Albert·Literatura

SHERLOCK HOLMES O “EL DETECTIVE”

SHERLOCK HOLMES: INVESTIGADOR DEL SIGLO XX

En 1887, la editorial británica Ward, Lock & Co. publicó en su revista Beeton’s Christmas Annual, una historia de misterio escrita por un autor escocés desconocido: Arthur Conan Doyle. La historia se llamaba “Un estudio en escarlata” y en ella aparecía un personaje que, con el tiempo, sería universal: Sherlock Holmes.
Un año más tarde, la misma editorial, la publicó en formato de novela cobrando el autor 25 libras esterlinas por todos los derechos.

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Arthur Conan Doyle era médico de carrera y aficionado a la escritura. Hasta la aparición de “Un estudio en escarlata” apenas tenía obra publicada. Como consecuencia del éxito popular de su personaje, decidió continuarlo escribiendo tres novelas más y cincuenta y seis narraciones cortas teniendo como protagonistas a Holmes y el Doctor Watson.

 

 

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Arthur Conan Doyle

sherlock 15Holmes es el arquetipo de investigador que utiliza preferentemente su inteligencia y su capacidad de observación y deducción para solucionar los complicados casos que se le presentan. Influyó decisivamente en la ficción detectivesca desarrollada a lo largo del siglo XX.

 

 

 

 

sherlock 6El escritor creó a su personaje con unas características determinadas que le hicieron popular, muy querido por los lectores: excéntrico, misógino, excelente actor y también boxeador, toca un Stradivarius con maestría, experto químico y ligeramente cocainómano (cuando se aburre). El compañero de Holmes, el Dr. Watson, médico militar, es su contrapunto: racional, lógico y enamoradizo. Se da la circunstancia que Doyle le da el papel de cronista de la mayoría de las historias holmesianas, con la excepción de cuatro. Vemos a Holmes a través de Watson, es su punto de vista el que nos llega por lo que se trata de un personaje mediatizado por otro. En la primera novela “Un estudio en escarlata” encontramos la descripción física de Sherlock en boca del Dr. Watson que lo describe así: “Su estatura sobrepasaba los seis pies, y era tan extraordinariamente enjuto, que producía la impresión de ser aún más alto. Tenía la mirada aguda y penetrante, […] y su nariz, fina y aguileña, daba al conjunto de sus facciones un aire de viveza y de resolución”.

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Basil Rathbone uno de los interpretes de Sherlock en el cine

 

 

 

 

 

Conan Doyle no solo escribió las aventuras de Holmes, su obra es extensa incluyendo temas de ciencia ficción, novela histórica, poesía y teatro. En relación con su personaje estrella se da la circunstancia de que, en pleno éxito, se encontró agobiado por el personaje y decidió acabar con él, en el relato “El problema final” describe su muerte a manos de su archienemigo, el doctor Moriarty. Fue tal la presión que tuvo que sufrir por parte de sus lectores que, después de diez años de aguantar súplicas y amenazas, lo hizo reaparecer en el relato “La casa vacía”, al parecer la decisión consensuada por parte de miles de seguidores de llevar un crespón negro en el sombrero fue decisiva para la resurrección del mítico personaje.

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La “muerte” de S. Holmes

Sherlock Holmes y el Dr. John Watson son dos iconos literarios y mediáticos, son personajes reconocibles en gran parte gracias a los dibujos de Sidney Paget que ilustraban las primeras ediciones.

 

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Comic book, Classic Comics No. 33: The Adventures of Sherlock Holmes, Gilberton Company. 2013.0086.061.

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El personaje ficticio vivía en Londres, en el número 221b de Baker Street. En el mismo lugar se puede encontrar un museo con recuerdos de sus aventuras.

 

 

Sherlock Holmes nació en una revista de finales del siglo XIX pero se trata de un personaje completamente del siglo XX. Son incontables las versiones sobre él, en todos los medios audiovisuales: Cómics, Seriales de Radio y Televisión y por descontado películas. Es un personaje sumamente cinematográfico y, al igual que otros arquetipos literarios universales, como Tarzán o Drácula, tiene cuerda todavía.

Albert·Música

THE WHO Y LA OPERA ROCK

Y de qué grupo estamos hablando? Pues de uno de los mejores y más influyentes de los años 60 y 70 y según algunos críticos el mejor grupo de rock en directo. Su nombre “The Who

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. Los miembros originales Pete Townshend a la guitarra, Keith Moon a la batería, John Enwistle al bajo y Roger Daltrey cantando se mantuvieron siempre unidos y solo les separó la muerte de Keith Moon en el 78 y la de Enwistle en el 2002, el grupo (Daltrey y Townshend) ha seguido actuando hasta nuestros días con músicos de refuerzo si bien a partir de 1982 con altibajos.

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En su comienzo, The Who fue adoptado como grupo emblema por las tribus “mod” que reinaban entre la juventud británica de los 60. Este fenómeno quedó reflejado perfectamente en su segunda ópera-rock “Quadrophenia”.
Una de las características del grupo fue su afición a destruir parte del instrumental utilizado en cada concierto. Guitarras, baterías y amplificadores eran destruidos ante el público al término de los conciertos. Podría haber sido simplemente un truco publicitario aunque también alegaban que su arte podía considerarse como arte efímero o autodestructivo.

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El album “Tommy” su primera Opera Rock
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Su segunda Opera Rock

 

 

 

 

 

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El  batería: Keith Moon

Fue un batería genial. Considerado por la crítica musical como uno de los mejores, si no el mejor, batería de la historia del rock.

Moon destacaba por su forma diferente de tocar la batería. Su rapidez endiablada en los redobles, sus dos bombos que tocaba con ambas manos y el golpeo salvaje de los platillos daba a la música de The Who un sonido inconfundible.

Keith Moon era conocido por su carácter destructivo. Le llamaban Moon the loon (Moon el loco). Era destructivo en el sentido literal. Le gustaba sorprender con explosivos. A veces los colocaba en el interior de los bombos de su batería y los explosionaba al final del concierto Lo que le gustaba más eran las explosiones en los lavabos. Tanto es así que The Who tuvieron la entrada prohibida en la mayoría de las grandes cadenas hoteleras de los Estados Unidos.

Moon llevaba un estilo de vida muy inusual. Asoló habitaciones de hoteles, las casas de sus amigos y hasta su propia casa, tirando los muebles por las altas ventanas y prendiéndole fuego a los edificios.

No solo era destructivo con los inodoros y las baterías sino también consigo mismo. Su adicción al alcohol le llevo a la ruina física y falleció por un exceso de sedantes para combatir su alcoholismo exacerbado. Falleció en 1978 a los 32 años, en el punto culminante del éxito de su grupo. En el cementerio de Golders Green, en Londres, sus compañeros pusieron una placa con un sencillo y contundente epitafio: “There is not substitute” (No hay sustituto).

 

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El guitarra solista: Pete Townshend

 ¿Y quién es Pete Townshend? Pues es uno de los mejores guitarristas de rock de la historia. Compositor de la mayoría de las canciones originales de su grupo y de tres ópera-rock, dos de ellas muy conocidas y llevadas al cine: “Tommy” y “Quadrophenia”.

Peter Dennis Townshend había nacido en Londres y sus padres se dedicaban a la música, su padre saxofonista y su madre cantante. A principios de la década de los 60 formó el grupo en el que se mantendría toda su vida: The Who. 

Townshend, además de ser un magnífico compositor y guitarrista (era famoso por el movimiento de sus brazos como aspas de molino) se dedicó a la escritura toda su vida, como crítico de música en “Mélody Maker”, guiones, ensayos e incluso desarrolló una labor como editor en Faber and Faber

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El vocalista: Roger Daltrey

 Roger Harry Daltrey, nacido en Londres en 1944​, está en el grupo desde su fundación, como guitarrista y muy pronto como líder, compositor  y vocalista hasta hoy. Paralelamente se ha labrado una carrera muy completa como actor de cine trabajando en la industria cinematográfica, tanto en la producción de películas como en la actuación, y ha participado en obras de teatro y en televisión.

Daltrey procedía de una familia de clase trabajadora,  Como cantante, en los primeros tiempos de la banda, era muy enérgico con su voz y sus movimientos, Con el tiempo se fue moderando por sus problemas de laringe pero siempre ha sido la cara visible de The Who. No destruía instrumentos como los demás, solo hacía girar el micrófono y nunca tomó drogas adictivas.

Además de cantar, en caso necesario tocaba la armónica, como en Baba O’Riley.

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El bajista: John Entwistle

John Alec Entwistle, nacido en Londres en octubre de 1944. Fu miembro de The Who desde el principio y era el único de sus miembro con formación musical, tocaba el bajo. Entwistle logró hacer que el bajo subiera de categoría dentro del grupo, convirtiéndolo en un instrumento capaz de tener vida propia aportando un sonido diferente e identificable en las canciones donde participaba.Su técnica influyó en muchos de los bajistas contemporaneos y posteriores como Geddy Lee de Rush, Steve Harris de Iron Maiden, Michael Anthony de Van Halen o Adan Clayton de U2.

En 2011, la revista musical Rolling Stone seleccionó, a través de una encuesta a sus lectores, a Entwistle, como el mejor bajista de la historia de la música popular.

A partir de 1971, Entswistle fue el primero de los miembros del grupo en seguir una carrera musical en solitario, sin dejar de participar con el grupo. Era un músico hiperactivo y emprendió diversos proyectos personales y con otras bandas, hasta su muerte en el 2002, probablemente por sobredosis de cocaína.

 

 

En este video tocan su primer éxito “I Can’t explain”, grabado en 1964 y se ven unos Who muy primerizos, con una estética similar a los grupos contemporáneos: Kinks, Beatles, Animals o Rolling Stones

En el segundo ya es el grupo arrollador, sobretodo en el directo, con una versión de “Baba O’Riley” grabada en los Estudios Shepperton en 1978, muy conocida por ser la sintonía de la serie CSI New York. Catorce años separan las dos actuaciones.

 

Albert·cine y literatura

CINE Y LITERATURA: “EL EXORCISTA” UNA HISTORIA TERRORÍFICA

Exorcismo es el ritual religioso o espiritual que se realiza con la finalidad de expulsar una fuerza maligna que se ha instalado en una persona sometiéndola y controlándola en contra de su voluntad. La fuerza maligna puede ser un demonio o un espíritu que se mueve y habla a través de la víctima.

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San Francisco de Asis exorcisando a los demonios en Arezzo (Giotto)

El ritual consiste en la repetición de oraciones y el uso de objetos sagrados que puedan repeler al ente maligno, como agua bendita o reliquias.
En el evangelio se encuentran varios episodios de exorcismo, lo cual da legitimidad a los rituales practicados por miembros de la Iglesia Católica con la finalidad de expulsar a las fuerzas malignas del poseído.

 

 

 

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San Francisco de Borja exorcisando (Goya)

 

 

 

 

 

 

En 1972, un escritor norteamericano llamado William Peter Blatty publicó una novela sobre un tema vidrioso y poco conocido: el exorcismo.
Su novela se llamaba “El exorcista” y estaba basada en un hecho real ocurrido en Maryland en 1949 y enseguida se convirtió en un éxito de ventas.

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William Peter Blatty

William Peter Blatty fue un escritor  más interesado por el cine que por la literatura. Escribió varios guiones cinematográficos en la década de los 60 aunque es más conocido por su éxito literario “El exorcista” que empezó a escribir en los años 50 y publicó en 1972 convirtiéndose en uno de los best sellers de la dècada. Más adelante escribió algunas novelas que no alcanzaron el éxito de la primera.

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En 1973, En Hollywood deciden llevar a la gran pantalla la novela de Blatty, para ello lo contratan como guionista de su propia novela y escogen a un joven y prometedor realizador para que la dirija: William Friedkin.

Friedkin se hizo un nombre en Hollywood gracias a su película “The French Conection” (en España conocida como “Contra el imperio de la droga”) filmada en 1971 y con la que había renovado las características  del cine policíaco.  La película de 1973 se llamó igual que la novela: “El exorcista” y constituyó un éxito mundial, siendo considerada la mejor película de terror desde la aparición del cine sonoro. Sólo “El resplandor” de Stanley Kubrik se le puede comparar. Al igual que Blatty, después de “El exorcista”, la obra de William Friedkin no se puede considerar exitosa.

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William Friedkin

Después de la explosión cinéfila de esta película, un tema, el del exorcismo, que no había formado parte de los mitos terroríficos cinematográficos creó escuela siendo innumerables las secuelas posteriores sin llegar a alcanzar la excelencia de la película de Friedkin.

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Hay una lectura de género en la historia, una lectura feminista, tanto en la novela como en la película. En la revista de cine “Dirigido” del mes de julio de 2017, Luis Pérez Ochando da las pistas de por dónde pueden ir los tiros al respecto cuando dice:
“Podemos entender que la entrada del demonio en el hogar sucede en ausencia de la ley del padre –la madre es agnóstica, soltera y profesional de éxito- y que solo puede ser expulsado trayendo a la casa el orden patriarcal por antonomasia: la Biblia en manos de dos sacerdotes”
La historia que subyace en la película que vemos y el libro que leemos es la de una niña a un paso de la adolescencia que se resiste a convertirse en una buena chica convencional y respetuosa siguiendo los pasos de su madre, modelo perfecta pero a la que ella no quiere parecerse y se revuelve con todas sus fuerzas contra los símbolos de la cultura patriarcal.

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El director con la niña protagonista (Linda Blair)

 

“El exorcista” es una muy buena película y consiguió generar mucho miedo en los espectadores de la generación de los 70-80 manteniendo su vigencia hasta nuestros días.

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Albert·Literatura

OULIPO: LA LITERATURA DIFERENTE

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Miembros de Oulipo en Boulogne en 1975

OuLiPo (acrónimo de «Ouvroir de littérature potentielle») es un grupo de experimentación literaria que se creó entre la intelectualidad francesa, en 1960 y su objetivo era la creación de literatura utilizando técnicas de escritura limitada (Littérature à contraintes).Se trataba de aplicar sobre el material propio de la literatura, es decir, las palabras, conceptos matemáticos para encontrar todas las posibilidades potenciales de la literatura. Entre otros destacaban como miembros del grupo: Raymond Queneau, Georges Perec, Italo Calvino e incluso Marcel Duchamp.

Es un movimiento que tiene sus raíces en el surrealismo y la patafísica. La patafísica se basa en el principio de la unidad de los opuestos, y se vuelve un medio de descripción de un universo complementario, constituido de excepciones. En el universo patafísico todo es anormalidad y la regla es la excepción de la excepción. La regla es lo extraordinario, y eso explica y justifica la existencia de la anormalidad.

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Una de las bases de la literatura potencial está dada por las llamadas constricciones, normas que el propio autor se impone en el momento de la creación. Marcel Benabou, miembro del grupo desde 1970, define al autor oulipiano como “una rata que se construye ella misma el laberinto del cual se propone salir”, un laberinto compuesto “de palabras, sonidos, frases, párrafos, capítulos, bibliotecas, prosa, poesía y todo eso”.

Dos de los casos más conocidos de escritura con constricciones son las novelas La Disparition (1969) y Les Revenentes (1972), de Georges Perec. La primera está escrita solo con palabras que no incluyen la letra e, la más frecuente en el idioma francés. La segunda es su contrapunto: no incluye ninguna vocal más que la e.

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Raymond Queneau

Uno de los fundadores del Oulipo y miembro del Colegio de Patafísica fue Raymond Queneau, nacido en Le Havre (Normandía) en Febrero de 1903..

La obra literaria de Queneau es considerable y desde el principio tuvo una tendencia iconoclasta y rebelde con respecto a la literatura convencional. Paralelamente escribía poesía, artículos para la prensa intelectual, novelas breves y novelas más extensas e incluso una de ellas, del género de humor negro: “Zazie en el metro” fue llevada al cine por Louis Malle. Pero quizás su obra más personal y la que destaca  por encima de todas es su seminal “Ejercicios de estilo” publicada en 1947, en la que se trataba de relatar un incidente absolutamente trivial de 99 formas literarias o “estilos” diferentes.  El incidente trivial al que Queneau dio 99 formas diferentes como si de un poliedro literario se tratara es el siguiente:

Una mañana a mediodía, junto al parque Monceau, en la plataforma trasera de un autobús casi completo de la línea S (en la actualidad el 84), observé a un personaje con el cuello bastante largo que llevaba un sombrero de fieltro rodeado de un cordón trenzado en lugar de cinta. Este individuo interpeló, de golpe y porrazo, a su vecino, pretendiendo que le pisoteaba adrede cada vez que subían o bajaban viajeros. Pero abandonó rápidamente la discusión para lanzarse sobre un sitio que había quedado libre. 
Dos horas más tarde, volví a verlo delante de la estación de Saint-Lazare, conversando con un amigo que le aconsejaba disminuir el escote del abrigo haciéndose subir el botón superior por algún sastre competente.

 

Y eso es todo, nada más. Cuesta creer que sobre un escrito tan sencillo y con tan poco interés literario se pueda jugar con las palabras, las frases y las expresiones de la manera que el autor lo hace y es asombroso, pero consigue explicar lo mismo 99 veces todas ellas diferentes.

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Georges Perec, judío nacido en París en marzo de 1936, más joven que Queneau, fue un escritor prolífico, de los más importantes del siglo XX. Tocó todas las teclas literarias de su tiempo: teatro, poesía, novela, ensayo, guion, artículos de prensa, juegos verbales y lingüísticos, incluso cine y música. Formó parte de Oulipo desde 1967 hasta su fallecimiento en el 82.

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George Perec

Su obra se basa en experimentar estimulado por ciertas limitaciones formales y con el propósito decidido de no repetir la misma idea en dos libros diferentes. Su obra aspira a ser realista. Para Perec el estilo es más importante que la trama. Se trata de un escritor que basaba su obra en sus vivencias, en sus recuerdos pero también en objetos artificiales creados por el hombre urbano resaltando el detalle por encima del conjunto y dando especial relevancia al espacio en sí mismo y el lugar que ocupan las personas y las cosas en él. Perec se sirve de toda clase de recursos literarios: anagramas, hipogramas, metáforas o polisemias entre otros. En una de sus novelas, quizás la más significativa: “La vida instrucciones de uso” publicada en 1978, Perec desarrolla una estructura muy compleja con 99 capítulos, 167 personajes principales y más de 1300 secundarios. Se trata de la descripción de las vidas pasadas, presentes o incluso futuras de los habitantes de un imaginario inmueble parisino compuesto de 100 estancias. La selección de las historias de las gentes y de los espacios que ocupan está basada en los rompecabezas y los saltos del caballo en un tablero de ajedrez.

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Como podemos imaginar se trata de una novela cuya estructura no tiene nada que ver con la de una novela convencional, no obstante estamos ante una obra de culto, una obra maestra considerada en Francia como una de las más importantes del siglo XX y absolutamente oulipiana.

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Italo Calvino

Italo Calvino, fue un periodista y escritor nacido en Cuba en 1923 de familia italiana. Su relación con Oulipo no fue fundacional como Queneau ni vocacional como Perec. Si bien siempre había desarrollado su obra literaria bajo el prisma de las fábulas y los cuentos populares no fue hasta finales de la década de los sesenta, cuando ya se acercaba a los cincuenta años, que dejando a un lado el neorrealismo de sus principios y la fantasía entró en el mundo oulipiano a través del tarot en “El castillo de los destinos cruzados” y “La taberna de los destinos cruzados”, a través del juego combinatorio en “Las ciudades invisibles” y principalmente con su obra principal “Si una noche de invierno un viajero…” que es pura metaliteratura oulipiana. En esta obra de diez capítulos, Calvino desarrolla un juego en el que el autor reta al lector en la búsqueda imposible de la realidad a modo de una “Mil y una noches” del siglo XX.

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Oulipo no es un movimiento multitudinario, de hecho solo pertenecen al grupo aquellos escritores o intelectuales aceptados por sus miembros siendo la mayoría de habla francesa y desde su fundación el número de oulipianos no supera los cuarenta miembros y muchos ya fallecidos. Es de destacar que hay solo dos miembros cuya lengua es el castellano: el argentino Eduardo Berti y el español Pablo Martín Sánchez. Todos los miembros se comprometen a no afiliarse a ninguna vanguardia literaria.

Albert·Música

“HIGH HOPES” UNA CIERTA DESPEDIDA DE PINK FLOYD

“High Hopes” es una canción de Pink Floyd compuesta en 1994 por David Gilmour y su esposa Polly Samson publicada en el último disco de estudio de la banda: “The Division Bell”. La letra de la canción habla de las cosas que se han ganado y que se han perdido en la vida, dentro del universo Pink Floyd y desde el punto de visto autobiográfico de Gilmour. La historia de la banda, su éxito mundial y su rompimiento final. Fue la última canción escrita por la banda hasta  “Louder than words”  escrita en 2014.

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Los cinco componentes originales de Pink Floyd: Nick Mason, Syd Barrett, Roger Waters, Richard Wright y en primer término David Gilmour

Las últimas palabras “The endless river, forever and ever” (El rio sin fin para siempre jamás) enlazan con el álbum escrito veinte años después y que se llama exactamente asi; “The endless river”. Este álbum contó con la participación de Richard Wright si bien fue publicado después de su fallecimiento en 2008 y constituyó un homenaje a su memoria.

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Esta es una grabación del 2006 en la que participan dos de los antiguos miembros de Pink Floyd: David Gilmour (Guitarra y voz solista) y Richard Wright (teclados), les acompañan Guy Pratt en el bajo, Jon Carin en los keybourds, Phil Manzanera en la guitarra acústica y Steve Distanislao en la batería. .

 

 

Grandes esperanzas (High Hopes)

 

Más allá del horizonte del lugar donde vivíamos cuando éramos jóvenes

En un mundo de imanes y milagros

Nuestros pensamientos vagaban constantemente y sin límites

El sonido de la campana de división había comenzado

 

A lo largo del largo camino y en la calzada

¿Todavía se encuentran allí en el Corte?

Una banda desaliñada nos seguía los pasos

Corriendo antes de que el tiempo nos dejara sin sueños

Dejando a la miríada de criaturas pequeñas tratando de atarnos al suelo

Hacia una vida consumida por la lenta decadencia

 

La hierba era más verde

La luz era más brillante

De amigos rodeados

Las noches de maravilla

 

Mirando más allá de las brasas de los puentes que ardían detrás de nosotros

Para atisbar lo verde la otra orilla

Dando pasos adelante y retrocediendo sonámbulos

Arrastrados por la fuerza de alguna marea interior

A una altitud superior con bandera desplegada

Llegamos a las alturas vertiginosas de aquel mundo soñado

 

Lastrado para siempre por el deseo y la ambición

Todavía hay hambre insatisfecha

Nuestros ojos cansados vagan por el horizonte

Aunque por este camino hemos estado tantas veces

 

La hierba era más verde

La luz era más brillante

El sabor era más dulce

Las noches de maravilla

De amigos rodeados

La niebla del amanecer brilla

El agua que fluye

El río sin fin

Para siempre jamás.

Albert·Poesía

K.P. KAVAFIS, EL VIEJO BARDO DE ALEJANDRÍA

“…en esos pequeños cafés a los que solía ir Balthazar con el viejo poeta de la ciudad…”

En una de las páginas iniciales de “Justine” (primer libro de la tetralogía de Lawrence Durrell “El cuarteto de Alejandría”) se menciona por primera vez uno de los pocos personajes reales de la obra literaria. Se trata de Konstantin Petrou Kavafis.

 

Más adelante, Durrell dibuja un poco más al poeta diciendo asi: “…sentía al viejo a mi alrededor, por así decirlo, impregnando las sombrías callejuelas que se abrían en torno a la sala de conferencias con el olor de aquellos versos destilados de sus amores miserables y sin embargo enriquecedores, amores quizá conseguidos con dinero, fugaces, pero que seguían viviendo en sus versos; ¡con cuanta paciencia y ternura había capturado el minuto de la realización para fijarlo con colores indelebles! ¡Qué impertinencia hablar de un cronista que con tanta naturalidad, con un instinto tan seguro había convertido en tema de su obra las calles y burdeles de Alejandría! Y hablar, además, no a un público de vendedores de tienda y pequeños empleados –a los que él había inmortalizado- sino a una digna asamblea de señoras de la sociedad para quienes la cultura que el viejo poeta había representado era una especie de banco de sangre: ellas habían ido para una transfusión. Para eso muchas había rechazado una partida de bridge, aunque supieran que en lugar de sentirse enaltecidas saldrían de allí estupefactas.”

    

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El 29 de abril de 1863, nacía en Alejandría, en el seno de la importante comunidad griega un poeta llamado Konstantin Petrou Kavafis y, por una casualidad del destino, el día que cumplía exactamente setenta años, es decir el 29 de abril de 1933 fallecía, también en Alejandría.
En vida no pasó de ser un funcionario normal de las Obras Públicas egipcias, concretamente en la Sección de Agua de Riego. También se dedicó al periodismo.
Su obra literaria es poética publicando algunos de sus poemas por su cuenta y obsequiándolos a quien considerara que se lo merecía.

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Kavafis era obsesivo en la perfección del lenguaje de su obra. A algunos de sus poemas no los consideró terminados, a veces hasta ocho o diez años desde su inicio. Ciento cincuenta y cuatro poemas constituyen la “obra canónica”, los poemas que él consideró acabados en su perfección. El resto de su obra, a su juicio, no tenía todavía la forma definitiva.
Fue después de fallecer cuando su obra adquirió trascendencia convirtiéndole en uno de los poetas más importantes del siglo XX y responsable del renacimiento literario de la lengua griega moderna, un tanto olvidada en aquella época.
Su reconocimiento en el mundo cultural anglosajón se debe principalmente a dos escritores de prestigio: E.M Forster y Lawrence Durrell
Forster divulgó profusamente sus poemas en toda Europa y, como decía al principio,  en el libro más conocido de Durrell “El cuarteto de Alejandría” Kavafis es una presencia constante como personaje y como inspirador poético.

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En algunos de los poemas de Kavafis aparece la atracción sexual claramente homoerótica ligada a un sentimiento religioso de culpa. La historia, el paso del tiempo y su imperturbabilidad tan implacable constituyen los vectores de la mayoría de sus poemas. Tenía la facultad de recrear la vida cotidiana de los tiempos pasados: en Oriente, en Grecia, en Roma, en Bizancio. Encontraba material en el Cristianismo primigenio y en la convivencia de lo pagano con lo espiritual.
Su estilo es único y seminal para una buena generación de poetas europeos muchos de ellos españoles, como Gil de Biedma, José María Álvarez, Luis Antonio de Villena o José Luis Panero. Es una mezcla inteligente de personajes históricos observados en sus momentos humildes y gente anónima y vulgar apreciados como héroes cotidianos plagados de simbología.

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Konstantin Kavafis, el viejo bardo, el poeta de Alejandría, apenas salió de su ciudad y está enterrado en el cementerio de Chatby, junto a su madre y seis de sus hermanos.

EL DIOS ABANDONA A ANTONIO

Cuando, de pronto, a media noche oigas
pasar una invisible compañía
con exquisitas músicas y voces,
no lamentes en vano tu fortuna
que cede al fin, tus obras fracasadas,
los ilusorios planes de tu vida.
Como dispuesto de hace tiempo, como valiente, dile
adiós a Alejandría que se aleja.
Y sobre todo no te engañes: en ningún caso pienses
que es un sueño tal vez o que miente tu oído.
A tan vana esperanza no desciendas.
Como dispuesto de hace tiempo, como valiente, como
quien digno ha sido de tal ciudad, acércate
a la ventana. Y ten firmeza. Oye
con emoción, mas nunca
con el lamento y quejas del cobarde,
goza por vez final los sones,
la música exquisita de la tropa divina,
despide a Alejandría que así pierdes.

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Uno de sus poemas más celebrados y populares es el “Viaje a Ítaca” que se puede escuchar en la voz de José María Pou.

 

“Esperando a los bárbaros”

 

 

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GERRY MULLIGAN, UN MITO DEL COOL JAZZ

En los primeros años de la década de los cincuenta, en el mundo del jazz, el sonido imperante era el llamado jazz bebop. Este sonido era hijo directo del anterior modelo jazzístico, el llamado swing, el de las grandes bandas con muchos instrumentos y vocalista que había reinado en los años anteriores y posteriores a la Guerra Mundial. El bebop sustituyó al swing como música apreciada por el público, de la mano de una generación de músicos que priorizaba la individualidad frente al sonido compacto de las big bands, que habían sido inmensamente populares.

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La big band de Tommy Dorsey con un joven vocalista que se convertiría en una leyenda de la música popular: Frank Sinatra

Estos interpretes ya no se conformaban con un solo de unos minutos, querían más y querían una música diferente, más caótica y con más improvisación, más negra en definitiva. Así Dizzie Gillespie, Thelonius Monk y Charlie Parker entre otros impulsaron el bebop destronando el swing.  

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Grupo de Bebop Jazz: Piano, viento, bajo y batería.

A comienzos de la década de los 50, uno de los músicos más significativos del bebop fue el trompetista Miles Davis. Davis era un talento natural que empezó a alejarse del sonido bebop desarrollando una música más relajada y con menos improvisación, una música que se acercaba a la música clásica europea. Este sonido tomó el nombre de Cool, en la costa este (Boston y New York principalmente) y West Coast Jazz, en California.

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Grupo de Cool Jazz: sin piano, solo viento, bajo y batería.

A partir de entonces el cool tomó el relevo y se hizo muy popular, impulsado por una generación de jóvenes blancos como Chet Baker, Stan Getz o Gerry Mulligan entre otros. Miles Davis, que había estado en su origen repudió este sonido por considerar que se alejaba demasiado de las raíces negras del jazz. En el cool jazz se encuentra el origen, junto con la samba brasileña, de la posterior y exitosa bossa nova de la mano de Stan Getz.

Uno de los músicos más significativos del cool jazz fue Gerry Mulligan.

 

 

 

 

 

Mulligan nacía en Nueva York el 6 de abril de 1927 y se convirtió en uno de los mitos del jazz.

En sus inicios profesionales era arreglista, tocando diversos instrumentos esporádicamente, pero apenas con veinte años se dedicó especialmente a desarrollar la técnica de uno de los instrumentos menos populares entre todos los utilizados en la primera mitad del siglo XX: el saxo barítono.
Hasta la llegada de Mulligan en el mundo jazzístico, el saxo barítono era demasiado grande y lento, él le dio una versatilidad y velocidad desconocidas llegando a tocarlo como si se tratara de un saxo tenor o un saxo alto.

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Fue en 1951, después de su traslado a Los Ángeles que empezó su leyenda. Tocaba regularmente en dos clubs de jazz de prestigio: el “Haig” y el “Lighthouse”, con su grupo y con el del mítico trompetista Chet Baker. De esta época es la grabación de la pieza “As Catch Can” efectuada en Newport en el año 1958

Posteriormente formó un cuarteto y esporádicamente un sexteto con Art Farmer (trompeta) y Bob Brookmeyer (trombón) entre otros. Su versatilidad le permitió tocar con la mayoría de los músicos que admiraba en la época dorada del jazz: Duke Ellington, Stan Getz, Paul Desmond, Dave Brubeck o Thelonious Monk.
Incluso se atrevió a probar suerte con música diferente como los tangos de Astor Piazzola y Tulio de Piscopo

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A principios de los 6o, con la aparición de sonidos diferentes: el soul, el R&B i posteriormente el Rock and Roll, el cool jazz perdió su preeminencia, no obstante Mulligan siguió fiel al cool grabando en el 92 un disco llamado significativamente “Rebirth of the cool”, y continuó tocando y grabando hasta poco antes de su fallecimiento en el 96, a los 68 años.

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Con Dave Brubeck

 

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Con Miles Davis y Zoot Sims

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Gerry Mulligan interpreta con su cuarteto Night walk en 1958

 

Gerry Mulligan con Chet Baker en el clásico Stardust. Grabación de Diciembre de 1957 en Nueva York

 

Gerry Mulligan con Chet Baker en el clásico Speak low

 

 

El cuarteto de Mulligan interpretando Open Country.

Bob Brookmeyer al trombón, a la batería Gus Johnson, al bajo Wyatt Ruther y Gerry Mulligan al saxo barítono en una grabación de los años 50.

 

Albert·Música

SAINT SAËNS, UN MUSICO A RECORDAR

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Charles Camille Saint-Saëns fue un músico importante en su tiempo, muy importante y muy prolífico pero  a pesar de tener más de cuatrocientas composiciones, durante muchos años, el gran público difícilmente podría decir una obra de él. Si acaso “La danza macabra”, “El carnaval de los animales” y poco más.

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Representación de “La danza macabra”

Había nacido en París en octubre de 1835 y fue un niño prodigio. Empezó a tocar el piano a los dos años, pero no música infantil, tocaba música seleccionada de Haydn y Mozart. Antes de los cinco años ya había compuesto una pequeña pieza para piano cuya partitura se conserva en la Biblioteca Nacional de Francia. El 6 de mayo de 1846 tocó en la importante Sala Pleyel de París acompañado por Théophile Tilmant, violinista y director de orquesta francés. Interpretando el Concierti en Do menor de Beethoven y el Concierto de piano núm 15 de Mozart, con una cadencia de su propia invención. Tenía 11 años.
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Decimos que poco conocido por que es así, a pesar de su ingente obra, Saint-Saëns compuso para la mayoría de los géneros musicales, en su haber constan trece óperas, cuatro sinfonías, música de cámara, música religiosa, poemas sinfónicos, conciertos para muchos instrumentos solistas e incluso música para el incipiente cine de su época (fue uno de los primeros compositores que creó música para el cine. La música que acompaña al film silente de 1908  “El asesinato del Duque de Guisa” es de Saint-Saëns.

De todas las óperas que compuso solo hay una que formaría parte del catálogo de representaciones modernas y aun así, no con demasiada asiduidad: “Sansón y Dalila”
Paradójicamente, en vida, fue un compositor realmente importante y famoso formando parte activa de la renovación estilística de la música francesa que llevarían a la aparición de Debussy, Ravel o Fauré.


Desde el punto de vista moderno, su música es perfecta técnicamente pero se considera poco inspirada, lo cual también es paradójico si pensamos que, aunque ligada a la tradición clásica francesa: Gounod, Berlioz o Bizet, Saint-Saëns exploró formas musicales nuevas y formó parte integrante de la nueva música francesa. Esto se puede comprender si vemos que la evolución vital y musical de Saint-Saëns ocurrió durante unos años en los que la música, a nivel mundial, sufrió una evolución acelerada. Cuando él empezó su carrera, Chopin y Mendelssohn estaban en la cima y en sus últimos años tuvo que ver la explosión del jazz como música popular y Richard Strauss o Mahler en la música elitista. Un músico como él, que había sido digamos revolucionario, se convirtió en conservador y reaccionario.

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Hay dos definiciones aplicadas en su época, con referencia a su aportación a la música que explican perfectamente la visión que se tenía de Saint-Saëns:
el más grande compositor de segunda fila” o
“el más grande compositor privado de genio”

Su posición se encuentra en la frontera que separa a los compositores reconocidos por el gran público de los que son conocidos y valorados por los entendidos.

 

Saint Saëns fue un gran viajero, por la música y por placer visitó gran parte del mundo pero viviendo en París, el centro cultural y artístico del mundo durante el cambio de siglo tuvo ocasión de relacionarse con gran parte de la intelectualidad más relevante. Conoció personalmente a músicos ya consagrados como Liszt, Gounod, Berlioz o el propio Wagner y otros más jóvenes como Fauré, Ravel o Tchaikovsky. Artistas como Ingres, Sarah Bernhardt o Ana Pavlova entre otros gozaron de su amistad.

Saint Saëns falleció en Argel a los 86 años. Si bien su vocación era la música a la que se dedicó toda la vida, era un intelectual interesado en otras materias principalmente científicas, como la astronomía, las matemáticas, la geología y la botánica entre otras. También se interesó por la filosofía y las ciencias ocultas. Era un hijo de su tiempo.

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Saint Saëns motorizado a principios de siglo

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En su ópera “Sansón y Dalila”, estrenada en 1877, hay un aria que se podría considerar la más sensual de las que se encuentran en la operística francesa y quizás del conjunto de óperas del siglo XIX, es una de las más belles arias de la ópera francesa. En el video adjunto se puede disfrutar con la interpretación de la diva por excel·lència: Maria Callas en una grabación de 1961.

No os la perdáis, son seis minutos para volar.

 

 

Albert·Poesía

LORD BYRON “POETA Y PERSONAJE”

Cuando pases por la tumba donde mis cenizas se consumen, ¡oh!, humedece su polvo con una lágrima

 

Así reza el epitafio en una tumba del cementerio de la Iglesia de Santa María Magdalena en Hucknall, localidad del condado inglés de Nottinghamshire. Allí descansan parte de los restos de uno de los poetas más importantes e influyentes del siglo XIX: el gran poeta romántico inglés George Gordon, conocido como Lord Byron, que había nacido en Londres en 1788 y falleció por enfermedad desconocida en Missolonghi (Grecia) a los 36 años. Tuvo gran influencia en los poetas de su tiempo y posteriores aunque fue muy controvertido en Inglaterra por su caracter rebelde. Abandonó su país a los 28 años para no volver en vida. Su corazón y sus pulmones se quedaron en Grecia y el resto del cuerpo regreso a Inglaterra pero no lo enterraron en el “Rincón de los Poetas” de Westminster por haber tenido una vida demasiado escandalosa para los parámetros sociales de la época.
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Y uno de sus poemas más famosos es el llamado

SO, WE’LL GO NO MORE A ROVING…

Se trata de un poema muy bello, de despedida y que aparece en dos de las obras cumbres de la ciencia ficción del siglo XX. Bradbury lo incluyó en sus “Crónicas marcianas” y lo mismo hizo John Wyndham en “El día de los trífidos”
La nostalgia se destila en todas y cada una de las palabras del poema.

“So, we’ll go no more a roving
So late into the night,
Though the heart be still as loving,
And the moon

For the sword outwears its sheath,
And the soul wears out the breast,
And the hearth must pause to breathe,
And love itself have rest. be still as bright.

Though the night was made for loving,
And the days return too soon,
Yet we’ll go no more a roving
By the light of the moon.”

 

Así es, no volveremos a vagar
Tan tarde en la noche,
Aunque el corazón siga amando
Y la luna conserve el mismo brillo.
Pues la espada gasta su vaina,
Y el alma desgasta el pecho,
Y el corazón debe detenerse a respirar,
Y aún el amor debe descansar.
Aunque la noche fue hecha para amar,
Y demasiado pronto vuelven los días,
Aún así no volveremos a vagar
A la luz de la luna.

 

Joan Baez versionó el poema en una canción al estilo country.

 

 

La vida de Lord Byron fue corta e intensa. Vista con perspectiva podríamos decir que el personaje que él creó era lo más parecido a lo que en un futuro sería una estrella de la música popular. Baste esta circunstancia como ejemplo de su capacidad de crearse a si mismo: Byron tenía una deformidad genética, había nacido con el pie derecho patihendido, tenía los dedos girados hacia dentro, lo cual le generaba una cojera considerable. Durante la infancia aprendió a superarlo de forma que su cojera se transformó en un caminar excéntrico y distinguido.

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Byron llegó a ser una celebridad mundial. Bisexual, su imagen de héroe fascinaba al público. Aristócrata sin fortuna, pero muy crítico con la clase aristocrática de su país y rechazado por ello. Siempre apoyando causas perdidas, los desheredados, los marginados, los miserables, admirador de corsarios y cosacos. Apoyó a los españoles en la invasión napoleónica, pero también a los venezolanos en su lucha por la independencia de España. Luchó en su admirada Grecia por su independencia de Turquía y esa fue su última batalla ya que murió allí, en el asedio a Missolonghi.

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Como autor de poesía fue muy prolífico y entre sus obras destacan: Don Juan, Las peregrinaciones de Childe Harold, El corsario, Manfredo o la última A mis treinta y seis años. Su obra tuvo gran influencia en los autores románticos de su generación y posteriores principalmente por sus héroes o antihéroes cuyo carácter idealizado es al mismo tiempo defectuoso: apasionados y talentosos pero también críticos  con la sociedad como él mismo. En sus personajes abundan los que ostentan un carácter autodestructivo,  los rebeldes, los exiliados, los amores imposibles, los pasados tumultuosos y oscuros.

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La influencia de Lord Byron en la literatura ha sido y es enorme, autores como Poe, Goethe, Becquer o Pushkin encontraron inspiración en sus poemas y en sus personajes y no solo fueron literatos, también músicos como Mendelssohn, Schumann o Berlioz se inspiraron en Byron, existen más de cuarenta óperas relacionadas con su obra. Ya en el siglo siguiente, el cine encontró inspiración en Byron como personaje: Shelley, Remando al viento o Verano atormentado entre otras.

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Es interesante destacar el papel que tuvo Byron en la génesis de dos personajes de la literatura de terror que han sido y son de enorme trascendencia: Frankenstein y Drácula. En una tormentosa noche del verano de 1816, Byron estuvo residiendo en una villa alquilada en Suiza, la Villa Diodati y tenía como invitados a sus amigos Percy y Mary Shelley, y su médico personal el doctor Polidori. Esa noche lúgubre se retaron a escribir relatos de terror- Mary Shelley escribió Frankenstein y el doctor Polidori El vampiro, ambos inspirados en Byron. El camino que emprendieron los dos personajes esa noche ha sido y es muy largo llegando hasta nuestros días en perfecta salud.

 

Uno de los poemas románticos de Lord Byron

Camina bella, como la noche…


Camina bella, como la noche
De climas despejados y de cielos estrellados,
Y todo lo mejor de la oscuridad y de la luz
Resplandece en su aspecto y en sus ojos,
Enriquecida así por esa tierna luz
Que el cielo niega al vulgar día.

Una sombra de más, un rayo de menos,
Hubieran mermado la gracia inefable
Que se agita en cada trenza suya de negro brillo,
O ilumina suavemente su rostro,
Donde dulces pensamientos expresan
Cuán pura, cuán adorable es su morada.

Y en esa mejilla, y sobre esa frente,
Son tan suaves, tan tranquilas, y a la vez elocuentes,
Las sonrisas que vencen, los matices que iluminan
Y hablan de días vividos con felicidad.
Una mente en paz con todo,
¡Un corazón con inocente amor!