una obra maestra, en literatura, en cine y en música.

 

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Gustav Mahler
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Thomas Mann

 

 

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Luchino Visconti

“La muerte en Venecia” es el título de una de las  novelas cortas que escribió Thomas Mann editada en 1912. El argumento es simple y muy conocido, un anciano compositor alemán, de nombre Gustav Von Aschenbach, está de turismo en Venecia y se siente atraído por un joven polaco de 14 años, cuya mera presencia despierta su homosexualidad oculta. Pierde el control hasta el punto de que la atracción se convierte en obsesión, se abandona tanto que contrae una enfermedad mortal y fallece sin llegar a mostrar al joven sus sentimientos. Es de destacar que para la composición del personaje de Aschenbach, se considera que Mann le dotó de algunos de sus propios atributos y también de rasgos propios de Gustav Mahler.

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Aun siendo un argumento simple, el trasfondo de la historia es más complejo. Estamos ante una obra que toma referencias de distintas fuentes, Sin ánimo de profundizar, tampoco se trata de un ensayo, vemos claramente influencias de Platón, con sus teorías sobre el “mundo sensible” y el “mundo inteligible”. Es evidente que el protagonista, Aschenbach, experimenta un enamoramiento “platónico” del joven Tadzio, que a su vez representa el ideal, la “belleza” en estado puro, la estética perfecta tan importante para el autor y también, como veremos más adelante para Visconti.

 

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Von Aschenbach y Tadzio en la película

 

Otro referente importante es Nietzsche y su “teoría de la culpa y la deuda”, un filósofo al que Mann admiraba profundamente. La revelación para Aschenbach, después del amor platónico que le inunda el alma y le llena de felicidad, será la presencia de la Vida, como concepto. Todos los elementos que la componen aparecen para volver al punto de partida después de la belleza y el amor: lo inalcanzable, la enfermedad, la suciedad, lo infecto, la muerte en definitiva. Eros y Thanatos, como lo definió Freud, otra referencia.

Orfeo y su bajada a los infiernos para encontrar el amor perdido más allá de la vida, también forma parte de esta historia simple pero compleja al mismo tiempo, esta historia polireferencial.

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En el otro lado del espejo tenemos la película de Luchino Visconti, homosexual y esteta reconocido, tan esteta que dice la leyenda que los cajones de los muebles de sus películas tenían que estar ocupados por ropa y enseres aun cuando no tuvieran que abrirse para nada. Igualmente, la ropa que vestían los personajes de “Muerte en Venecia” estaba almidonada y planchada a la manera de la época que representaban. Nótese que en el tránsito entre la obra literaria y la obra cinematográfica la historia pierde el artículo “La” inicial.

La película se filmó en 1971 siendo el protagonista el actor británico Dirk Bogarde que hizo una interpretación notable. Visconti es fiel al espíritu de la novela y donde Mann se detenía en explicar la evolución de Aschenbach desde la depresión inicial, hasta la desesperación y muerte final pasando por el descubrimiento de la belleza y el amor, Visconti aprovecha la potencia de las imágenes que permite el cine. Es memorable la escena final, el triunfo de Thanatos con la muerte patética del anciano en una tumbona de la playa del Lido, completamente solo, mientras el objeto de su amor, la belleza ideal, Tadzio, se ve a lo lejos ajeno por completo al drama que desencadena su sola presencia.

Y Mahler? Pues además de la referencia comentada aportando parte de su ser en la creación de Von Aschenbach, Visconti tuvo el acierto de acercar parte de su obra a la película cuando escogió el maravilloso “Adagietto” de su 5ª Sinfonia como parte importante de la banda sonora de la película. Las imágenes y la música forman una unidad como pocas veces se ha podido apreciar en el cine del siglo XX.

 

Albert·Pintura

GIOTTO DI BONDONE

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“Homenaje de un hombre sencillo” Iglesia de San Francisco, Asis

A finales del siglo XIII, un pintor italiano  sentó las bases para la futura revolución pictórica del Renacimiento. Desde nuestra perspectiva podemos tener la tentación de ponerlos a todos en la misma época y no es así. Cuando el llamado Giotto di Bondone nació, en 1266, todavía faltaba un siglo para que vinieran al mundo los Masaccio, Fra Angélico o Filippo Lippi y siglo y medio para que nacieran Miguel Angel, Leonardo o Botticelli.

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Crucifijo de Cimabue en la Santa Croce de Florencia
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Crucifijo de Giotto en Santa María Novella de Florencia

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Cuando nació Giotto, su antecesor y maestro Cimabue tenía unos 26 años y precisamente en su taller y bajo su influjo empezó Giotto su obra que se puede considerar revolucionaria. Fue el primero en dotar a la pintura de realismo  creando la ilusión de profundidad en una superficie plana, cien años antes de la visión  perspectiva en la pintura renacentista. En las primeras obras de Giotto ya se aprecia su interés en manifestar la fisicidad, los personajes se tocan o tocan los objetos a su alrededor y también se relacionan entre sí, con miradas penetrantes, rictus en la boca y rostros dramáticos, creando escenas  mucho más próximas al espectador que las pinturas medievales predominantes.

 

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“La comprobación de los estigmas” fresco de la Iglesia Superior de Asís.

Sus temas, siempre religiosos, son tratados de una manera nueva que presagiaba el esplendor de la pintura renacentista que estaba a punto de aparecer para reinar en Europa durante más de dos siglos. El Barroco no aparecería hasta finales del siglo XVI, Caravaggio nació en 1571.

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“El jucio universal” capilla de los Scrovegni en Padua

 

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“La Epifanía” capilla de los Scrovegni en Padua
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“Expulsión de los demonios de Arezzo” en la Basílica de San Francisco en Asís.

 

Ya en su época, Giotto fue reconocido por sus contemporáneos, el propio Dante en su “Divina Comedia” (1310) le dedica unos versos en el “Purgatorio”. Dante dice así:

“Creyose Cimabue en la pintura

Ser el señor, pero hoy domina Giotto

Y la fama de aquel es hoy oscura”

 

Y también Boccaccio en su “Decamerón” (1350) dice de Giotto:

“…Él devolvió el honor al arte del pincel, caído en el abandono durante siglos por el error de algunos que más atendían a deleitar los ojos de los ignorantes que a complacer el entendimiento de los sabios y gracias a este mérito, con justicia hoy lo consideramos uno de los primeros y más grandes liminares de la gloria florentina…”

 

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Detalle de “Llanto ante Cristo Muerto” capilla de los Scrovegni, Padua

A finales del siglo XIII, cuando nació Giotto la música que se podía escuchar era monofónica, obras profanas como esta “Tempus est Jocundum” de la Carmina Burana medieval:

 

o música sacra como las Cantigas de Santa María

 

Albert·Cine·Música

ONE FROM THE HEART

En 1982, después de rozar  la gloria con los dos primeros “Padrinos” y con “Apocalipsis Now , Francis Ford Coppola,  apostó fuerte por rodar una película diferente de todo lo que se había hecho hasta entonces, no solo él, sino todos los demás. Apostó y perdió. El experimento resultó fallido…económicamente, si bien no artísticamente. Nos dejó un musical fascinante visualmente, si dejamos al margen el argumento no excesivamente original, se trata de una trama romántica de amor y desamor y poco más. Es de destacar que la película supuso un fracaso descomunal, en la crítica y en los espectadores, llevando a Coppola a la ruina.

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Pero lo que quiero resaltar aquí son algunas de las imágenes de esa película, repito fascinante, no se me ocurre otro calificativo, y sobre todo la música que la envuelve. Banda sonora compuesta por Tom Waits e interpretada por él mismo y Crystal Gayle, una música que bien vale entretenerse un tiempo en escucharla con los ojos cerrados.

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Con el tiempo, “Corazonada” (One from the heart”) ha resultado ser una película de culto, por su música, por su ambientación, la fotografía de Vittorio Storaro es impresionante, y también, porque al igual que “Las puertas del cielo” para Cimino o “Roma” para Fellini representaron un punto final por dos factores económicos, su elevado coste y su fracaso en taquillas. En los tres casos nos encontramos con tres películas extraordinarias.

Tres de los temas musicales que enriquecen esta película excepcional. El autor, Tom Waits con su voz rugosa y Crystal Gayle le da el contrapunto con una voz cristalina como su nombre.

 

 

 

 

 

 

 

Albert·Canción

“AROUND AND AROUND”

 

 

Es reconocido que uno de los pioneros del rock ‘n’ roll fue el cantante de St. Louis, Missouri,  Charles Berry, conocido como Chuck Berry. Berry, como Carl Perkins, Buddy Holly y otros cantantes norteamericanos, desde la segunda mitad de la década de los 50 ya estaban  poniendo los cimientos para la música popular de las décadas siguientes, la música rock. En 1959, Chuck Berry grabó en un single una de las canciones  emblemáticas del movimiento: “Johnny B. Goode”. En la cara B del single grabó un rock que no alcanzó, ni de lejos, la popularidad de la cara A, no obstante es un rock’n’roll muy estimable, muy auténtico y, en años posteriores, fue versionado por grupos de prestigio como Led Zeppelin, Grateful Dead e incluso David Bowie entre otros. El tema se llamaba “Around and Around” y también lo adoptaron dos grupos punteros de los años 60: Animals y Rolling Stones.

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Animals, un grupo inglés, de Newcastle, que interpretaban magníficamente blues y rock’n’roll, siendo como eran blancos y europeos. Fue un grupo relativamente efímero, con un cantante inmenso: Eric Burdon y un teclista muy bueno: Alan Price. Aparecieron en el 63 y en el 68 se disolvieron. Más adelante hubo varios intentos de volver al origen con no demasiado éxito. Suya es la versión  mas conocida de un tema popular antiguo de autor desconocido, un blues llamado “The house of the rising sun”.

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Os invito a escuchar la versión de Animals y también a ver lo que consiguen Rolling Stones con este rock. Las dos versiones son muy buenas, no obstante la fuerza y la potencia de Animals hace que su versión resulte más contundente y más rockera o así me lo parece. A partir de los 45 segundos no podréis evitar mover los pies.

 

Albert·poesía y música

EMILY DICKINSON: LA GRAN POETISA NORTEAMERICANA

Emily Dickinson fue la gran poetisa americana, probablemente la más importante de todos los tiempos. Nacida en Amherst, una localidad de Massachussets en 1830 en el seno de una prominente familia que descendía directamente de los primeros colonizadores de los futuros Estados Unidos. Su familia era estrictamente religiosa, eran protestantes puritanos, lo cual influyó en su obra poética.

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Fue muy prolífica, escribió más de 1800 poemas, si bien no se editaron más que una docena escasa. Su obra se divulgó después de su muerte, ocurrida en 1886, a los 55 años y fue su hermana menor Lavinia, amiga y consejera durante toda su vida, la que se preocupó de la divulgación de los poemas de su hermana. Sus poemas son muy originales al compararlos con los que publicaban los poetas masculinos de su época y de su país. Muy pocos tienen título, están formados por frases cortas y contundentes, sus rimas son imperfectas y la puntuación muy particular, lo contrario de la poesía oficial del siglo XIX. El tema de la muerte es recurrente, como el de la inmortalidad.

Emily Dickinson, quizás por su ambiente familiar, fue una persona muy introvertida que no tenía vida social que no fuera epistolar. Prácticamente no salía de su casa y jamás recibía visitas.  No obstante, el carácter romántico y lírico de sus poesías invitan a pensar que, a pesar de no tener apenas vida social, había conocido los sentimientos amorosos por alguien, hombre o mujer, que en realidad no existe certeza de su personalidad. Uno de los candidatos es uno de sus preceptores y otro un clérigo de su iglesia en la ciudad. El amor inspirador de su obra es un misterio muy perseguido por los historiadores literarios y actualmente cobra relevancia la figura de su cuñada, Susan,  la esposa de su hermano Austin y que vivían en una casa adyacente a la mansión familiar. Lo que es seguro es que Susan fue una de las pocas personas con las que Emily compartió sus poemas. Es probable que ella hubiera estado enamorada de los tres, quizás sucesivamente, y debido a su enorme discreción seguirá siendo un misterio por desentrañar.

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Aaron Copland fue uno de los compositores capitales de la música norteamericana del siglo XX. Merece un post por sí mismo, pero  lo menciono aquí ya que en 1950 musicó y editó doce de los poemas de Emily Dickinson. Uno de ellos, cuyo título sería el primero de los versos que dice así: “Heart, we will forget him”

Heart, we will forget him

You and I, tonight!

You must forget the warmth he gave

I will forget the light

When you have done pray tell me

Then I, my thoughts, will dim

Haste!’lest while you’re legging

I may remember him!

 

Su traducción en castellano sería así:

“Corazón, lo olvidaremos

¡Tú y yo esta noche!

Has de olvidar el calor que él daba

Yo olvidaré la luz

Cuando lo hagas por favor avísame

Y entonces yo oscureceré los pensamientos

¡No vaya, por tu mucho tardar,

A recordarle yo!

En este video podemos apreciar el poema de Emily Dickinson y la música de Aaron Copland interpretado por la soprano  Dawn Upshaw y la Saint-Paul Chamber Orchestra dirigida por Hugh Wolff.

Albert·Música

DJANGO REINHARDT “THREE FINGERED LIGHTNING”

Dentro del gran grupo musical llamado swing, en su mayor parte desarrollado por músicos americanos, encontramos un swing genuinamente europeo, más concretamente francès y gitano: Se trata del gypsy swing o gypsy jazz, conocido en Francia como jazz manouche. El nombre y su estilo característico fueron acuñados por un guitarrista belga de origen gitano llamado Jean Reinhardt, de nombre artístico Django Reinhardt.

RENDEZ-VOUS AVEC DJANGO REINHARDT

Django Reinhardt había nacido en Bélgica en 1910, en el seno de una tribu de gitanos. No aprendió música, ni siquiera sabía leer y escribir, pero tenía unes dotes naturales para la guitarra que le permitieron empezar su carrera musical muy joven. A los dieciocho años sufrió un accidente en el que se quemó una parte del cuerpo y la mano izquierda, concretamente los dedos cuarto y quinto le quedaron contraídos sin posibilidad de extenderlos, no obstante se las ingenió para superar su discapacidad creando un estilo propio de tocar las cuerdas que le dio originalidad a su música. Podía usar los dos dedos contrahechos en las primeras dos cuerdas de la guitarra para los acordes y las octavas, pero era imposible estirarlos más, ya que tenía los tendones quemados. A pesar de todo, se convirtió en un maestro de la guitarra únicamente con el uso de los dedos índice y medio.

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La formación original del Quintette du Hot Club de France

En 1934, fundó uno de los grupos europeos de jazz más prestigiosos de aquellos años: el Quintette du Hot Club de France. En el grupo tocaba el violín Stéphane Grappelli, el bajista Louis Vola y las guitarras rítmicas su hermano menor Joseph y Roger Chaput. El grupo fue el primero y el más importante de los que se dedicaron al jazz manouche. A diferencia de las bandas de jazz de entonces, solo utilizaban instrumentos de cuerda, lo que les daba un sonido característico y original.

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Anuncio de una de las actuaciones del Quintette en París

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Stéphane Grappelli

Su éxito fue fulgurante y efímero pero dejando una importante huella. Además de giras europeas se consolidaron como una de las bandas principales de un local de prestigio en Montmartre: La Grosse Pomme. Fue un éxito efímero ya que en 1939, con la irrupción de la Segunda Guerra Mundial el grupo se disolvió. En el 46, al terminar la contienda, se volvieron a reunir Grappelli y Django en el Quintette pero en un grupo diferente y dos años después se terminó definitivamente. Grappelli continuó en solitario con éxito hasta el 97. Django terminó mucho antes, en 1953, a los 43 años una hemorragia cerebral se lo llevó a la tumba. Había seguido con su música colaborando con jazzman americanos, como Ray McKinley, Peanuts Hucko o el mismo Duke Ellington y nos dejó en el recuerdo una música excepcional, con su forma de tocar tan original a pesar de sus dos dedos heridos y también dejó como legado su influencia en una serie de guitarristas que, en los años por venir,  le tomaron como modelo: Jeff Beck de Yardbirds, Jerry García de Gratful Dead’ o Denny Laine de Wings, fueron algunos de los guitarristas que en los años 60 y 70 encontraron su inspiración en el guitarrista manouche Django Reinhardt “three fingered lightning”.

Una de las actuaciones del Quintette du Hot Club de France con un clásico de la canción francesa de los años 30 “J’attendrai”. Se puede ver muy bien el estilo único de Django para tocar la guitarra con solo tres dedos en la mano izquierda.

 

En Holanda en 1937 en una competición de grupos de jazz. El Quintette actúa en segundo lugar. Se puede apreciar la diferencia entre dos bandas de jazz clásico con instrumentos de viento y el “gypsy jazz” de Django y su grupo, más alegre y ligero.

 

Una de sus composiciones más celebradas “Minor Swing“, un mano a mano de la guitarra de Django y el violín de Grappelli.

 

En 1999, Woody Allen, se inspiró en Django Reinhardt para su película “Sweet and Lowdown” protagonizada por Sean Penn.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Albert·poesía y música

THE BLUE BIRD

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Mary Elizabeth Coleridge fue una poetisa británica de finales del siglo XIX. Entre sus ascendientes ilustres se encuentra el poeta romántico Samuel Coleridge y la escritora Sarah Coleridge.

Influenciada por Robert Browning y Lord Tennyson escribió cinco novelas. ensayos y poesía romántica.

 

Uno de sus poemas “The Blue Bird” fue musicado por el compositor irlandés Charles Villers Stanford.

The lake lay blue below the hill.
O’er it, as I looked, there flew
Across the waters, cold and still,
A bird whose wings were palest blue.

The sky above was blue at last,
The sky beneath me blue in blue.
A moment, ere the bird had passed
It caught his image as he flew.

 

El lago yacía azul bajo la colina.
Encima, mientras miraba, volaba
Cruzando las aguas, frías y tranquilas,
Un pájaro con alas del azul más pálido.

Arriba el cielo era azul por fin
El cielo debajo de mí azul en el azul.
Un momento, antes que el pájaro hubiera pasado
Atrapé su imagen mientras volaba.

 

Versión de: The Choir of Gonville and Caius College, Cambridge

 

Albert·Pintura

MODIGLIANI: UN PINTOR ÚNICO

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Dedo era un joven inquieto y enfermizo que andaba por  las calles de Liorna (Livorno) a finales del siglo XIX. Nacido en 1884 en el seno de una familia de ascendencia judía sefardí, Dedo no era buen estudiante, pero sí que destacaba con el pincel, el lápiz o el carboncillo, así que en 1899 renunció definitivamente a la educación para dedicarse en cuerpo y alma a plasmar imágenes sobre el papel y las telas. Estaba iniciado en el movimiento pictórico florentino conocido como los “machiaioli”, nombre escogido como consecuencia de que la crítica oficial les acusaba de pintar a base de manchas (macchie). Poco después sufre consecutivamente un ataque de tifus y a continuación aparece, por primera vez, la enfermedad que le causará la muerte a los 35 años, en París: la tuberculosis.

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Doctor Paul Alexandre, uno de sus primeros amigos al llegar a París

Dedo era su nombre familiar pero su nombre real era Amedeo Clemente Modigliani y es reconocido, después de su muerte,  como un pintor único y de los más originales del siglo XX. De Modigliani decía un crítico de arte contemporáneo (F. Carco “L’Eventail” 15-7-19):

“Ha podido decirse de Modigliani que sus deformaciones no chocan ya con el sentido que tenemos de nuestra propia imagen. Lo cual no significa que Modigliani renuncie a las tendencias propias de su arte. Simplemente, ha profundizado en los recursos que un pintor puede hallar en su paleta y los ha hecho realidad. Ahí radica el origen de la evidente revolución de su pintura. Y hasta diría de la elevación de su pintura”

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Jean Cocteau
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Jeanne Hèbuterne

 

 

 

 

 

 

 

Y es que su pintura era diferente de toda la demás.

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A los 22 años llega a París, el centro de la vanguardia artística del mundo en los primeros años del siglo. Allí recibe influencias decisivas para su arte: Cezanne, Picasso, Toulouse-Lautrec y la crema de la intelectualidad. También Klimt, Utamaro, el arte oriental y el africano.

En 1909 conoce a Brancussi y en ese contacto se despierta la que podría ser la verdadera y profunda vocación de Dedo: la escultura. Durante cinco años abandona la pintura y se dedica apasionadamente a esculpir unas figuras extremadamente originales, la mayoría de ellas en piedra arenisca y representando cabezas y algunas cariátides. Son figuras muy estilizadas que recuerdan las imágenes procedentes de pueblos primitivos que estaban de moda en los círculos elitistas parisinos. Finalmente abandona la escultura probablemente por el efecto nocivo que tenía el polvo mineral sobre sus pulmones ya muy afectados por la tisis.

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Desde entonces hasta el final de su vida, en enero de 1920, coincidiendo con los años penosos de la Gran Guerra, no había lugar a encargos de retratos, en los que era especialista, además de los famosos desnudos, por lo que se dedicó a retratar amigos, colegas pintores, gente afin que toleraban sus frecuentes extravagancias. Pintó apasionadamente a las mujeres que convivieron con él principalmente a su gran amor: Jeanne Hébuterne, la joven que conoció en 1917 con dieciocho años y que fue la madre de su única hija, Jeanne y estuvo con él hasta más allá de su muerte. Jeanne Hébuterne se suicidó tirándose al vacio cuando volvió del funeral del pintor.

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Jeanne Hèbuterne

No hay certeza absoluta en cuanto al catálogo de sus obras. A pesar de los pocos años en los que desarrolló su actividad, constan como pinturas suyas más de 300, la inmensa mayoría retratos, solo constan cuatro paisajes de la Costa Azul y una treintena de desnudos relacionados con los retratos.

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Autoretrato

El estilo de Modigliani basado en un diseño lineal alargado, que también se aprecia en sus esculturas y su vida romántica y llena de problemas económicos, su enfermedad tan característica del romanticismo, dieron a Modigliani una personalidad excepcional en el marco de la pintura moderna. Su obra, al margen de las corrientes de éxito en su época (cubismo, futurismo, dadaísmo, surrealismo) ha perdurado hasta nuestros días siendo más apreciada que muchos de sus amigos pintores de éxito en el París que conoció.

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Curiosamente sus pinturas más valoradas son sus desnudos y se dio la circunstancia de que, en diciembre de 1917, la primera exposición individual de sus pinturas, en la galería Berthe Weill, causó un gran escándalo por sus desnudos y la policía judicial los retiró.

 

 

 

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Desnudo echado con los brazos abiertos

 

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Desnudo sentado

 

 

Dedo, está enterrado en el cementerio parisino de Père Lachaise junto con su compañera Jeanne Hèbuterne. En su lápida se puede leer “Le sorprendió la muerte cuando alcanzaba la gloria” y “Compañera devota hasta el último sacrificio”

Jeanne Hèbuterne estaba embarazada de nueve meses.

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Primera exposición póstuma en 1925 en la galería Bing
Albert·poesía y música

“LA TARDE ES UNA LÁGRIMA” : ANTONIO COLINAS

Por donde va el amor crujen las hojas y una lágrima viva empaña el aire”

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La tarde es una lágrima

Te veo sentada frente al horizonte
un cárdeno perfil de cicatrices,
el encinar herido por heridas,
el tomillo que embriaga los sentidos
y una flauta que suena interminable.
No volverá, no volverá, lo dice
la lágrima que cae de tu ojo, el dolor
musical, luminoso de tus huesos.
Se deshará tu brava cabellera;
se pudrirán tus manos
y el recuerdo amoroso que contienen,
más la lágrima de la tarde,
eterna durará para negaros,
para negaros.

 

En la poesía española del siglo XX se encuentra una generación, la llamada de los “novísimos” (término acuñado por Josep María Castellet editor y poeta). Se trata de la generación nacida después de la Guerra Civil  y cuya obra se desarrolló en la década de los 60, en plena efervescencia de la renovación contracultural. Autores como Vázquez Montalbán, Leopoldo Panero, Vicente Molina Foix o José María Álvarez entre otros emprendieron una especie de evolución de la poesía “oficial” que desarrollaba la generación anterior, la llamada de los “50” los Gil de Biedma, Ángel González, Rafael Guillén, Goytisolo y muchos más.

Las características de los “Novísimos”, lo que constituía su aportación era una apuesta decidida por el culturalismo apoyándose en la contracultura pop que estaba triunfando en Europa (Mayo del 68). Eran partidarios de la libertad formal, de la escritura automática e influenciados por el auge de los medios de comunicación, especialmente por el cine. Aceptaban el ascendente de algunos de los poetas culturalistas extranjeros como Kavafis, Octavio Paz, Ezra Pound o T.S. Elliot y también algunos de lengua castellana más mayores como Gil de Biedma, Cernuda o Vicente Aleixandre y, por supuesto, los surrealistas franceses que, aun siendo más antiguos, eran fuente de inspiración, Paul Elouard, Louis Aragón e incluso Apollinaire que ya hacía medio siglo que había fallecido.

Antonio Colinas es un poeta leonés nacido en el 46. Se le identifica como uno de los “novísimos” pero tiene un estilo personal y más bien clásico. Su obra es equilibrada entre la emoción y la meditación y también ética sin renunciar a la estética.
“La poesía es como una grieta a través de la cual se ve la realidad” o “la poesía es un viaje al silencio” son dos de sus frases definitorias.

Empezó a publicar poesía en 1969 con “Poemas de la tierra y de la sangre” y “Preludios a una noche total”  y sin dejar de hacerlo hasta el año 2014 con “Canciones para una música silente”. Destaca especialmente como un punto de inflexión en su estilo poético la edición de “Sepulcro en Tarquinia” del año 1975.

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Colinas es un autor prolífico, tiene publicadas cinco novelas, numerosos ensayos, traducciones del italiano (especializado en Leopardi) y del catalán, así como colaboraciones puntuales en la prensa escrita.

Sus poemas son densos, dando relevancia al lenguaje, sus preocupaciones: el amor, el tiempo, el dolor y la muerte y sus motivos simbólicos recurrentes: la noche, la piedra, la música y los sueños, consiguen desencadenar emociones en el lector.

 

 

 

MADRIGAL PARA SUPLICAR TU VOZ

Está tensa la noche sobre los pinos cálidos

Y más calenturienta está la tierra, amor.

También a otoño saben tus labios en la sombra.

Háblame a media voz, dime qué hay por el cauce

sonoro de tus venas. Si es el pozo más hondo

de tu hermosura virgen en él me perderé.

Es un espejo el cielo, es una suave cúpula.

Aquí, sobre tu piel, también supura el pino,

deja su denso aroma,  su plenitud, su llama.

Por el recuesto, amor, pasa lenta la noche

su mano de penumbra. Y el aire, solitario,

gime entre las acículas, las conmueve, las mima.

¡Desconsolado viento, cómo roza tu pecho

con su perfume, cómo lo llena y lo sofoca!

Pero, ¿qué importa el viento, su sollozo en las hojas?

¿qué importa el astro puro, el sueño de la noche?

Si llegara el invierno enjaezado de oro

no serviría, amor, para calmar mis ansias.

Sólo tu voz podrá remansarme la sangre.

Tu voz, el más sutil de los vientos, el fruto

más maduro y gustoso de este otoño encendido.

 

 

Erik Satie, compositor y pianista francés de finales del siglo XIX y principios del XX. Se considera precursor del minimalismo y del impresionismo. Fue un músico revolucionario en su época y poco comprendido.  Se relacionó con el surrealismo y el dadaísmo. Actualmente está reivindicado y considerado  como un músico influyente en la música del siglo XX y XXI.

 

Gnosienne num. 1 de Eric Satie